Entendiendo el maestro del Renacimiento Rafael a través de 5 obras de arte clave

 

Los profetas Oseas y Jonás.

Conocido por sus apasionados asuntos amorosos, buena apariencia, estilo de vida lujoso y muerte temprana, Rafael se ha convertido en uno de los mejores artistas de la historia, y en los barcos de ensueño. Mientras que las otras dos figuras amenazantes del italiano
Más allá de esta reputación romántica, hay un artista prolífico que produjo una variada obra que llevó a la pintura del Renacimiento a su punto más alto, a pesar de que murió a la edad de 37 años, en 1520. En su biografía de 2006, Rafael: Una vida apasionada , Antonio Forcellino escribe que su tema “actuó como el intérprete de un mundo muy particular, el sueño de un renacimiento dorado que se logrará a través de los estudios literarios y la pintura”. La obra de Rafael también revela un sentido de “armonía, cultura y equilibrio intelectual y sensual”.
Nacido el Viernes Santo, el 6 de abril de 1483, el mismo día en que finalmente murió, en Urbino, Raffaello Sanzio se hizo cargo del taller de su padre artesano cuando era un adolescente. En 1500, a los 17 años, recibió su primer encargo: un retablo para la iglesia de Sant’Agostino en Perugia, una tarea que lanzaría su precoz carrera. Aquí, miramos más allá de la leyenda para examinar la influencia perdurable de Rafael a través de cinco de sus obras más importantes.

Retrato de una dama con un unicornio (ca. 1505–06)

Retrato de una dama con un unicornio

Una de las primeras obras de Rafael es también su más misteriosa. El retrato muestra a una elegante mujer rubia sosteniendo un pequeño unicornio, su cabeza enmarcada por dos columnas y un paisaje lejano de tierra verde y cielo azul.
Sin embargo, durante siglos, la imagen mostró una escena diferente. En la década de 1930, los conservacionistas revelaron que la pintura había sufrido múltiples revisiones. Rafael había pintado inicialmente un perro en lugar de un unicornio, y en el siglo XVII, otro artista pintó la composición de Rafael por completo, convirtiéndola en una imagen de Santa Catalina sosteniendo una rueda rota, el símbolo de su martirio. El vándalo también agregó un chal sobre los hombros del sujeto, que originalmente había permanecido al descubierto.
Posteriormente, los estudiosos han ideado innumerables interpretaciones de la pintura. Algunos notan su similitud compositiva con la Mona Lisa de Leonardo, que comenzó casi al mismo tiempo, en 1503. Ambas mujeres miran al espectador con miradas impenetrables y labios fruncidos, y las pinturas también emplean un formato de media longitud en el que sus sujetos aparecen sentados, Los marcos que los cortan en sus cinturas. Pero la identidad de la niñera de Rafael, y el significado simbólico del unicornio, siguen siendo rompecabezas para los historiadores. La criatura mítica pudo haber funcionado como un símbolo de pureza: la leyenda sostenía que solo las vírgenes podían atraer un unicornio. Por supuesto, el poder de persuasión de estas vírgenes también advirtió a los pretendientes potenciales de la astucia seductora.

La escuela de Atenas (1509-11)

Escuela de atenas
Rafael Escuela de Atenas , 1509-1511 Stanza della Segnatura, Vaticano
En 1508, el Vaticano convocó a Rafael a Roma, donde el artista permanecería por el resto de su vida. El papa Julio II quería decorar sus nuevos departamentos papales, y comunicar el poder de la Iglesia Católica, con composiciones de los pintores más estimados del día. Joven e impresionable, Rafael fue una combinación perfecta para el papa exigente. “Julius sabía que podía moldear este talento para su proyecto y, por lo tanto, ofreció todas las formas posibles de apoyo”, escribe Forcellino.
El primer fresco del artista para las cámaras papales, La disputa del santo sacramento, impresionó tanto a Julius que designó a Rafael como el único pintor de sus apartamentos, ordenando la destrucción de obras que otros artistas ya habían terminado. Afortunadamente, Rafael convenció a su patrón de que guardara segmentos de las pinturas de sus compañeros antes de embarcarse en su propio programa artístico.
Su fresco más famoso de esta comisión, La Escuela de Atenas , adorna la biblioteca. Apropiadamente, Rafael creó una escena ordenada sobre el aprendizaje en sí mismo. En el centro de la pintura, los filósofos Aristóteles y Platón caminan bajo una serie de Clásicos Arcos, rodeados por grandes pensadores de la antigua Grecia (Sócrates está de pie con una túnica verde, Pitágoras se arrodilla con un libro y Euclides usa una brújula para demostrar una idea matemática). Rafael también se pintó a sí mismo en el fresco: su rostro aparece en la esquina inferior derecha, mirando directamente al espectador.
Raphael alteró significativamente su estilo para este trabajo, simplificando su lenguaje pictórico para centrarse en una representación meticulosa de la geometría y la proporción. Con su prístina composición y su poderoso homenaje a los orígenes del pensamiento humanista, la Escuela de Atenas ha sido considerada la obra maestra de Rafael.

