Día: 14 marzo, 2019
8 artistas famosos que convirtieron la angustia en arte
El Beso Rodin
Alexxa gotthardt
Auguste Rodin no podía soportarlo cuando una discusión rompió temporalmente su relación romántica con su compañero escultor Camille Claudel. «En un solo instante siento tu terrible fuerza», le escribió en una apasionada carta de 1883. “Locura atroz, es el final. Ya no podré trabajar … pero te amo furiosamente «. Pero Rodin trabajó a lo largo de su volátil romance, creando algunas de sus esculturas más apasionadas, incluyendo The Kiss (1882) y The Eternal Idol(1890–93).
Al igual que Rodin, innumerables artistas a lo largo de la historia han canalizado sentimientos de angustia hacia su trabajo. Las piezas resultantes abarcan toda la gama desde apasionado y catártico hasta profundamente triste. A continuación, exploramos cómo los artistas desde Edvard Munch hasta Frida Kahlo y Félix González-Torres han respondido a la agonía y agitación que sigue a la pérdida de un amante.
Frida Kahlo, ciervo pequeño (1946)
Frida Kahlo La venadita (ciervo pequeño) , 1946. MCA Chicago
«Sufrí dos accidentes graves en mi vida: uno en el que un tranvía me derribó … El otro accidente es Diego». Frida Kahlo. Dicho en una entrevista de 1951. Kahlo se refería, por supuesto, a su esposo y compañero artista.
Diego Rivera, con quien tuvo una relación profundamente volátil. Su matrimonio alternaba entre altas apasionadas y bajas amargas; estos últimos a menudo se inspiraban en el insistente engaño de Rivera y también en la infidelidad por parte de Kahlo.
Casi 10 años después de casarse, Rivera comenzó un romance con la hermana de su esposa, una indiscreción que Kahlo no podía tolerar. Los dos artistas se divorciaron temporalmente en 1939, un año en que Kahlo también pintó The Two Fridas , una respuesta directa a la división . El lienzo magistral presenta dos autorretratos: el Kahlo amado por Rivera y el Kahlo despedido por él. Una figura, que sostiene un pequeño colgante que representa a Rivera, tiene un corazón que está intacto y lleno. El otro sostiene un par de tijeras que gotean sangre; un agujero en su pecho solo revela los restos de un corazón mutilado. Otras obras posteriores, como Little Deer (1946), también pueden referirse. al dolor infligido por la relación, así como al inmenso sufrimiento físico de Kahlo por las numerosas cirugías que sufrió durante su vida.
Edvard Munch, cenizas (1894)
Edvard Munch, Ashes, 1895. Imagen a través de Wikimedia Commons. Noruego, Simbolista
Edvard Munch rutinariamente sondaba las profundidades de su propia angustia, usándola como material de origen para su trabajo. La enfermedad, los males existenciales y las muertes prematuras de seres queridos informaron algunas pinturas; otros se inspiraron en los tempestuosos romances que marcaron su vida. A mediados de la década de 1880, cuando tenía veintitantos años, Munch conoció a Millie Thaulow, una mujer mayor y casada a quien veía en secreto. Estaba enamorado de ella, y luego devastado cuando ella terminó su enlace.
«Apareció una mujer mundana con experiencia y recibí el Bautismo de fuego», escribió Munch sobre su aventura y su colapso. «Fui sometido aquí a todo el Desastre del amor, y durante varios años estuve casi enojado». Munch pintó varias obras en respuesta a la angustia que altera la mente que soportó. En Amor y dolor (1893–94), una mujer vampírica con el pelo color rojo fuego parece menos que esté abrazando a su amante ceniciento que drenándole la vida. Ashes (1894) explora un motivo similar: una mujer permanece viril y triunfante en el centro del lienzo, mientras que un hombre se encoge en la miseria debilitada hacia un lado. Un registro carbonizado conecta las dos figuras, aludiendo a la muerte ardiente del amor.
Marina Abramović y Ulay, The Lovers: The Great Wall Walk (1988)
Marina Abramovic Los amantes , 1988 Galería Sean Kelly
Poco después de reunirse en 1975, Marina Abramovic y Ulay, comenzaron a colaborar en actuaciones inspiradas en la fisicalidad, la intimidad y la dinámica de género de su relación. En Inhalando / exhalando (1977), los artistas se quedaron boquiabiertos durante casi 20 minutos, confiando en el aliento de cada uno para mantenerse con vida. Varios años después, concibieron su trabajo más ambicioso: cada uno caminaría desde los extremos opuestos de la Gran Muralla China, reuniéndose en el medio para casarse. Pero en 1988, cuando llegó el momento de realizar la pieza, su relación se había desintegrado. «Ahora ya no éramos amantes y, como parece ser el destino de los románticos, nada era como habíamos imaginado», recordó Abramović . «Pero no queríamos abandonar el camino».
