Las mecenas que dieron forma a la historia del arte

El patrocinio del arte conecta el gusto estético con el poder. Al comprar pinturas y esculturas, los coleccionistas se convierten en creadores de gustos, apoyan las carreras de los artistas y, a través del retrato, generan imágenes duraderas de sí mismos. El arte también puede servir a la diplomacia: cuando los coleccionistas organizan una recaudación de fondos política en salas llenas de obras de artistas marginados o le dan a un líder mundial un retrato de sí mismos como un regalo, señalan valores y ambiciones específicos. Al encargar edificios públicos, iglesias y museos, los clientes crean potentes espacios arquitectónicos para preservar sus legados y el de sus obras de arte.
Durante milenios, las sociedades patriarcales de todo el mundo han excluido a las mujeres de los roles de liderazgo tradicionales. Como mecenas de las artes, las mujeres han podido ejercer un poder blando de manera creativa. Según Virginia Treanor, curadora asociada del Museo Nacional de Mujeres en las Artes , muchas mujeres también se han sentido atraídas por “las oportunidades intelectuales y filosóficas” que el arte brindaba en épocas cuando tenían acceso limitado a la educación superior. Al desarrollar colecciones de clase mundial y crear importantes museos de arte, Treanor dijo que “las mujeres han moldeado el curso de la historia del arte”. Si bien esta lista no es exhaustiva, destaca a 16 mecenas extraordinarias que abarcan geografías y siglos que han cambiado la forma nos fijamos en el arte.

Hatshepsut (ca. 1508–1458 a. C.)

Faraón de Egipto

Gran estatua arrodillada de Hatshepsut, c.  1479–1458 a. C. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Gran estatua arrodillada de Hatshepsut, c. 1479–1458 a. C. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Estatua sentada de Hatshepsut, ca.  1479–1458 a. C. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Estatua sentada de Hatshepsut, ca. 1479–1458 a. C. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte
La sociedad del Nuevo Reino que gobernaba Hatshepsut era profundamente conservadora; se suponía que las mujeres no debían liderar. Pero después de la muerte de su esposo, el faraón, alrededor de 1479 a. C., Hatshepsut se posicionó como regente de su joven hijastro, Thutmosis III. Seis años después, se llamó faraón e hizo un movimiento estratégico para consolidar su autoridad a través del arte.
Hatshepsut decididamente restó importancia a su feminidad en los numerosos retratos escultóricos que encargó, representándose a sí misma bajo la apariencia de un hombre. En las representaciones sobrevivientes atribuidas a ella, Hatshepsut carece de senos, pero luce una barba y usa un atuendo masculino real como collares anchos, faldas escocesas y coronas. (Los estudiosos teorizan que después de la muerte de Hatshepsut, Thutmosis III ordenó la destrucción y el vandalismo de muchas de estas estatuas, tal vez para acabar con sus logros a favor de los suyos).
Durante su reinado en gran parte pacífico y próspero, Hatshepsut dirigió una ambiciosa expedición a Punt (quizás en la actual Eritrea), importando materiales preciosos como la malaquita y el ébano que los artesanos egipcios comenzaron a incorporar a su trabajo. Su liderazgo “proporcionó el impulso para un período de gran innovación artística y creatividad y sentó las bases para la ‘edad de oro’ del Nuevo Reino que iba a seguir”, escribe Harry S. Parker III en Hatshepsut: From Queen to Pharaoh (2005 ) El legado de Hatshepsut sigue vivo en el impresionante templo funerario encargado en Deir el-Bahri, que todavía se encuentra en la orilla oeste del Nilo.

