MICHELANGELO

1. Retrato de Miguel Ángel , ca. 1533. 
Tiza negra. Museo Teyler, Haarlem.

 

 

https://www.musebooks.world/world/reading/preview/318

La Capilla Brancacci y la Galería de los Uffizi en Florencia ilustran ampliamente la poderosa influencia en Miguel Ángel de sus compañeros maestros. La Madonna y el Niño de Cimabue con ocho ángeles y cuatro profetas, y la Madonna Ognissanti de Giotto, ambos en los Uffizi, además de Adán y Eva expulsados ​​del Paraíso en Brancacci, de Masaccio , se alimentan directamente de uno de los artistas más talentosos y famosos del siglo XVI de Italia.

 

 

 

 

 

 

 

 

3. Rafael, León X , ca. 1517. 
Distemper sobre madera, 120 x 156 cm. Uffizi, Florencia.

 

4. Cimabue, Madonna en majestad con ocho ángeles y cuatro profetas , ca. 1280. 
Distemper sobre madera, 385 x 223 cm. Uffizi, Florencia.

Hasta el siglo XIV, los artistas se clasificaron como mano de obra de clase baja. Después de largos años de abandono, Florencia comenzó a importar pintores griegos para revitalizar la pintura que se había quedado atascada en un estilo bizantino que era rígido, repetitivo y cargado de oro.

Nacida en Arezzo, Margaritone fue una pintora poco conocida del siglo XIV que se separó del “estilo griego” que impregnaba la pintura y los mosaicos. Aunque es un verdadero pionero, es menos recordado que Cimabue y Giotto. También muy influenciado por la pintura griega, Cimabue fue un escultor y pintor florentino que rápidamente inyectó colores más brillantes, más naturales y vivaces en sus pinturas. Todavía estamos muy lejos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, pero la pintura ahora se estaba moviendo en su dirección.

5. Giotto de Bondone, Madonna Enthroned with Child, Angels and Saints , 1306‑1310. 
Distemper sobre madera, 325 x 204 cm. Uffizi, Florencia.

A más tardar a principios del siglo XIV, Giotto di Bondone había emancipado completamente la pintura florentina de la tradición bizantina. Este alumno de Cimabue redefinió la pintura de su época. Entre las obras de Cimabue y Giotto citadas anteriormente, la nueva tendencia se destaca en la representación del rostro y la vestimenta de la Virgen. Cimabue estaba saliendo del molde bizantino. En una obra posterior, él mismo estaría bajo la influencia de uno de sus propios estudiantes: la Santísima Virgen de Giotto, tiene una mirada muy realista donde acuna a su bebé en sus brazos como cualquier madre joven y cariñosa normal. Las otras figuras en la composición aparecen menos bizantinas y usan el oro con más moderación. El plisado en su atuendo esboza las curvas de su cuerpo. Estas características definen su contribución a una revolución del siglo XIV en el arte florentino. Sus habilidades como retratista y paisajista le sirvieron bien cuando más tarde se convirtió en el arquitecto jefe de la Ópera del Duomo de Florencia, cuyo campanario comenzó con el estilo gótico florentino. Como Miguel Ángel después de él, él era un hombre de muchos talentos. El siglo XIV demostró ser el más dinámico y el estilo de Giotto se extendió de manera amplia y lejana gracias a Bernardo Daddi, Taddeo Gaddi, Andrea di Cione (también conocido como Orcagna) y otros herederos.

Luego vino un período de influencia gótica internacional en el siglo XV justo cuando Masaccio entró en erupción en la escena artística florentina con sus ricas complejidades de estilo. Su impacto en Miguel Ángel fue dramático. El nombre real de Masaccio era Tommaso di Giovanni Cassi; Nacido en 1401, murió después de solo veintisiete años hiperactivos. Fue uno de los primeros en ser llamados por su nombre de pila, un signo seguro de un nuevo estatus social más alto para los artistas. Dos obras notables son su Trinidad en la Santa Maria Novella y la Expulsión del Paraíso.en la capilla brancacci. Este revolucionario líder del arte renacentista italiano alteró todas las reglas existentes. Influenciado por Giotto, la nueva actitud arquitectónica de Brunelleschi con respecto a la perspectiva, la escultura de Donatello y otros amigos o cohortes, Masaccio agregó perspectiva en sus frescos junto con los de Brancacci, poblados por figuras tan reales que el ojo casi percibe sus movimientos. Masaccio dirige la atención exactamente a lo que debe notar, dejando a los espectadores sin margen de maniobra para la apatía. Expulsión del Paraíso, es, fácilmente, su obra maestra: encorvada con el pecado y la culpa, las dos figuras irradian pura vergüenza y sufrimiento. Es claramente más aterrador que el tratamiento de Masolino del mismo tema opuesto. Los trabajos de restauración de finales de siglo en la capilla abolieron las hojas de higuera, y volvieron a poner a la vista todos los genitales: esta fue la primera pintura desnuda y Masaccio estaba ofreciendo arte ahora muy alejado de cualquier cosa bizantina. Su pintura era tan original que Fra Angélico, Leonardo da Vinci, Rafael, Caravaggio, Ingrès y el mismo Miguel Ángel hicieron todo lo posible para verla. Independientemente de la dirección que tomaron sus obras, cada uno tenía su deuda con Masaccio.

