La flor de nochebuena

Espacio de Arabril

La Cuetlaxóchitl era una planta de ornato muy apreciada por los aztecas y ocupaba un lugar especial en los jardines de Nezahualcóyotl y Moctezuma.
Fueron los franciscanos quienes asociaron esta planta al nacimiento de Jesús, cuando la llevaron a Taxco y la emplearon para decorar en la Navidad, debido a que la floración coincide con estas fechas

Cuando Poinsett   [un embajador estadounidense ] visitó Taxco,  se encontró con una barranca llena de Nochebuenas; la flor lo fascinó a tal grado que realizó expediciones a diferentes sitios de México en los que recolectó varios cargamentos de plantas endémicas, entre ellas la Cuetlaxóchitl, los cuales fueron enviados a Estados Unidos.
Debido a que Poinsett llevó la flor a EU es que en aquel país se le conoce como Poinsettia. Incluso, el 12 de diciembre tiene su fiesta nacional en aquel país.

En 1937, la familia Ecke, una de las principales productoras de…

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¿Por qué las pinturas extrañas de los manieristas merecen una segunda mirada?

Agnola Bronzino, Retrato de Lodovico Capponi, 1550–55.  Imagen a través de Wikimedia Commons.
Agnola Bronzino, Retrato de Lodovico Capponi , 1550–55. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Entre los miles de bebés no infantiles en el arte italiano, no hay ninguno como el niño Jesús en Parmigianino‘s Madonna y niño con ángeles (1534-1540). Aunque claramente era un recién nacido, Jesús debe medir más de 2 pies de altura, la mayor parte de esa altura contenida en su largo y delgado torso. Luego está la pose perezosa, casi lánguida del bebé. Él cuelga precariamente del regazo de su madre; A juzgar por la pendiente del muslo de María, el niño Jesús está a punto de caer al suelo. No mucha gente se da cuenta de este accidente en ciernes la primera vez que ven la pintura de Parmigianino, probablemente porque están demasiado ocupados mirando un aspecto aún más extraño de la obra, el que le dio su título informal y más conocido. : Madonna con el cuello largo .
Aprendiendo acerca de Manierismo (Estilo artístico que surgió en Italia a comienzos del siglo XVI y que se caracteriza por la abundancia de las formas difíciles y poco naturales.
“el primer manierismo apareció como reacción al equilibrio de formas del Renacimiento; una figura excepcional, El Greco, culmina las formas del manierismo al servicio de la religiosidad apasionada y cerrada sobre sí misma de la Contrarreforma española”)
El movimiento que surgió en Italia a principios del siglo XVI, del cual Madonna of the Long Neck es un ejemplo favorito, significa tropezar con rarezas desenfrenadas en obras de arte que pueden parecer debidamente convencionales a primera vista. No es de extrañar que el manierismo siga siendo un tema polémico para los académicos: parece haber algún tipo de requisito para que cada ensayo sobre el término comience por reconocer lo diabólicamente difícil que es definirlo. Muchos historiadores del arte ven el movimiento como un movimiento de transición, incómodamente atrapado entre los  logros de Miguel Ángel, Leonardo y Rafael a finales del siglo 15 y las extravagancias del Barroco a principios del 17. Lo desglosan por sus miembros clave (Parmigianino, Agnolo Bronzino, Benvenuto Cellini, Jacopo da Pontormo, Rosso fiorentino) y características definitorias: colores brillantes, figuras retorcidas, espacios indeterminados y una abrumadora sensación de artificialidad.
Podría ser mejor entender el manierismo teniendo una idea de cómo era ser un joven pintor en Italia a principios del siglo XVI. Los maestros de la generación anterior habían producido obras que representaban, en ese momento en el tiempo, el vértice de la pintura dramática y realista. La sofocante grandeza de sus logros marcó el comienzo de lo que Susan Sontag denominó un “momento tardío” en la cultura, una época cuyos picos ya han pasado, “que presume un discurso interminable anterior a sí mismo”. Para la generación más joven, hacer arte en las sombras de estos gigantes deben haber sido intimidantes, por decir lo menos.
Suzanne et les vieillards (Susanna y los ancianos)
Alessandro Allori Suzanne et les vieillards (Susanna y los ancianos) Musée Magnin
La deposición
Jacopo da Pontormo La Deposición , 1525 – … Santa felicita, florencia
En nuestro último momento, ya preparado para ser recordado como la ” Era del Remix “, algunos artistas posmodernos han problematizado el concepto de originalidad, eligiendo reinterpretar estilos y formas antiguos, en lugar de comenzar de cero. Algo más o menos similar se podría decir de los pintores manieristas que surgieron en la década de 1520: el Alto Renacimiento era como un padre austero, a quien imitaban y, en ocasiones, parodiaban, pero no podían ignorar. “La impresión más fuerte que deja un cuadro manierista típico”, escribió una vez el historiador del arte Eric Newton, “es que el artista no ha obtenido casi nada directamente de la naturaleza, sino que ha absorbido, digerido y estilizado los cuadros de otros”. Manera de caracterizar a Madonna con el cuello largo.
Es como si Parmigianino estuviera jugando una versión pictórica del juego del teléfono, copiando copias interminables de obras maestras del Renacimiento hasta que la imagen se haya transformado en algo más salvaje de lo que Rafael hubiera podido imaginar. Así como algunos artistas contemporáneos usan el humor para distanciarse de sus precedentes históricos, los manieristas italianos a menudo presentaban sus homenajes renacentistas con un espíritu alegre. A lo largo de los siglos, muchos han confundido esta alegría con la ligereza, interpretándola como una admisión tácita de que el manierismo era simplemente una imitación de lo que vino antes. Hasta bien entrado el siglo XX, de hecho, los pintores manieristas eran, en general, considerados figuras menores en el canon. Más recientemente, los historiadores del arte han tendido a ver la inventiva donde otros una vez vieron el estancamiento. En un famoso ensayo de 1964 , Sontag encontró en el manierismo un antepasado de la sensibilidad moderna del Campamento : “un amor por lo antinatural: el artificio y la exageración”, escribió. Neoyorquinoel crítico Peter Schjeldahl se hizo eco del punto de Sontag cuando escribió que “ahora somos sobre todo manieristas. El arte sobre el arte y el estilo por el estilo. ”Los manieristas pueden no haber superado a Miguel Ángel, exactamente, pero encontraron la libertad en la sumisión, disfrutando de una forma irónica de imitación que fue en parte homenaje, en parte parodia.
El problema con la ironía es que algunas personas no lo reconocerán. El pintor florentino Bronzino es un excelente ejemplo de ello: su reputación ha ido subiendo y bajando a lo largo de los siglos, y sus obras, como el propio manierismo, a menudo se describen como “frías”, técnicamente brillantes, pero sin emociones. El retrato de Bronzino de Lodovico Capponi, completado entre 1550 y 1555, muestra su joven sujeto, una página en la corte de los Medici, de pie contra una cortina verde, para que los espectadores no tengan idea de dónde está realmente. Sus dedos largos e inteligentes; labios ligeramente fruncidos; y los ojos entrecerrados lo hacen parecer amenazador y levemente repugnante, como un Draco Malfoy italiano del siglo XVI.
Cristo que lleva la cruz