Livia Drusilla (ca. 58 AEC – CE 29)

Emperatriz de roma

Retrato de mármol de Livia.  do.  14-37 AD Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Retrato de mármol de Livia . do. 14-37 AD Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
En el antiguo Imperio Romano, las estatuas, los retratos y las monedas eran los mejores indicios de la identidad de un gobernante. Livia, la esposa del primer emperador de la república, Augusto, usó estos medios a su favor. “Miró a la estatuilla para presentar su personaje en Roma y el imperio, escultura en relieve para describir su relación con otros miembros de la familia imperial, monedas para anunciar las políticas del emperador y gemas para articular esa misma visión para un público más selectivo”. escribe la historiadora de arte Diana EE Kleiner en Cleopatra y Roma (2005).
Pintura al fresco de la Villa de Livia, imagen del siglo I a. C. a través de Wikimedia Commons.
Pintura al fresco de la Villa de Livia, imagen del siglo I a. C. a través de Wikimedia Commons.
Livia estaba menos interesada en crear una presentación individual única que en codificar un ideal tradicionalmente femenino para las emperatrices romanas y la nobleza en general. Ella se inspiró en las estatuas que representan a las diosas griegas clásicas y las reinas helenísticas para alinearse con los valores de la “edad de oro” republicana anterior que Augusto esperaba restaurar en su nuevo imperio. A diferencia de Cleopatra , su opulento predecesor en Egipto, Livia comunicó la virtudes a través de una imagen austera que favorecía la modestia y la simplicidad. Aún así, la primera emperatriz de Roma tomó medidas para destacarse entre otras mujeres de élite. Kleiner ha sugerido que la emperatriz hizo que los artistas la representaran con peinados que solo un estilista podría haber arreglado, lo que indica su gusto y riqueza superiores.

Teodora (497–548)

Emperatriz de Bizancio

Mosaico de Teodora en la Basílica de San Vitale (construido AD 547).  Imagen de Petar Milošević, vía Wikimedia Commons.
Mosaico de Teodora en la Basílica de San Vitale (construido AD 547). Imagen de Petar Milošević, vía Wikimedia Commons.
En una historia clásica de la pobreza a la riqueza, Theodora pasó de trabajar como actriz, una profesión de clase baja asociada con la prostitución, a dar forma al naciente imperio bizantino, que abarcaba los actuales Turquía, África del Norte y Oriente Medio. Theodora conoció a Justiniano, el sobrino del emperador, en Constantinopla cuando tenía 21 años. A pesar de su estatus social, el emperador estaba tan enamorado de ella que cambió una ley que habría prohibido su matrimonio. Después de ascender al trono, Theodora usó su autoridad para apoyar los derechos de las trabajadoras sexuales y estableció una legislación contra la violación. Durante su mandato, la emperatriz también apoyó importantes proyectos de construcción que proyectaban la pareja y el dominio del imperio. Una fue la original Santa Sofía, consagrada en 537.
Sin embargo, los retratos en mosaico de Justiniano y Teodora que se enfrentan uno frente al otro en el ábside de la Basílica de San Vitale (ca. 547) en Rávena, Italia, han cimentado la imagen de la pareja en la historia. La emperatriz, flanqueada por asistentes, usa gemas colgantes y un vestido largo de color púrpura real. En su mano, ella sostiene un cáliz que la indica como la patrona del edificio. El retrato confirma la influencia, el glamour y el mecenazgo de Theodora, y se enfrenta a sus detractores. Escribiendo poco después de su muerte en 548, el historiador Procópius la describió como “Theodora-from-the-burdel”, una tentadora desenfrenada que una vez dijo que lamentaba tener solo tres orificios por placer. Más recientemente, la erudita Nadine Elizabeth Korte ha sugerido que Procópio probablemente desaprobaba el poder sustantivo que Teodora ejercía sobre Justiniano y el imperio.

Isabel de Este (1474–1539)