6. Fra Angelico, Anunciación, 1430‑32. San marco, florencia

 

 

 

 

7. Masaccio, Expulsión del Paraíso , fresco. 
Capilla Brancacci, Santa Maria del Carmine, en Florencia.

El legado de Masaccio es enorme. Fra Giovanni da Fiesole (también conocido como Fra Angelico) estuvo muy bajo su influencia, aunque muchos años más que él. Este piadoso y humilde fraile dominicano completó encantadores frescos para los claustros y las celdas del Convento de San Marco, incluida la Anunciación . Luego vino Domenico Veneziano, quien maduró el estilo de Fra Angelico y lo convirtió en una sustancia firme y refinada específica para el arte del Renacimiento florentino.

A mediados del siglo XV, la filosofía humanista dio la espalda a la Edad Media y buscó inspiración en la Antigüedad. Mientras tanto, el arte miraba hacia su herencia grecorromana, ya que también rechazaba todas las cosas medievales. Sin embargo, el término “Renacimiento” solo se inventó en el siglo XIX cuando Jules Michelet publicó su Historia del Renacimiento en 1855.

Antes de seguir adelante, debemos revisar las diferentes etapas del Renacimiento. En general, se acepta que un Renacimiento inicial “Primitivo” abarcó desde 1400 hasta 1480, seguido de la “Edad de Oro” desde 1480 hasta entre 1520 y 1530; se cerró con el Renacimiento tardío que abarca desde 1530 hasta 1600. Considerado durante mucho tiempo como decadente, este último período es solo el final lógico de un movimiento que dominó los siglos XV y principios del XVI. Miguel Ángel comenzó en la Edad de Oro y continuó hasta el Renacimiento tardío cuando el manierismo se puso de relieve. (Estilo artístico que surgió en Italia a comienzos del siglo XVI y que se caracteriza por la abundancia de las formas difíciles y poco naturales.)

A mediados del siglo XV, las obras de Platón habían llegado a Florencia y, aprovechando la imprenta, Marsilio Ficino ayudó a difundir en toda Europa la visión humanista que colocaba al hombre en el centro del universo. El nuevo enfoque en la antigüedad estimuló la pintura, la escultura y la arquitectura, pero construyendo sobre ella en lugar de simplemente pedir prestado. Florencia fue la cuna del Renacimiento italiano y desde allí se extendió a Roma como veremos.

El Renacimiento se caracterizó por el refinamiento tanto en la literatura como en el arte. Filippo Lippi y Benozzo Gozzoli no son más que dos protegidos de los Medici. Lorenzo de ‘Medici (también conocido como Il Magnifico ) se destacó como el patrón de numerosos artistas, pero otras familias prominentes siguieron su ejemplo. Uno de esos beneficiarios fue Leonardo da Vinci, que estudió en el taller de Andrea del Verrocchio, solo para superar rápidamente a su mentor y llevarlo a la desesperación. Da Vinci y Michelangelo incluso se emulaban creativamente de vez en cuando.

Esta fue también la época de la Primavera y el Nacimiento de Venus de Sandro Botticelli . Si la fuerza de Botticelli radicaba en representar la belleza, el equilibrio, la gracia y la armonía que caracterizaban a la Florencia del siglo XV, el enfoque de Miguel Ángel estaba completamente en otra parte. Después de Masolino y Masaccio, el hijo de Fra Filippo Lippi, Filippino, también alumno de Botticelli, pasó a trabajar en la Capilla Brancacci. Los frescos de Lippi en la iglesia de Santa Maria Novella ya estaban anunciando el cambio de la Edad de Oro al Manierismo del Renacimiento tardío.

