Las pésimas pinturas de Botticelli revelan un lado poco conocido de su trabajo

Sandro Botticelli, La historia de Nastadio Degli Onesti I, ca.  1483. Imagen a través de Wikimedia Commons.

Alina cohen
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El nombre Sandro botticelli, evoca visiones de mujeres hermosas: la diosa del amor que emerge del mar sobre una concha de almeja gigante en El nacimiento de Venus (ca. 1485) o las Tres Gracias envueltas en vestidos de película, bailando en un círculo en La Primavera (1477). Botticelli era mejor conocido por tales representaciones idealizadas de mujeres, sin embargo, la práctica del pintor no se limitaba a estas exuberantes visiones eróticas. De hecho, en su obra destaca prominentemente la violación, los asesinatos espantosos y el belicismo.
Sandro Botticelli, La historia de Nastagio degli Onesti II, ca.  1483. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Sandro Botticelli, La historia de Nastagio degli Onesti II, ca. 1483. Imagen a través de Wikimedia Commons.
En Nastagio Testigos del castigo de Guido degli Anastagi y Su Amada (ca. 1483), el segundo de los cuatro paneles que comprenden lo que es quizás la serie de pinturas más visceral y violenta de Botticelli, un caballero con una capa rosa clava su daga en la espalda desnuda de una mujer postrada en el suelo del bosque. Sus dedos izquierdos se hunden en su profunda y marrón herida mientras un observador, Nastagio, observa con horror.
El erudito Gabriel Montua llega incluso a llamar a este panel “una de las representaciones más violentas [sic] de la tortura contra las mujeres en la pintura clásica”. Sin embargo, el trabajo no es una advertencia anticuada contra el rechazo de los avances de los hombres (un problema que aún enfrenta). Mujeres del siglo XXI, que siguen temiendo las repercusiones abusivas de los posibles amantes rechazados. Tales representaciones de brutalidad contra las mujeres permitieron a Botticelli incitar al shock con anteojos visuales que finalmente arrojan objetivos sociales y políticos.
Sandro Botticelli, La historia de Nastagio degli Onesti III, ca.  1483. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Sandro Botticelli, La historia de Nastagio degli Onesti III, ca. 1483. Imagen a través de Wikimedia Commons.
La escena de Nastagio deriva de un cuento en el Decameron de Boccaccio (ca. 1349–53). En la historia, Nastagio, un noble, ha sido rechazado por la mujer con la que quiere casarse, la hija de Messer Paolo Traversari. Un día, se adentra en un bosque de pinos donde es testigo de la escena violenta que muestra Botticelli. Nastagio descubre que la pareja tiene una historia paralela a la suya. Durante su vida, la mujer destruida rechazó al caballero, llamado Guido, quien posteriormente se suicidó. Como una especie de castigo divino, están vinculados entre sí en un ciclo traumático: todos los viernes, Guido la persigue, le arranca el corazón y se lo arroja a sus perros.
Después de presenciar esta violencia, Nastagio invita a la familia de Traversari al próximo espectáculo. El tercer panel de Nastagio de Botticelli describe esto como un brunch incómodo. Detrás de las mesas colocadas con telas blancas, un aturdido grupo de Traversaris observa cómo el caballero levanta una espada contra la mujer que lo rechazó. Una escena tan aterradora convence a la hija de Traversari de que debería casarse con Nastagio por temor a que de otro modo le sobreviva el mismo horror. El cuarto panel muestra la fiesta de bodas de la pareja.
La Primavera
Sandro botticelli La Primavera (Primavera) , 1477 Ufizzi, Florencia
Esta progresión de la violencia a la fiesta revela un “desarrollo temático” de la brutalidad a “las actividades civilizadoras de una cultura urbana en la que la paz y la armonía se contrajeron a través del matrimonio”, el erudito Scott Nethersole escribe en su ensayo de catálogo para “Botticelli: Heroínas + Héroes”, Una exposición recientemente en exhibición en el Museo Isabella Stewart Gardner de Boston. Nethersole se olvida de mencionar que un matrimonio hecho del miedo de una mujer es poco probable que resulte en paz y armonía, al menos para ella. Más probable, y más importante, para los italianos ricos en la sociedad del Renacimiento, el matrimonio podría resultar en un acuerdo económico y político entre dos familias.