Marquesa de Mantua

Leonardo da Vinci, Caricatura de un retrato de Isabella d & # x27; Este, c.  1500. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Leonardo da Vinci, Caricatura de un retrato de Isabella d’Este , c. 1500. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Tiziano, Retrato de Isabella d & # x27; Este, c.  1534-1536.  Imagen vía Wikimedia Commons.
Tiziano, Retrato de Isabel de Este , c. 1534-1536. Imagen vía Wikimedia Commons.
Como una influyente y querida política, mecenas del arte e ícono de la moda, Isabella d’Este, conocida como la “Primera Dama del Renacimiento“, Convirtió la ciudad de Mantua en un importante centro cultural. Su esposo, Francesco Gonzaga, marqués de Mantua, rápidamente se puso celoso de su popularidad en la región. Para escapar de su resentimiento, Isabel viajó a Roma. Pasó un tiempo en los círculos influyentes del Papa León X, un importante mecenas, y conoció a artistas que incluyen a Leonardo da VinciRafaelMichelangelo BuonarrotiTizianoPietro PeruginoAndrea MantegnaGiovanni Bellini GiorgioneEn los retratos de la patrona de estos artistas, Isabella aparece como una belleza pálida y regia con un gusto exuberante en la ropa.
En un movimiento inusual para la época, Isabella organizó sus apartamentos como una especie de museo. El studiolo y la gruta en el palacio ducal se convirtieron en lugares para entretener a nobles, dignatarios y artistas, y para presumir las obras que había encargado. De esta manera, como explicó la erudita Rose Marie San Juan, Isabella se insertó en “espacios tradicionalmente asignados a los hombres”. Después de la muerte de su esposo, Isabella se convirtió en corregente de Mantua con su hijo, Federigo II. Su gente la admiraba tanto que convencieron a Federigo para que reinstalara a su madre como su líder. A través de su colección y su noble pasado, Isabella estableció redes en toda Europa que fomentaron su influencia.

Hürrem Sultan, alias Roxelana (1505–1558)

Emperatriz del Imperio Otomano

Tiziano, La Sultana Rossa, o Retrato de una mujer, c.  1500. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Tiziano , La Sultana Rossa, o Retrato de una mujer, c. 1500. Imagen a través de Wikimedia Commons.
A través de su coquetería y dominio de la intriga del palacio, Roxelana (que significa “la doncella de Rutenia”, una región en lo que hoy es Bielorrusia y Ucrania) se levantó de la esclavitud sexual como una concubina en el harén del Sultán Suleiman el Magnífico, convirtiéndose finalmente en su primer (o más preferida) esposa. En el harén, Roxelana aprendió turco, los principios del Islam y el arte de la seducción, y se ganó un nuevo nombre, Hürrem: “la alegre”. Roxelana encantó tanto al sultán que rompió con la tradición y tuvo varios hijos con el consorte. Unos años más tarde, se casó con ella, un acto que le otorgó a Roxelana su libertad.
Al lado de uno de los gobernantes más poderosos de la historia otomana, Roxelana ejerció una influencia extraordinaria sobre el imperio a través de su filantropía y destacados proyectos de construcción pública. Su complejo Haseki en Constantinopla contó con una mezquita, escuela, hospital y comedor social. Cuando un incendio destruyó parcialmente el harén de Solimán, Roxelana aprovechó la oportunidad para mudarse con su esposo en el Palacio de Topkapi, un movimiento sin precedentes entre las esposas sultanicas que marcó el comienzo de una era llamada “el Reino de las Mujeres”. En lugar de reconstruir el harén, alentó Solimán para construir una mezquita. La mezquita de Solimán el Magnífico sigue siendo hoy un hito en Estambul. En Las mujeres que construyeron el mundo otomano (2017), Muzaffer Özgüles sugiere que Roxelana “reformuló el patrocinio de todas las mujeres constructoras otomanas que vinieron después de ella”.

Tōfukumon’in (1607–1678)