8. Botticelli, primavera , 1482. 
Temple sobre madera, 203.2 x 312.4 cm. Uffizi, Florencia.

El siglo XV fue tan intenso para la religión como para el arte. Los dominicos de San Marco ejercieron una gran influencia en el arte, como lo demuestran las obras de Fra Angelico. A finales de siglo, el estado de ánimo general en Florencia se estaba deteriorando rápidamente con la muerte de Il Magnifico y las predicaciones extremistas del profeta fundamentalista autodenominado y quemador de libros, Girolamo Savonarola, quien estaba destinado a erradicar la inmoralidad y la corrupción en el Medici. Familia, clero y población general hasta que finalmente fue arrestado por la Inquisición, torturado, excomulgado, ahorcado y luego quemado en la hoguera por una buena medida. Además, los Medici se exiliaron. Todos estos eventos mutilaron seriamente la escena artística local. Un resultado fue que Botticelli, Filippino Lippi, Benozzo Gozzoli y Michelangelo se convirtieron en representaciones más dramatizadas.

También se produjo el impacto en la Florencia de la Escuela Flamenca del siglo XV. Los fuertes vínculos comerciales con Flandes, también mejoraron las artes de Florencia. Los flamencos utilizaron pintura al óleo con un enfoque particular para el color y la adición de perspectiva aérea, mientras que los florentinos descubrieron la perspectiva lineal. Los maestros flamencos influyentes incluyen a Jan van Eyck, Hugo van der Goes, Hans Memling y Rogier van der Weyden. A principios del siglo XVI, la Madonna de Brujas de Miguel Ángel fue encargada por comerciantes flamencos. Pero Miguel Ángel se mantuvo fiel a la pintura al fresco, aunque una vez dijo que la pintura flamenca podía hacerlo llorar, lo que no hicieron las obras italianas.

A principios del siglo XV, la tendencia figurativa iniciada por Fra Angelico en San Marco fue recogida por su compañero fraile Bartolomeo, un discípulo de Savonarola. El estilo se concentró en la encarnación de los ideales religiosos. El Retrato de Girolamo Savonarola de Fra Bartolomeo fue una obra que dio una imagen clara y nítida de su tema ardiente y ardiente, y el uso del color por parte de este artista tuvo un impacto en Rafael, quien a su vez pasaría las influencias a Miguel Ángel, algunas más obviamente que otros.

13. Fra Bartolomeo, Retrato de Girolamo Savonarola, ca. 1498. 
Óleo sobre tabla, 47 x 31 cm. Museo de San Marco, Florencia.

Los comienzos del siglo XVI fueron de gran importancia para el arte florentino, a pesar de la riqueza y variedad sin precedentes del siglo XV. Michelangelo enfrentaba años difíciles en el momento en que estudió con Ghirlandaio en 1488 antes de centrar su atención en las obras de la Antigüedad en el Jardín de San Marco bajo el patrocinio de Lorenzo de ‘Medici. Michelangelo, que respondía intensamente a Donatello, Giotto, Masaccio y Signorelli, los escudriñó y copió cualquier gesto, pose, arreglos de cortinas o expresiones faciales que se convirtieran en su fantasía, algo que los abogados de propiedad intelectual podrían desaprobar hoy. E invariablemente se negó a mostrar cualquier obra en progreso, incluso cuando el patrón era el mismo Papa: ¡copió prolíficamente, pero no tenía intención de ser copiado él mismo! También odiaba reproducir las características de las personas vivas a menos que pensara que su belleza era infinita. Además, fue el primer artista en afirmar que la belleza es la base absoluta para su trabajo. Toda su producción estaba basada en su imaginación, en contraste con otro arte que seguía los preceptos de Rafael y los primitivos. Toda su vida, Miguel Ángel permanecería dividido entre Florencia, donde realmente comenzó su carrera, y Roma, donde decoró la Capilla Sixtina para los Papas.

Miguel Ángel, Rafael y Leonardo da Vinci fueron el núcleo del arte florentino del siglo XV. También vale la pena citar al pintor e historiador Giorgio Vasari, cuyas Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos aparecieron por primera vez en 1550, y la edición ampliada apareció en 1568. Finalmente, estaba el amigo íntimo y primer biógrafo de Miguel, Ángel Ascavio Condivi. Independientemente de las deficiencias de las obras de estos dos hombres, brindan información invaluable sobre el Renacimiento florentino y las personas que lo hicieron realidad.