La madonna alba (ca. 1510)

La madonna alba

Rafael La madonna alba , ca. 1510 Galería Nacional de Arte, Washington DC
Mientras Rafael trabajaba en la Escuela de Atenas , Miguel Ángel pintaba sus frescos en el techo de la Capilla Sixtina. Según el cronista renacentista Giorgio Vasari, Raphael fue quien sugirió a Miguel Ángel para la comisión, con la esperanza de que fracasara, ya que Miguel Ángel era en su mayoría conocido como escultor. Sin embargo, Rafael parece haber respetado el estilo de Miguel Ángel: del artista más antiguo, Rafael aprendió a imbuir las figuras que habitan su Madonna Alba , completada en 1510, con una calidad monumental.
La pintura muestra una escena tranquila de la Virgen María sentada en un prado con el niño Jesús en su regazo, mientras que San Juan Bautista, también un infante, se agacha cerca. El trío domina el lienzo, inscrito en el estilo circular de tondo popular en Florencia en ese momento. Además de la larga cruz en la mano derecha de Cristo, hay poco que distinga a estos personajes como personajes históricos importantes: se sientan en el suelo, más como campesinos que como íconos religiosos reales.
Forcellini argumenta que la suave Madonna aquí con mejillas rosadas indica la nueva actitud de Raphael hacia las modelos femeninas. “Los grandes ojos oscuros con una mirada franca y abierta son típicos de las maravillosas mujeres que Rafael comenzó a pintar en muchas de sus obras desde 1510 en adelante”, escribe. A través de “rasgos abiertamente sensuales”, el artista comenzó a aflojar la forma en que representaba a las mujeres. Raphael creó numerosas pinturas de Madonna a lo largo de su carrera (cerca de 34 de sus obras de arte con este tema sobreviven hoy). En el exceso de Virgen y el niño, las escenas se deben en parte a su popularidad como regalos de boda; La habilidad de Raphael para representar sujetos femeninos tiernos seguramente lo ayudó a ganar tales comisiones.

La Transfiguración (1516-20)

Rafael, La Transfiguración, 1516-20.  Imagen a través de Wikimedia Commons.
Rafael, La Transfiguración, 1516-20. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Una de las pinturas finales de Rafael parece augurar la muerte prematura del artista. En La Transfiguración , ahora ubicada en el Museo del Vaticano, Cristo se eleva al cielo en un dramático estallido de luz blanca. En el suelo, debajo de él, un grupo de mortales vestidos de colores apuntan al milagro de la ascensión de Jesús o se encogen y se arrodillan ante el hijo de Dios en un cuadro retorcido de drama humano.
La pintura encontró a un crítico vehemente en el compañero celoso de Rafael, Sebastiano del Piombo, quien le escribió a Miguel Ángel: “Estoy seguro de que nunca habrás visto nada tan diferente de tus puntos de vista. Solo diré que las figuras parecen haber sido colgadas en humo o hechas de hierro ”. El asistente de Miguel Ángel, Leonardo Sellaio, le escribió a su maestro que La Transfiguración era una“ desgracia ”.
La Transfiguración fue sin duda una partida estilística para Rafael. En lugar de las fotos tiernas y armónicas que había estado haciendo anteriormente, este trabajo demostró una oscuridad y un drama que puede haber ayudado a introducir el Manierismo, modo que dominó el Renacimiento tardío.

La Fornarina (ca. 1520)

Rafael, La Fornarina, 1518-20.  Imagen a través de Wikimedia Commons.
Rafael, La Fornarina, 1518-20. Imagen a través de Wikimedia Commons.
La Fornarina revela a Rafael en su forma más lasciva. Sobre un fondo oscuro y frondoso, una mujer con un torso desnudo y pezones erectos, sostiene una tela transparente por el pecho izquierdo, mientras que su brazo izquierdo, rodeado por una banda azul que dice “Rafael Urbinas”, descansa en su regazo. Un turbante colorido se envuelve alrededor de su cabello oscuro, que está elegantemente dividido en el centro. Sus grandes ojos marrones miran a la izquierda, fuera del marco.
La niñera de Rafael era probablemente su amante Margherita Luti, la hija de un panadero, o fornarina. Forcellino interpreta su brazalete como “una muestra de propiedad de la mujer en lugar de la autoría de la pintura”. Raphael murió antes de que pudiera completar el trabajo, que permaneció en su estudio por el resto de su vida, sugiriendo que el artista puede no haberlo intentado para la vista pública. Incluso siglos más tarde, el retrato íntimo sigue siendo uno de los cuadros con mayor carga erótica del arte occidental.
Durante el frío invierno de 1520, el año en que se completó el trabajo, pontificados de Forcellino, “incluso el arte tuvo que rendirse al ciclo implacable de las estaciones; embriagado por el espíritu del carnaval, Rafael se dedicó por entero al amor”. Ese año, Rafael sucumbió a la fiebre y murió en su cumpleaños. Vasari atribuyó su enfermedad al sexo excesivo de su relación amorosa, una receta que hoy parece poco probable. Sin embargo, la reputación perdurable de Rafael como el pintor más apasionado y romántico de su época ya se había establecido.