Emperatriz Consorte de Japón

Retrato del período Tokugawa Masako Edo.  Imagen vía Wikimedia Commons.
Retrato del período Tokugawa Masako Edo. Imagen vía Wikimedia Commons.
Después de más de un siglo de guerra civil en Japón, la emperatriz Tōfukumon’in desempeñó un papel fundamental en la configuración de la cultura y los gustos estéticos en el pacífico período Edo. Tōfukumon’in usó su dotación del liderazgo de Tokugawa para reconstruir templos prominentes de Kyoto y coleccionar arte de los principales artesanos de su época. Ella misma incursionó en esfuerzos creativos, escribiendo poesía y experimentando con la caligrafía, y estaba particularmente interesada en la moda y los textiles.
Junto con su esposo, Gomizunoo, Tōfukumon’in fomentó relaciones más directas entre la familia imperial y los artesanos. La emperatriz recolectó cerámica del famoso ceramista Nonomura Ninsei, pinturas de Tosa Mitsunobu y obras de otros destacados artistas y talleres de la época, como Tawaraya Sōtsatu  y el Kano  y Tosa escuelas. Sus cámaras presentaban obras de arte que mezclaban estilos clásicos con escenas contemporáneas con figuras de guerreros y plebeyos.
Tosa Mitsuoki, flores de cerezo y arces otoñales con resbalones de poema, 1684-1651.  Cortesía del Instituto de Arte de Chicago.
Tosa Mitsuoki, flores de cerezo y arces otoñales con resbalones de poema, 1684-1651. Cortesía del Instituto de Arte de Chicago.
Entre sus encargos más notables se encuentran seis pantallas pintadas del pintor de la corte,Tosa Mitsuoki, que juntos comprenden arboles florecientes de cereza y otoño con resbalones de poema (1654–81). Contra el telón de fondo de seda dorada, el artista hizo fragmentos de poesía medieval colgando de hojas finamente labradas. La obra fusiona los intereses de Tōfukumon’in en la literatura y la pintura, y también representa la búsqueda de influencia cultural de la pareja real en una época en la que el shogunato feudal luchaba cada vez más por el control de la familia imperial.

Madame de Pompadour (1721–1764)

Marqués de Pompadour; amante del rey Luis XV de Francia

Francois Boucher, Madame de Pompadour, 1756. Imagen a través de Wikimedia Commons
Francois Boucher, Madame de Pompadour, 1756. Imagen a través de Wikimedia Commons
La amante más famosa del rey Luis XV, Jeanne Antoinette Poisson, mejor conocida como Madame de Pompadour, encargó tantas obras de arte durante su tiempo en la corte que los escritores franceses del siglo XIX Jules y Edmond de Goncourt la llamaron “la madrina y la reina del Rococó. ”Más recientemente, la historiadora de arte Ewa Lajer-Burcharth ha sugerido que Madame de Pompadour participó activamente en sus numerosas comisiones de retratos, usándolas para mostrar su estilo, documentar sus logros y mejorar su poder en la corte francesa.
Las amantes anteriores de la corte favorecieron las representaciones alegóricas de sí mismas. Los retratos de Madame de Pompadour, por otro lado, reflejan su glamorosa vida de la era de la Ilustración y están llenos de objetos y símbolos que aluden a su refinamiento cultural e intelectual. Pinturas de artistas como

 y

descríbala con vestidos exagerados con volantes y flores bordadas, lo que indica cómo se formó a sí misma como pionera en tendencias, y rodeada de libros, globos, estatuas clásicas, instrumentos y partituras. Su autoridad cultural era tan grande que mucho después de que terminara su relación íntima con Luis XV, Madame de Pompadour continuó viviendo en Versalles y ejerció influencia en su corte.

Catalina la Grande (1729–1796)

Emperatriz de rusia

Fyodor Rokotov, Retrato de Cathrine the Great, c.  1770. Imagen a través de Wikimedia Commons
Fyodor Rokotov, Retrato de Cathrine the Great, c. 1770. Imagen a través de Wikimedia Commons
Catalina la Grande usó el mecenazgo artístico para elevar la posición y el poder de Rusia en Europa. Bajo su gobierno, el país expandió sus fronteras para incluir alrededor de 200,000 millas cuadradas, y se convirtió en una nación dominante en el continente. Parecía valorar la cantidad por encima de la calidad, y veía el coleccionismo de arte como una competencia. Después de tomar el trono en 1762, rápidamente compró 225 pinturas de un distribuidor de Berlín que incluía obras de Frans Hals  y Rembrandt.
A lo largo de su reinado de 34 años, Catherine adquirió gradualmente colecciones privadas enteras de toda Europa para demostrar su superioridad y riqueza superior sobre otros gobernantes europeos que podrían desearlas. Finalmente, acumuló alrededor de 4.000 pinturas. Muchos artistas pintaron el retrato de Catherine, y el pintor francés Élisabeth Louise Vigée-Le Brun, pasó tiempo en su corte.
En 1764, la emperatriz convirtió el Barroco Palacio de Invierno en un espacio de exhibición para exhibir su colección. En 1852, las galerías se abrieron al público como el Museo del Hermitage , que sigue siendo la atracción turística más popular de San Petersburgo y ahora contiene más de 3 millones de obras de arte. “El Hermitage se convirtió en una institución pública arquetípica que ayudó a fabricar una imagen favorable de Rusia en Occidente”, escribió la académica Katia Dianina.
Empress Dowager Cixi (1835–1908)