12. Vasari, Retrato de Lorenzo de Medici , 
Óleo sobre lienzo, 90 x 72 cm.

Michelangelo y Da Vinci destacaron como personalidades fuertes y poderosas con dos actitudes irreconciliablemente opuestas al arte, sin embargo, Vasari reporta un vínculo de profunda comprensión entre ellos. Da Vinci era veinte años mayor de Michelangelo y cada uno tenía su propia visión del arte. Su feroz independencia dio lugar a choques cuando las circunstancias, como las comisiones simultáneas para los dibujos animados del Palazzo Vecchio, los enfrentaron cara a cara. A partir de Donatello y Verrocchio, Da Vinci desarrolló su estilo sfumato , mejor definido como “mezcla de luz y sombra sin rasgo ni signo, como humo” y el mejor testigo es la Mona Lisa en el Museo del Louvre de París. Obtiene contornos nebulosos y colores oscuros, frente a la técnica de Miguel Ángel que se ve en su Tondo Doni (alias La Sagrada Familia ) en los Uffizi en Florencia. Da Vinci pasó años bajo Verrocchio mientras Michelangelo había durado solo uno en el taller de Ghirlandaio antes de estudiar con Bertoldo: Michelangelo se veía a sí mismo principalmente como un hombre que trabajaba la piedra.

9. Leonardo da Vinci, Mona Lisa , 1503‑05. 
Óleo sobre lienzo, 77 x 53 cm. Museo del Louvre, París.

Para Da Vinci, la preocupación esencial era la larga búsqueda de la verdad, mientras que Miguel Ángel fue perseguido toda su vida por el significado del arte en sí. Ambos habían diseccionado cadáveres para aprender anatomía, pero por diferentes motivos: Da Vinci pretendía mostrar la verdad de un gesto para representar mejor la acción y la emoción, mientras que Michelangelo simplemente tenía un gran interés en crear desnudos; Da Vinci nunca pintó desnudos. El David de Miguel Ángel parado en el contrapposto es el resultado directo de sus estudios anatómicos. En resumen, la anatomía afectó a los dos grandes de manera muy diferente.

Estos dos rivales también tenían una inclinación por lo no finito , el abandono de las obras de arte en progreso. Da Vinci solía abandonar los lienzos mientras que Miguel Ángel dejaba esculturas. Da Vinci combina el no finito con el esfumato hasta que se vuelven difíciles de distinguir, mientras que en Michelangelo el non finito sólo es más raro en sus pinturas. O Michelangelo abandonó una obra debido a la presión de otras comisiones o estaba deliberadamente jugando con una forma novedosa de arte particularmente dinámico y expresivo. Después de hacer un modelo, se aplicaría de forma errática a la estatua real, con un frenesí hiperactivo que lo impulsó a través de algunas sesiones y un frío desapego a través de otras. La furia que arrojó al mármol reduciría el exceso y liberaría el alma de la piedra, pero no siempre lo hizo; non finito fue una consecuencia de su excepcional talento creativo. En lugar de imitar a sus predecesores en la pintura figurativa cristiana, optó por comenzar en piedra. Incluso pintó su Tondo Doni. Como si fuera una obra de piedra. Cuando el papa Julio II le entregó la comisión para la Capilla Sixtina, Bramante, Rafael y otros rivales esperaban que saliera de allí. Sin embargo, él lo hizo un éxito! Al final, Miguel Ángel demostró excelencia en la pintura también. En cuanto a la arquitectura, Miguel Ángel había acumulado la madurez para integrar la forma de Bramante de empoderar edificios con dimensiones proporcionales a las del cuerpo humano.

10. Rafael , Retrato de La Velata. Óleo sobre lienzo, 85 x 64 cm. 
Palazzo Pitti, Galería Palatina.

Junto a él se encontraba el ligeramente más joven Raffaello Sanzio d’Urbino (también conocido como Rafael), que murió temprano a la edad de treinta y siete años. Su personalidad también contrasta fuertemente con la de Miguel Ángel. Para empezar, Rafael era muy sociable y él también había desarrollado un estilo propio. Probablemente llegó a Florencia en 1504 después de un sólido entrenamiento con Perugino, se mezcló fácilmente con sus compañeros mientras estudiaba las caricaturas de Miguel Ángel y Da Vinci en el Palazzo Vecchio y saboreaba la paleta de colores de Fra Bartolomeo mientras tomaba prestados toques extraños de Ghirlandaio. Después de unas pocas comisiones privadas, se dirigió a Roma en 1508 (el mismo año que Miguel Ángel), donde pintó el Vaticano Stanze., los apartamentos privados del papa Julio II en el Vaticano. Más allá de su deslumbrante talento para los colores, Raphael se destacó en la prestación de cortinas, terciopelo, damasco y seda de manera distintiva: La Velata en el Palacio Pitti es un buen ejemplo. Sin embargo, la verdadera rivalidad entre Rafael y Miguel Ángel nunca fue agresiva: su técnica y personalidades eran simplemente demasiado diferentes. La muerte temprana de Rafael fue dejar a Miguel Ángel con un verdadero compañero que echar de menos. Dado que las obras de Raphael inculcaron la producción de este último con una cierta dulzura suave y una forma de manejar el color de la piel y las telas, ¡Michelangelo tuvo un paso para llorar de hecho!