“Botticelli era extremadamente sensible a la representación de la violencia y su efecto en el espectador”, explica Nethersole. El artista sabía, en otras palabras, que sus pinturas brutales podrían llevar a las mujeres a la sumisión matrimonial. Nethersole contrasta los paneles de Nastagio con otra violenta obra de Botticelli, La historia de Lucrecia (aprox. 1500). Ambos son ejemplos de spalliere , o paneles de pared pintados, destinados a adornar los hogares de familias ricas, que los verían como recordatorios diarios de la moralidad. Con su cabello largo y claro, las mujeres que aparecen en cada pintura parecen sorprendentemente similares a las bellezas de las obras más famosas de Botticelli. En ambas de estas obras, están representadas como mujeres ejemplares en lugar de individuos.
Sandro Botticelli, La historia de Nastagio degli Onesti IV, ca.  1483. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Sandro Botticelli, La historia de Nastagio degli Onesti IV, ca. 1483. Imagen a través de Wikimedia Commons.
A diferencia del ciclo de Nastagio, The Story of Lucretia presenta la narrativa en una sola escena horizontal. La simetría de la composición ejemplifica otro ideal renacentista de orden y equilibrio, un Clásico, el arco triunfal se encuentra en el centro de la pintura y está flanqueado por dos edificios angulares con columnas. En el primer plano, una multitud de hombres armados blanden sus espadas mientras lamentan la figura sin vida en el centro: Lucrecia, con una túnica verde sobre un féretro negro, una daga que emerge de su pecho.
En el cuento de Lucrecia (uno de origen incierto, aunque el antiguo historiador romano Livio es su documentador más famoso), el príncipe romano Tarquin viola a la noble del mismo nombre. Se mata por vergüenza a pesar del hecho de que ni su padre ni su marido la culpan o creen que ha sido deshonrada. En represalia, su tío, Bruto, va a la guerra con Tarquin. Las tropas de Bruto prevalecen, y él establece una república en Roma en lugar de la monarquía.
Sandro Botticelli, La tragedia de Lucrecia, 1499-1500.  Cortesía del Museo Isabella Stewart Gardner, Boston.
Sandro Botticelli, La tragedia de Lucrecia, 1499-1500. Cortesía del Museo Isabella Stewart Gardner, Boston.
En La historia de Lucrecia , no es la violencia lo que incita a la acción, sino sus consecuencias. En la pintura de Botticelli, solo cuando los soldados ven el cadáver de Lucrecia son movidos a la acción. Si la muerte de Lucrecia es una tragedia, también se convierte en una herramienta política. A pesar de la centralidad de la pureza y la fidelidad de la mujer, The Story of Lucretia es, sin disculpas, hawkish. Las espadas largas y rectas de los soldados y la columna alta en el centro de la pintura sirven como símbolos de la fuerza fálica que conecta su lucha con las estructuras que literalmente sustentan la arquitectura urbana de la Florencia moderna. Los clientes que vivieron con esta spalliera recibieron un recordatorio diario de los ideales republicanos.
Botticelli captura un momento de agresión en el panel de Nastagio, mientras que La historia de Lucrecia presenta los ejemplos justo antes y después de la violencia: su suicidio y la batalla que incita. Esta diferencia significa las lecciones morales alternativas en cada pintura. Ser testigo de la violencia es crucial para el relato de Nastagio porque sirve como un cuento de precaución para las mujeres, mientras que presenciar su potencial ruinoso es parte integral del fervor nacionalista de la historia de Lucrecia.
Sandro Botticelli, La tragedia de Lucrecia (detalle), 1499–1500.  Cortesía del Museo Isabella Stewart Gardner, Boston.

Sandro Botticelli, La tragedia de Lucrecia (detalle), 1499–1500. Cortesía del Museo Isabella Stewart Gardner, Boston.
“Boccaccio fue claro que la violencia tiene varios efectos”, escribe Nethersole. “Provoca miedo y estimula la compasión. También puede catalizar un cambio en el corazón y en el comportamiento “. Como Maquiavelo afirmaría más tarde en su tratado de 1532, El príncipe ,” es mejor temer que amar “. Las imágenes brutales de Botticelli sugieren igualmente un énfasis en asustar a su público en vez de seducirlos. Hoy, sus mensajes parecen francamente opresivos, y desafortunadamente aún son relevantes. En la época de Botticelli, como en la nuestra, la seguridad de los cuerpos de las mujeres a menudo era secundaria al orden de la política estatal.