Qing Dynasty Empress of China

Hubert Vos, emperatriz viuda Cixi, 1906. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Hubert Vos, Empress Dowager Cixi, 1906. Image via Wikimedia Commons.
La emperatriz viuda Cixi entendió lo convincente que podía ser un retrato desde una perspectiva de relaciones públicas. El gobernante chino quería contrarrestar la percepción extranjera de que era una “dama dragón” despiadada, aunque, para ser justos, asesinó a una de las concubinas del hijo del emperador y envenenó al propio emperador Guangxu con arsénico. También pudo haber incitado a la rebelión de los boxers en 1900, que resultó en el asesinato de extranjeros y cristianos en China.
Para combatir toda esta mala prensa, Cixi cultivó relaciones con diplomáticos extranjeros y permitió que una artista estadounidense, Katherine A. Carl, la pintara (una decisión transgresora y completamente moderna, considerando que, en China, se consideraba el acceso a las representaciones de la familia imperial un privilegio). La imagen resultante muestra a la emperatriz viuda luciendo glamorosa y regia, vistiendo una túnica amarilla y azul con una red blanca alrededor del cuello.
Después de que el retrato fue exhibido en la Feria Mundial de San Luis, Cixi se lo presentó a Theodore Roosevelt, un movimiento diplomático astuto para las relaciones chino-occidentales. (El Smithsonian ahora es el propietario de la obra). Cixi también se dejó fotografiar y distribuyó los resultados a dignatarios extranjeros con la esperanza de que la vieran a ella, y a China, como una figura respetable y respetable. Más allá de controlar y difundir su propia imagen, Cixi también acumuló una impresionante colección de arte, que abarca desde jarrones de porcelana, platería británica y una mesa de mármol italiana hasta esculturas de piedra y un automóvil estadounidense.

Isabella Stewart Gardner (1840–1924)

American founder of the Isabella Stewart Gardner Museum

John Singer Sargent, Isabella Stewart Gardner (detalle), 1888. Cortesía del Museo Gardner.
John Singer Sargent, Isabella Stewart Gardner (detail), 1888. Courtesy of the Gardner Museum.
En lugar de herederos de su fortuna en ropa y finanzas, Isabella Stewart Gardner dio a luz a un museo que trajo obras maestras europeas a su querida ciudad natal de Boston. A lo largo de su vida, ella se inspiraría en sus viajes; El Palazzo Barbaro de Venecia inspiró la arquitectura de su museo.
Después de la muerte de su padre en 1891, Gardner heredó alrededor de $ 1.7 millones (más de $ 45 millones hoy). Ya era coleccionista de libros y manuscritos raros, pero con esta afluencia de efectivo, dirigió su atención y fondos hacia el arte europeo. Más tarde ese año, ella superó al Louvre y a la National Gallery de Londres para comprar Johannes Vermeer‘s The Concert (1663-1666), afirmando su gusto y riqueza a un nivel internacional de élite.
De 1899 a 1901, Gardner supervisó la construcción de su museo homónimo, que presentaba cuartos en el cuarto piso que servían como su propio hogar. Después de la muerte de su esposo, el Museo Isabella Stewart Gardner fue la comodidad y la familia de Gardner durante los años restantes de su vida. Su colección creció para incluir obras maestras como un autorretrato de Rembrandt van Rijn Tiziano La violación de Europa (1562), y Gardner también fue un mecenas del retratista estadounidense expatriado, John Singer Sargent. Gardner se expandió más allá de la pintura europea, también, comprando arte asiático e islámico, que, en un movimiento inusual, exhibió al lado de obras occidentales.

