¿Todavía importan los movimientos artísticos?

Claude Monet. Nymphéas , 1916-1919. Fondation Beyeler
Errante sobre el mar de niebla
Caspar David Friedrich. Errante sobre el mar de niebla , ca. 1817. Alte Nationalgalerie
Los humanos están conectados para categorizar el mundo que nos rodea, creando etiquetas y jerarquías para organizar un exceso de información. Hacemos una pregunta durante un juego de 20 preguntas: “¿Es una persona, un lugar o una cosa?” La memoria en sí misma depende de asociaciones agrupadas y vinculadas. Si escuchamos la palabra “dormir”, recordamos otras palabras como “sueño” y “cama”. No sorprende que a menudo pensemos en la historia del arte de esta manera, también, agrupando a los artistas por hora, lugar y medio en el que trabajan. El termino “Impresionismo” evoca a los lirios de agua de Claude Monet y los Bulevares parisinos de Camille PissarroEn contraste, el término “Romanticismo” trae a la mente a Caspar David Friedrich en el vagabundo solitario o JMW Turner por sus paisajes marinos exuberantes.
El juramento de los Horacios
Jacques-Louis David. El juramento de los Horacios , 1784-1785. Musée du Louvre, París
La idea del arte como una serie progresiva de “movimientos” es un esquema modernista y continúa moldeando la forma en que pensamos acerca de las personas que hacen pinturas, esculturas y representaciones. Como Pavel S. Pyś, curador de artes visuales en el Walker Art Center en Minneapolis, Minnesota, me escribió recientemente: “Generalmente, el tiempo debe pasar para que podamos clasificar y etiquetar un momento histórico en particular”. Los movimientos son más útiles para los académicos, museos y audiencias que intentan comprender a los artistas del pasado de lo que son para los artistas que tienen sentido del presente. Desde mediados del siglo XX, la idea de los movimientos se ha erosionado a medida que el mundo del arte se ha fracturado cada vez más.
Durante el Renacimiento, el historiador  Giorgio Vasari postuló la superioridad de los artistas florentinos en su tomo Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más eminentes (1550). Agrupó sus biografías de artistas en secciones cronológicas que revelaron el progreso gradual que las figuras del Renacimiento hicieron con el tiempo. Artistas como Paolo Uccello  y Filippo Brunelleschi fueron pioneros en el uso de la perspectiva lineal a principios de la década de 1400, que sus sucesores RafaelLeonardo da Vinci Miguel Ángel usaron. Si Vasari no ubicó explícitamente a diferentes artistas en movimientos, sentó las bases para futuros historiadores del arte que intentaron entender a los artistas a través de sus redes sociales y linajes estéticos.
La Grande Odalisque
Jean-Auguste-Dominique Ingres. La Grande Odalisca , 1814. Musée du Louvre, París
Durante el siglo 18, erudito alemán Johann Joachim Winckelmann fue pionero en el campo de la historia del arte cuando elogió la estética griega antigua y ayudó a inspirar lo que ahora consideramos como Arte Neoclásico, las escenas pintadas de la tradición griega y romana, por Jacques-Louis David como El juramento de los Horacios (1784) y La muerte de Sócrates (1787). En La apoteosis de Homero (1827), Jean-Auguste-Dominique Ingres pintó al escritor clásico rodeado de otros famosos poetas griegos y romanos, como Virgilio y Safo. Es útil pensar en Ingres y David como parte de un movimiento neoclásico más amplio en el que los artistas europeos adoptaron los valores de la Ilustración que estaban barriendo el continente en ese momento.
Sin embargo, la idea de este movimiento neoclásico elude las diferencias individuales entre los artistas. Ingres incursionó en un modo más romántico y sensual cuando no pintaba comisiones estatales. Ciertamente es más famoso por sus carnosas odaliscas que su adhesión a los principios estéticos que David veneraba. La idea de un “movimiento”, entonces, puede ser mucho más útil para comprender grupos de pinturas que para dar sentido a las prácticas individuales de toda la vida de los artistas. También puede ser útil para rastrear valores sociales cambiantes: el romanticismo se rebeló contra el orden sano del neoclasicismo, y luego el realismo absoluto se rebeló contra el romanticismo. En esta concepción de la historia del arte, los movimientos tenían menos que ver con nuevos descubrimientos (como la perspectiva lineal) que con las tensiones dialécticas entre los diferentes modos.
Paz - Entierro en el mar
JMW Turner. Paz – Entierro en el mar , 1842. “JMW Turner: Painting Set Free” en el Museo J. Paul Getty, Los Ángeles (2015)
El joven flautista
Édouard Manet. El joven flautista , 1866. Musée d’Orsay, Paris
La lógica del progreso artístico comenzó a tambalearse a mediados del siglo XX, cuando los pintores masculinos predominantemente blancos, como Jackson Pollock y  Barnett Newman intentaron llegar al final de su disciplina. Si tantos artistas habían seguido avanzando en la pintura en una dirección, asumieron, entonces tenía que haber una conclusión para todo el esfuerzo. La historia del arte considera a ambos hombres como voces críticas en el movimiento Expresionista abstracto, sin embargo, su trabajo, a nivel superficial, difícilmente podría ser más diferente. Los lienzos de Pollock son disturbios de salpicaduras, mientras que los de Newman son monocromos sobrios divididos por líneas verticales. En este caso, la idea de un “movimiento” es útil para comprender en qué creían estos artistas, pero no tiene en cuenta tales enfoques opuestos a los mismos problemas.
Por otro lado, los artistas a lo largo de la historia han aprovechado el poder de las categorizaciones al unirse y desarrollar sus propios manifiestos. En 1909, poeta italiano, Filippo Tommaso Marinetti escribió El Manifiesto del Futurismo , abogando por el peligro, la agresión y la velocidad en el arte. “El arte no puede ser más que violencia, crueldad e injusticia”, escribió. El movimiento futurista , a menudo considerado uno de los primeros movimientos del siglo XX, sucumbió en última instancia a la política fascista: la propaganda de derecha que sustentaba la obra contaminó a todos los artistas involucrados.
Cambio de mar
Jackson Pollock. Cambio de mar , 1947. Museo de arte de Seattle
Pintura inacabada
Barnett Newman. Pintura inacabada , 1970. “Barnett Newman: The Late Work” en The Menil Collection, 
Hoy, el concepto de “movimientos” ha perdido potencia significativa. En los Estados Unidos, ay una pluralidad de nuevos enfoques estéticos y teóricos para la creación artística en los años sesenta y setenta: Minimalismofeminismoarte de performance  y 

