Estas exuberantes pinturas del siglo XVII, sorprendentes recordatorios de mortalidad

Pieter Claesz, Naturaleza muerta con calavera y pluma de escritura, 1628. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Pieter Claesz, Naturaleza muerta con calavera y pluma de escritura , 1628. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
En el siglo XVII, un género oscuro de pintura de bodegones floreció en Europa, particularmente en los Países Bajos. En una época de gran riqueza mercantil y frecuente conflicto militar, estas pinturas, conocidas como vanitas , estaban llenas de objetos simbólicos destinados a enfatizar la fugacidad de la vida, la inutilidad del placer terrenal y la inútil búsqueda de poder y gloria.
Las vanitas están estrechamente relacionadas con la tradición anterior de memento mori —Latino para “recuerda que debes morir” – obras de arte destinadas a incitar a los espectadores a considerar su mortalidad. Memento mori comenzó a aparecer en la parte posterior de los retratos en la Europa del siglo XV, a menudo con calaveras pintadas dentro de un nicho, y acompañadas de un lema de advertencia. Ese mensaje le recordaría a la modelo que, si bien pueden desear que su apariencia sea inmortalizada, la única forma de preservar su alma en la otra vida es llevar una vida virtuosa.
 Panel exterior de Jan Gossaet, Carondelet Diptych, 1517. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Panel exterior de Jan Gossaet, Carondelet Diptych , 1517. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Jacques de Gheyn el Joven, Vanitas Still Life, 1603. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Jacques de Gheyn el Joven, Vanitas Still Life , 1603. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Un famoso memento mori aparece en un panel exterior del díptico Carondelet de Jan Gossaert (1517) en el Louvre. El artista pintó un cráneo con una mandíbula dislocada, una alusión a la disolución de la personalidad después de la muerte. El siguiente mensaje sombrío dice: “El que piensa siempre en la muerte puede despreciar fácilmente todas las cosas”.
En Vanitas Still Life de Jacques de Gheyn II (1603), el primer trabajo conocido de ese género, el artista retrató un cráneo con una gran burbuja de jabón flotando sobre él. La pieza hace referencia a la noción de homa bulla: la idea de que la humanidad es tan efímera y frágil como la burbuja misma, que era familiar en ese momento de los Adagios de Erasmo. Reflejado en la burbuja, el artista describió una rueda de tortura y un sonajero de leproso, indicando las diversas desgracias que pueden sucederle a un hombre durante su vida. Las flores cortadas y la urna humeante que aparecen a ambos lados de la pintura también simbolizan la brevedad de la vida, mientras que las monedas y los medallones esparcidos en la parte inferior de la pieza se refieren a la locura de la riqueza mundana.
Pieter Claesz, Bodegón con violín y bola de cristal, 1628. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Pieter Claesz, Bodegón con violín y bola de cristal , 1628. Imagen a través de Wikimedia Commons.
A medida que estas pinturas proliferaron a lo largo del siglo XVII, los artistas utilizaron una gran variedad de objetos para expresar los principios de las vanitas. Los cráneos, las velas apagadas y las lámparas quemadas fueron algunos de los símbolos más obvios de mortalidad. Una tubería de arcilla que arrastraba volutas de humo desapareciendo en el éter era otra alusión potente a la naturaleza fugaz de la vida humana. Los relojes de arena, los relojes de bolsillo abiertos y los relojes sugirieron el paso del tiempo y reprendieron sutilmente a quienes desperdiciaron el valioso recurso.
Cuando se coloca junto a estos símbolos, una copa roemer vacía o volcada (una copa de vino alemana con un tallo verde) podría sugerir la fugacidad de la vida. Instrumentos como el laúd transmitieron un mensaje similar; La música se convirtió en una metáfora de la vanidad o de lo efímero de la existencia humana.
Bodegón de frutas en un tazón Wan Li con un ramo de tulipanes y conchas
Balthasar van der Ast. Bodegón de frutas en un tazón Wan Li con un ramo de tulipanes y conchasc 1600, Galerie Florence de Voldère
También se pueden encontrar alusiones más sutiles a la muerte en pinturas de bodegones con flores o frutas, como en Fruit Basket de Balthashar van der Ast (ca. 1632). Mientras que las uvas, que a menudo simbolizaban a Cristo, todavía están frescas, otras frutas están arruinadas por hematomas y agujeros de gusano. La presencia de moscas y lagartos, que podrían representar el mal, insinúa la decadencia física y moral que ocurrirá si uno no sigue un camino recto.