Gertrude Stein (1874–1946)

Expat escritora estadounidense que fue anfitriona del mundo del arte de vanguardia en sus salones de París

Gertrude Stein
Imogen Cunningham Gertrude Stein1937 Scott Nichols Gallery
Femme au chapeau (mujer con sombrero)
Henri Matisse Femme au chapeau (Woman with a Hat)1905
San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA)
Al coleccionar arte, la escritora estadounidense Gertrude Stein solidificó su posición entre los artistas de vanguardia en París, y encontró una comunidad que apoyaba tanto su trabajo experimental como su estilo de vida queer. En 1901, Stein abandonó la Escuela de Medicina Johns Hopkins y siguió a su aspirante a artista artista, Leo, a Londres y luego a París. A través de Leo, Stein comenzó a familiarizarse con los artistas bohemios que viven en el barrio de Montmartre. En 1905, Stein se encontró con Pablo Picasso, que comenzó a pintar su retrato, y terminó el año siguiente. Fue un paso crucial en el desarrollo del modernismo: en la imagen, la cara de Stein adopta una planitud y una calidad de máscara que Picasso pronto llevaría al extremo en Les Demoiselles d’Avignon (1907), la primera  pintura cubista.
Gertrude Stein sentada en un sofá en su estudio de París, 1930. Imagen de World Wide Photos, vía Wikimedia Commons.
Gertrude Stein sentada en un sofá en su estudio de París, 1930. Imagen de World Wide Photos, vía Wikimedia Commons.
El patrocinio de Stein ayudó a Picasso a continuar pintando a principios del siglo XX antes de recibir el reconocimiento internacional. Ella también recogió trabajo de Paul CezanneJuan gris y Henri Matisse. Mientras tanto, Stein produjo su propio cuerpo de literatura innovador, que creció hasta incluir Tres vidas (1909), Botones tiernos (1914) y La autobiografía de Alice B. Toklas (1933).

Katherine Sophie Dreier (1877–1952)

Pintor estadounidense y cofundador de Société Anonyme

Anne Goldthwaite, Retrato de Katherine Sophie Dreier, 1915-1916.  Cortesía de la Galería de Arte de la Universidad de Yale.
Anne Goldthwaite, Retrato de Katherine Sophie Dreier, 1915-1916. Cortesía de la Galería de Arte de la Universidad de Yale.
Katherine Sophie Dreier, c.  1910. Imagen vía Wikimedia Commons.
Katherine Sophie Dreier, c. 1910. Imagen vía Wikimedia Commons.
Katherine Sophie Dreier popularizó el arte moderno en los Estados Unidos a principios de 1900, convirtiéndose en una de las primeras personas estadounidenses en apoyar lo que se conocería como Arte Conceptual. Nacido en Brooklyn en una fortuna importadora de hierro, Dreier siguió una carrera artística y se comprometió con la política progresista, como asistir a reuniones de sufragistas. Dreier mantuvo una existencia intercontinental, exhibiendo su trabajo en Alemania y conociendo artistas en los salones de París de Gertrude Stein. En 1913, el Armory Show, que introdujo al público estadounidense al arte de vanguardia, invitó a Dreier a presentar su trabajo. Allí, mostró dos pinturas y se hizo amiga íntima de uno de los otros expositores, el provocador francés Marcel Duchamp.
Frustrado por lo mal que estaba respondiendo el público estadounidense a la nueva estética progresiva que se veía en el programa, Dreier se convirtió en un defensor de los artistas detrás de él. Su Cooperative Mural Workshop en Nueva York sirvió como escuela de arte y apoyó exposiciones y actuaciones de figuras modernistas, incluida la bailarina Isadora Duncan. En 1916, Dreier y Duchamp se unieron con Hombre rayo  para crear Société Anonyme, un foro para promover el arte moderno y europeo Dadaísta en los Estados Unidos. Juntos, organizaron exposiciones con Wassily KandinskyPaul Kleey Fernand Léger, al tiempo que acumuló una colección de más de 1,000 obras de arte, que ingresaron a la colección de la Universidad de Yale después de que las actividades del grupo comenzaron a disminuir a lo largo de la década de 1940.