El enfoque irónico de la fotografía reemplazó la idea de un modo de arte dominante en todo el país. Un enfoque en los artistas internacionales también significa que estamos reconociendo los supuestos geográficos y las limitaciones de los movimientos artísticos. Son un producto del pensamiento occidental, que durante mucho tiempo privilegió el trabajo realizado en todo Occidente.

Velocidad abstracta + sonido (Velocità astratta + rumore)
Giacomo Balla
Abstract Speed ​​+ Sound (Velocità astratta + rumore) , 1913-1914
Museo Guggenheim
Pyś sugiere que hay una manera más fructífera de considerar el arte contemporáneo. “Podemos observar intereses particulares que cobran impulso [entre los artistas]”, escribió, citando la tecnología, la crítica institucional (utilizando el arte para socavar las estructuras de poder del mundo del arte) y el medio ambiente. Al mismo tiempo, continuó Pyś, los museos están “adoptando disciplinas típicamente más allá de su misión o programas, evidenciado hoy por el abrazo más amplio de las prácticas interdisciplinarias y la presentación de la danza y el rendimiento dentro de los contextos de artes visuales”. Mientras que el concepto de “movimientos” Fue útil para erigir barreras entre diferentes grupos de artistas en el pasado, el arte contemporáneo está más interesado en romper tales divisiones.
En 1986, la historiadora del arte Rosalind Krauss escribió La originalidad de la vanguardia , explicando esta desintegración. En lugar de centrarse en el “culto a la originalidad”, los artistas estaban reconociendo que la novedad en sí misma era imposible: incluso la cuadrícula, la estructura básica subyacente a una pintura, era en sí misma una copia del lienzo tejido debajo. Los críticos y los artistas se interesaron más en anular “las proposiciones básicas del modernismo” y en “exponer su condición ficticia” que en tratar de llegar a un final de arte que nunca existió en primer lugar.
la belleza está en el ojo
Martha Wilson. la belleza está en el ojo , 2014. PPOW
Más recientemente, el crítico británico Alan Kirby sugirió que incluso las ideas de Krauss son pasadas. En su artículo de 2006 “La muerte del posmodernismo y más allá”, afirmó que hemos alcanzado una era de “pseudo-modernismo” con estados intelectuales de “ignorancia, fanatismo y ansiedad: Bush, Blair, Bin Laden, Le Pen por un lado, y las masas más numerosas pero menos poderosas por el otro ”. El argumento de Kirby implica que es imposible desacoplar la estética y la política; A medida que cambian nuestras tensiones geopolíticas, también cambia nuestro arte, crítica y concepciones de los “movimientos”.
Los artistas continúan rechazando las categorías que ha creado la historia del arte, un esfuerzo político por derecho propio. “Etiquetar una obra de arte de una forma u otra es inevitablemente prescribirle una tradición particular, un conjunto de expectativas y un campo de posibilidades”, escribió Pyś. “Aprovechamos al máximo los artistas cuyas obras rechazan y desafían los límites que nosotros (curadores, historiadores, audiencias) intentamos darles”.
Alina Cohen es escritora de personal en Artsy.