El greco  Cristo que lleva la cruz , ca. 1577-1587  El Museo Metropolitano de Arte
Cuatro estaciones en una cabeza
Giuseppe Arcimboldo  Cuatro … Galería Nacional de Arte, Washington DC
Sin embargo, es simplemente erróneo decir que este es un retrato “frío”. En cierto sentido, Bronzino presenta a sus espectadores una máscara, del tipo que muchos jóvenes inseguros y callados todavía usan hoy en día. Pero también nos ofrece un vistazo por debajo de esa máscara: testigo del medallón que Lodovico lleva en su mano derecha, que representa el rostro de una mujer. Es crucial saber que cuando se sentó para este retrato, Lodovico estaba teniendo una aventura apasionada con una mujer que ya había sido elegida como novia para un miembro de la familia Medici. Los historiadores han sugerido que Bronzino sabía sobre el asunto cuando pintó el retrato, y de esta manera, la aparente frialdad de la obra se convierte en una broma, incluso en algo dulce: no importa lo difícil que este niño intente imitar a los cortesanos más viejos y arrogantes. , sigue siendo, en el fondo, un softie de ojos estrellados.
En los últimos 50 años, más o menos, el manierismo ha regresado de manera importante, hasta el punto en que los estudiosos están tratando de reclamar a ciertos artistas radicales del siglo XVI como manieristas, incluso si sus trabajos tradicionalmente no se han estudiado con ese objetivo. Las deliciosas pinturas de Guiseppe Arcimoldo, que representan seres humanos construidos con frutas, libros, flores y más, puede parecer que no tienen mucho en común con las obras excesivamente estilizadas de Bronzino o Parmigianino, pero sus colores vivos y su humor descarado los hacen excelentes candidatos. En este sentido, la noción de usar fragmentos antiguos o inanimados para construir algo vivo y nuevo casi suena como una metáfora de la estética manierista.
Entonces está El greco, el pintor notoriamente inclasificable de finales del siglo XVI que vivió en España durante la mayor parte de su vida adulta. Estudiando en Venecia y Roma de joven, habría encontrado muchas de las obras manieristas clave, y más tarde, llevó su influencia, junto con la de los iconos bizantinos y las esculturas de Miguel Ángel, con él a Toledo. El largo y delgado mártir en Cristo que lleva la cruz (ca. 1577–87) tiene un claro parecido con las figuras de Parmigianino: es como el hombre del bebé en la Virgen del Cuello Largo crece para ser y, sin embargo, sería difícil confundir las pinturas de Parmigianino con las de El Greco. En las mejores obras manieristas, el significado emocional debe ser explicado, lenta y cuidadosamente; en la emoción fuerte de El Greco, penetra en cada pulgada cuadrada del lienzo, y la fuerza de la fe o el sufrimiento o la alegría de las figuras amenazan con romperlas en pedazos. La mirada del manierismo está fija en el Alto Renacimiento; incluso cuando él está consciente imitando artistas anteriores, El Greco parece estar mirando hacia delante cientos de años para el Cubismo,

Pero si El Greco era o no era un manierista portador de cartas no era realmente el punto: estudió el manierismo durante años y, en el proceso de imitar este movimiento altamente imitativo, se encontró con un estilo propio. Su trabajo, dale la etiqueta que te guste, demuestra que los artistas pueden imitar y ser muy originales al mismo tiempo. Esa es la tesis a la que los manieristas dedicaron sus carreras, una que es crucial tener en cuenta cuando miramos sus pinturas de hoy.
Jackson Arn