En 1534, Miguel Ángel hizo su último traslado a Roma, dejando un rastro de obras sin terminar detrás de él en la Iglesia de San Lorenzo. Había sido llamado para ejecutar el Juicio Final.para la Capilla Sixtina, más una variedad de trabajos para San Marco. Fue entonces cuando conoció a Daniel da Volterra, quien se convertiría en su discípulo de toda la vida. Pero mientras tanto, la Escuela Manierista también se estaba formando en Florencia, con personas como la nativa Andrea del Sarto ejecutando comisiones para el Servi de la Nunziata. Incluso hoy en día, la Iglesia Santissima Annunziata sigue siendo una oveja negra del arte renacentista florentino. Allí se exhiben las obras de Rosso Fiorentino, Pontormo y Sarto, obras caracterizadas por una armonía manierista, formas demasiado extendidas, cuerpos ondulados y diversas contorsiones corporales con un recurso ocasional a combinaciones de colores disonantes. En resumen, el manierismo fue una reacción radical al clasicismo de la Edad de Oro. El juicio final, en la Capilla Paulina y otras obras figurativas posteriores de Miguel Ángel hay ejemplos de libros de texto de esta escuela. Y el propio Tondo Doni , la nueva forma de Miguel Ángel es evidente para todos. Sus obras demostrarían una fusión de drama y fantasía. En arquitectura, Miguel Ángel abrió el camino con las curvas y la tensión que creó para la Iglesia de San Lorenzo. El manierismo incluso afectaba a la jardinería. Los jardines que rodean las grandes propiedades privadas están llenos de excentricidades, curiosidades, cuevas curiosas, fuentes y estatuas de animales; ejemplos limpios son los Jardines Boboli del Palacio Pitti. Pero Miguel Ángel también abrió nuevos horizontes en la escultura. Aunque fracasada, la estatua del dios del mar de Bartolomeo Ammannati en la Piazza della Signoria, sin embargo, se basó en la de Miguel ÁngelDavid, mientras que Perseus de Cellini en la Loggia dei Lanzi es magnífico. Un último y digno sucesor fue Giambologna (también conocido como Giovanni Bologna y Jean de Bologne) y su Violación de una sabina en la misma logia. Pero en el siglo dieciséis, los mejores artistas abandonaban Florencia, el manierismo se tambaleaba en trivialidades y el arte real estaba sucediendo en Roma.

11. Rosso Fiorentino, Moisés defiende a las hijas de Jetro , Óleo sobre lienzo, 160 x 117 cm. Uffizi, Florencia.

Volviendo a Sarto, este artista fue influenciado por Rafael y Miguel Ángel, quien él mismo estaba haciendo manierismo. El manierismo fue una respuesta al malestar general que impregnaba a Florencia en ese momento debido a la situación política local y el trasfondo más amplio de la Reforma. Alrededor de 1520 a 1524, la pintura florentina comenzó a pasar de la Edad de Oro al Renacimiento tardío.

A pesar de su genio y prominencia social, Michelangelo nunca fue inmune a los caprichos de sus patrocinadores, sin embargo, dedicó su vida a ejercer su talento como escultor, pintor, arquitecto y poeta, dejando una enorme obra en su estela.

En su historia del arte de finales del siglo XIX durante el Renacimiento , Eugene Müntz incluye un estudio muy completo de Miguel Ángel. Sin embargo, el estudio necesita actualizarse para incorporar nuevos datos, transferir obras a nuevos lugares, descubrir dibujos adicionales, ediciones recientes, restauraciones y más compasión por el arte italiano anterior al siglo XVI. No obstante, Müntz hizo un trabajo enorme y, en reconocimiento de eso, la única edición de su estilo claro y directo se refiere a unos pocos giros idiomáticos de la frase que hoy sonarían preciosos.

Veronique Laflèche