A’Lelia Walker (1885–1931)

Empresaria estadounidense y anfitriona de veladas renacentistas de Harlem

Retrato de A & # x27; Lelia Walker.  Cortesía de los archivos de la familia Madam Walker / A & # x27;  Lelia Bundles
Retrato de A’Lelia Walker. Cortesía de los archivos de la familia Madam Walker / A ‘Lelia Bundles
La casa de Harlem de A’Lelia Walker y su lujoso palacio de estuco blanco en Irvington, Nueva York, se convirtieron en lugares de reunión legendarios para las figuras del
En el apartamento de Harlem, conocido como la Torre Oscura, Walker organizó veladas donde escritores y músicos, de Langston Hughes a Zora Neale Hurston a Countee Cullen, podrían mezclarse libremente. Sus fiestas también sirvieron como espacios seguros para la cultura queer. “Debido a que A’Lelia adoraba la compañía de lesbianas y gays, sus fiestas tenían un ambiente claramente gay”, escribió el historiador Eric Garber . Los “homosexuales elegantes” como Edward Perry, Edna Thomas, Harold Jackman y Caska Bonds fueron asistentes frecuentes. Las fiestas de Walker crearon un sentido de comunidad crucial para el trabajo de muchos artistas afroamericanos en su día.

Edith Halpert (1900–1970)

Fundadora ruso-estadounidense de la galería Downtown en Nueva York

Edith Halpert en la Galería del Centro, usando el broche y el anillo de 13 relojes diseñados para ella por Charles Sheeler, en una fotografía para la revista Life en 1952. A ella se unen algunos de los nuevos artistas estadounidenses que estaba promoviendo ese año: Charles Oscar, Robert Knipschild, Jonah Kinigstein, Wallace Reiss, Carroll Cloar y Herbert Katzman.  Foto © Estate of Louis Faurer.  Cortesía del Museo Judío.

Edith Halpert en la Galería del Centro, usando el broche y el anillo de 13 relojes diseñados para ella por Charles Sheeler, en una fotografía para la revista Life en 1952. A ella se unen algunos de los nuevos artistas estadounidenses que estaba promoviendo ese año: Charles Oscar, Robert Knipschild, Jonah Kinigstein, Wallace Reiss, Carroll Cloar y Herbert Katzman. Foto © Estate of Louis Faurer. Cortesía del Museo Judío.

La innovadora galería de mediados de siglo de Edith Halpert convirtió las exposiciones en plataformas políticas. La inmigrante judía rusa se mudó a Nueva York con su familia alrededor de 1906 y, a través de visitas a galerías y cursos en la Academia Nacional de Diseño, desarrolló una apreciación temprana por el arte.
En 1926, Halpert abrió la Galería Downtown en el entonces bohemio Greenwich Village. Se dedicó a apoyar a artistas estadounidenses vivos y exhibió obras de Stuart DavisCharles SheelerBen Shahn, William Zorach Arthur Dove. Halpert también trajo folk y otros artistas del siglo XIX descuidados a su lista, incluyendo Raphaelle Peale  y Edward Hicks. En 1941, Halpert dio a Jacob Lawrencsu primera gran exposición de galerías en Nueva York. Debutó la “Serie de Migración” de Lawrence (1940–41) y tomó medidas agresivas para vender la obra.
Sus estrategias de conducción dura funcionaron, y Halpert colocó toda la serie de Lawrence en instituciones de élite de la costa este: el Museo de Arte Moderno y la Colección Phillips adquirieron cada uno la mitad. Después de que los Estados Unidos instituyeron una política de internamiento japonés durante la Segunda Guerra Mundial, Halpert mostró el trabajo del artista nacido en Japón Yasuo Kuniyoshi en protesta. Este otoño, el Museo Judío montará la exposición “Edith Halpert y el auge del arte estadounidense” como testimonio de sus logros.