Según lo planeado, los artistas viajaron por 90 días, caminando un total de 2,500 kilómetros, a lo largo de la pared. Cuando se encontraron en el medio, terminaron su relación, luego continuaron caminando uno junto al otro para consolidar el acto. «Para ella, fue muy difícil seguir solo», dijo Ulay sobre The Lovers: The Great Wall Walk , mientras titulaban la pieza. «Para mí, en realidad era impensable seguir solo».
Sophie Calle, cuídate (2007)
Sofie calle Cuídate. Feist , 2007 Perrotin
Cuando el francés artista conceptual Sofie calle recibió un correo electrónico de ruptura de su novio, él no sabía que se convertiría en forraje para su próximo proyecto. En la Bienal de Venecia de 2007, Calle reveló una exhaustiva y fascinante disección de la carta de su ex, titulándola después de su aprobación: Cuídese. La pieza comenzó como una forma de terapia para aliviar la mezcla embriagadora de angustia, desconcierto y conmoción que se produce después de que un amante inesperadamente corta los lazos.
En un intento por darle sentido al correo electrónico, invitó a 107 mujeres a «analizarlo, comentarlo, bailarlo, cantarlo … analizarlo … [y] agotarlo» utilizando su experiencia profesional. Un abogado aplicó una metodología arraigada en el derecho constitucional y determinó que era «punible». Un psiquiatra forense lo evaluó como un «manipulador retorcido». Un tirador de aristas usó la nota para la práctica de los objetivos. Los artistas como Feist y Laurie Anderson pusieron sus palabras a la música del corazón del corazón. «Después de un mes me sentí mejor», dijo Calle sobre la catarsis que siguió. “No hubo sufrimiento. Funcionó. El proyecto había sustituido al hombre «.
Félix González Torres, «Sin título» (1991)
Félix González-Torres, «Sin título», 1991. Vista de instalación: «Donde hay una voluntad, hay un camino». PinchukArtCentre, Kiev, Ucrania. © Félix González Torres. Cortesía de la Fundación Félix González Torres.
El artista Conceptual Félix González Torres, una vez describió su obra como «una enorme colaboración con el público». Los elementos de sus instalaciones estaban destinados a ser descubiertos, tocados, diseminados y llevados a casa; Las preocupaciones sociales que abordaron fueron amplificadas por la interacción humana.
Este concepto alcanzó un punto álgido en 1991, cuando el artista montó una imagen potente en 24 carteles publicitarios en toda la ciudad de Nueva York. Mostraba una cama vacía y arrugada, donde las impresiones de dos cuerpos aún eran perceptibles: hendiduras profundas y suaves en almohadas en forma de nube. González-Torres hizo el trabajo el mismo año en que su compañero, Ross Laycock, murió de una enfermedad relacionada con el SIDA. La pieza abordó simultáneamente el dolor personal del artista y las emociones universales como el amor, la intimidad y la soledad, así como la política que rodea la crisis del SIDA.
Francis Bacon Tríptico en memoria de George Dyer , 1971 Marlborough Londres
El trabajo se llena con el dolor crudo de la agonía y el dolor de corazón, expresado a través de figuras que lloran y se contorsionan a medida que las emociones surgen en ellas. Creó algunas de sus pinturas más impactantes en respuesta al suicidio de 1971 de su amante de larga data, George Dyer.
Bacon había salvado a Dyer de numerosos intentos de acabar con su propia vida, pero esta vez no tuvo éxito. Una serie de trípticos que muestran el cuerpo anudado y sufriente de Dyer representa el dolor del sujeto, así como los sentimientos de culpa y el dolor desenfrenado de Bacon. «Parece una locura pintar a las personas una vez que están muertas, ya que sabes que, si no han sido incineradas, su carne ha comenzado a pudrirse», dijo una vez el artista . Aun así, procesó su desesperación reviviendo a Dyer en la superficie de sus tumultuosos lienzos.
Lee Krasner, paisaje carbonizado (1960)
Lee Krasner Paisaje carbonizado , 1960 «Mujeres del expresionismo abstracto» en el Denver Art Museum, Denver
Entre 1959 y 1962, el pintor de Expresionista abstracto Lee Krasner hizo una serie de composiciones inmensas, oscuras y turbulentas que a veces la llamaban «Los viajes nocturnos». Se embarcó en ellos varios años después de que su esposo, el famoso maestro del goteo, Jackson Pollock, , murió en un accidente automovilístico, y los lienzos expresaron una mezcla embriagadora de angustia y liberación.
“Permítanme decir que cuando pinté una buena parte de estas cosas, que iba en el fondo en algo que no era fácil ni agradable”, relató a su amigo Richard Howard en 1979. Si bien sacudido por el dolor, Krasner también había sido liberado de la sombra de Pollock y el dolor de su insistente filanderismo. Las barras oscuras de pinturas como Charred Landscape (1960) parecen representar una profunda melancolía y una exuberancia sin ataduras.
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