Algunas pinturas incluían atributos que eran específicos de la vida de una persona en particular, como instrumentos científicos, obras de arte o insignias y armas militares. Estos a menudo se retratarían junto con símbolos de vanitas más obvios para alentar la contemplación del camino elegido.
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Saint Jerome Writing, 1605–05.  Imagen vía Wikimedia Commons.
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Saint Jerome Writing , 1605–05. Imagen vía Wikimedia Commons.
Como Sybille Ebert-Schifferer señala en su Naturaleza muerta: una historia (1998), la ciudad universitaria de Leiden, famosa por su facultad de teología y tradición humanística, se destacó por sus bodegones vanitas con libros u objetos científicos. Tales motivos se derivaron de las representaciones medievales de San Jerónimo, el santo patrón de los intelectuales cristianos. A menudo se lo representaba mientras meditaba en su celda, que generalmente estaba amueblada con libros, un reloj de arena y una calavera.
Ciertas pinturas pueden haber enfatizado el concepto humanista que las búsquedas espirituales e intelectuales sobreviven a la existencia mortal. Sin embargo, los libros con orejas de perro amontonados en desorden negligente pueden haber tenido la intención de criticar la vanidad de las profesiones y advertir contra el orgullo excesivo en el aprendizaje.
Antonio de Pereda, Alegoría de la transitoriedad, c.  1640. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Antonio de Pereda, Alegoría de la transitoriedad , c. 1640. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Otras obras aluden elegantemente a la inútil búsqueda del poder, como la Alegoría de la transitoriedad de Antonio de Pereda (ca. 1640). Un ángel sostiene en su mano un cameo que retrata al Rey de España y al Emperador Carlos V, mientras hace un gesto al mundo para mostrar la gran extensión del Imperio de los Habsburgo que, casi un siglo después de su muerte, yacía dividida. Los cráneos rodean la fina armadura y las armas en la mesa a su lado, lo que indica el inútil costo humano de tales esfuerzos.
La alegoría de la vida mundana de Peter Boel (1663) se considera una obra maestra del género vanitas. Al ver la obra, el ojo se siente atraído instantáneamente por la grandeza barroca de su amplio contenido simbólico. Sigue buscando y te darás cuenta de que este esplendor está sentado sobre un sarcófago en una iglesia que se desmorona lentamente.
Pieter Boel, Alegoría de la vida mundana, 1663. Imagen vía Wikimedia Commons.
Pieter Boel, Alegoría de la vida mundana , 1663. Imagen vía Wikimedia Commons.
Varios objetos, incluido un casco de desfile, un peto y un carcaj de flechas, aluden a la naturaleza vanagloria de la conquista militar. Mientras tanto, la vanidad de los logros intelectuales y artísticos se sugiere a través de la paleta de artistas, libros y documentos. La corona de un rey, la mitra de un obispo, una tiara papal y un turbante coronado sentado sobre una túnica de brocado de seda con bordes de armiño son emblemas del poder político y eclesiástico. Esos elementos visual y simbólicamente conducen a un cráneo coronado con una simple corona de laurel, un potente recordatorio de que la muerte lo conquista todo. O, tal vez, no todo. En su Bodegón Vanitas con violín y bola de cristal (ca. 1628), Pieter Claesz, uno de los mejores pintores de bodegones de la Edad de Oro holandesa, muestra su virtuosismo en su descripción de una serie de motivos de vanitas. Un roemer volcado refleja una ventana, que también se puede ver en el lado izquierdo de la composición en una bola de cristal, donde también podemos ver al mismo Claesz. El artista combinó la temprana innovación holandesa de un espejo convexo, que arroja una imagen desde el espacio del espectador, con el símbolo efímero de homa bulla. Al retratarse a sí mismo en el trabajo dentro del orbe, Claesz insiste en que el poder del arte trasciende el tiempo.