Dolores Olmedo Patiño (ca. 1908–2002)

Empresaria mexicana, filántropa y fundadora del Museo el Olmedo.

Retrato de Dolores Olmedo.  Cortesía del Museo Dolores Olmedo, Ciudad de México.
Retrato de Dolores Olmedo. Cortesía del Museo Dolores Olmedo, Ciudad de México.
Diego Rivera, Retrato de Dolores Olmedo ("La Tehuana"), 1955. Cortesía del Museo Dolores Olmedo, Ciudad de México.
Diego Rivera, Retrato de Dolores Olmedo (“La Tehuana”) , 1955. Cortesía del Museo Dolores Olmedo, Ciudad de México.
Un encuentro casual en un ascensor cambió la vida de Dolores Olmedo Patiño. Cuando era adolescente, Olmedo, nacida en México, conoció a un muralista, Diego Rivera en la Secretaría de Educación de la Ciudad de México. Le preguntó si podía dibujarla, y la madre de Olmedo aceptó, sin saber que su hija sería modelo desnuda. Olmedo mantuvo los 27 dibujos hasta que su esposo, el editor Howard S. Phillips, le ordenó que se los devolviera al artista. Finalmente se deshizo de él y recuperó los dibujos.
Mientras tanto, Olmedo se embarcó en una fructífera carrera comercial, convirtiéndose en una de las primeras magnatas del desarrollo inmobiliario femenino del país. A mediados de la década de 1950, se preocupaba por el moribundo Rivera en su casa; En agradecimiento, Rivera le otorgó a Olmedo el control de su patrimonio. Ella también compró el trabajo de su esposa, Frida Kahlo, por una ganga increíble: $1,600 por 25 pinturas. Pero Olmedo no amaba a la artista: “Le gustaban las mujeres y a mí me gustaban los hombres, y yo no era comunista”, como explicó Olmedo. En 1994, abrió un museo, el Museo Dolores Olmedo, en la Ciudad de México. Su patrocinio ha permitido que la mayor cantidad de obras de dos de los artistas más famosos de México permanezcan en su país bajo un mismo techo.

Peggy Cooper Cafritz (1947–2018)

Educadora estadounidense, activista de derechos civiles y filántropo

Peggy Cooper Cafritz en su casa llena de piezas de arte recolectadas, el 26 de agosto de 2015 en Washington, DC.  Foto de April Greer para The Washington Post a través de Getty Images.
Peggy Cooper Cafritz en su casa llena de piezas de arte recolectadas, el 26 de agosto de 2015 en Washington, DC. Foto de April Greer para The Washington Post a través de Getty Images.
A pesar de las dificultades significativas e inesperadas, Peggy Cooper Cafritz acumuló triunfalmente una de las mayores colecciones de arte afroamericano de Estados Unidos. Cafritz nació en una familia acomodada de Alabama durante la era de Jim Crow. Su patrocinio comenzó temprano: mientras estaba en la universidad de la Universidad George Washington, Cafritz estableció un programa de verano de arte para estudiantes afroamericanos, conocido hoy como la Escuela de Artes Duke Ellington.
A lo largo de las décadas, Cafritz acumuló una enorme colección de obras de arte de figuras africanas y afroamericanas, que van desde El Anatsui  y Simone Leigh Hank Willis Thomas  y Kerry James Marshall. Fue anfitriona de fiestas y recaudaciones de fondos políticos en su mansión en las afueras de Washington, DC, hasta que un extraño incendio de 2009 devastó su hogar, destruyendo más de 300 obras de arte por valor de millones de dólares. Devastada pero más obstinada que nunca, Cafritz se mudó a Dupont Circle y reconstruyó su colección. El título de su libro de 2018, ¡ Despedido! ¡Listo para ir! Encontrar belleza, exigir equidad: una vida afroamericana en el arte , transmite sucintamente su activismo, su pasión por el arte y su espíritu indomable. Su muerte en 2018 provocó un torrente de gratitud de mucho más allá de la comunidad artística afroamericana. El legado de Cafritz sigue vivo a través de sus programas y su colección.
Alina Cohen es escritora de personal en Artsy.