Día: 14 diciembre, 2019
Los artistas latinoamericanos más influyentes del siglo XX
Esta lista de artistas revela que muchos de los artistas innovadores e influyentes de América Latina en el siglo XX no estaban atados a la región sino que, de hecho, eran increíblemente globales. Viajaron a Europa, América del Norte y, en algunos casos, países africanos. Muchos de los artistas en esta lista posicionaron su trabajo en relación con los desarrollos de vanguardia europeos: ¿es quizás esta conexión con Europa la que los concreta como «más influyentes»? Lo que indica esta lista es que las narrativas artísticas del siglo XX han reconocido a ciertos artistas como «influyentes» debido a sus respectivas proximidades al norte global.
Dentro de esta lista, me emociona compartir los artistas que dieron forma a sus propias esferas de influencia, independientemente de las tendencias emergentes en Europa y América del Norte, que tal vez son menos conocidos en el canon. Estos incluyen figuras importantes como Luz Donoso, Feliciano Centurión y Clemencia Lucena. Esta lista no es exhaustiva de ninguna manera. Incluye solo artistas que ya no viven, y solo aquellos que nacieron en América Latina y el Caribe. (La excepción es Rafael Tufiño, quien nació en Nueva York, pero su inclusión fue un intento de señalar cómo Puerto Rico y su diáspora a menudo se posicionan fuera de América Latina y los Estados Unidos). Los 20 artistas innovadores destacado en esta lista ha influido en generaciones de artistas, así como en académicos y curadores que abordan los prejuicios históricos en la historia del arte.
Ana Mendieta
La práctica multidisciplinaria de Ana Mendieta cuestiona los marcadores estáticos de identidad de género, expresión sexual y la conexión de la humanidad con la Tierra. A los 12 años, Mendieta fue exiliado de Cuba y enviado a vivir a los Estados Unidos bajo la Operación Pedro Pan, un movimiento masivo de menores cubanos no acompañados, muchos de ellos hijos de amenazas contrarrevolucionarias al régimen de Castro. Mendieta pasó parte de su infancia en un orfanato de Iowan, y finalmente estudió arte en la Universidad de Iowa. Fue durante este período temprano que Mendieta comenzó a usar su propio cuerpo a través del rendimiento. Su práctica multidisciplinaria consistió en trabajos de performance, fotografía y video que abordaban los complicados enredos entre los cuerpos, la Tierra y la muerte. En obras híbridas icónicas como sus series «Siluetas» (1973-80) y «Esculturas Rupestres», Mendieta utilizó hendiduras, marcas y ausencia para implicar el cuerpo y sus reverberaciones en paisajes naturales, especialmente cuerpos femeninos, diosas y figuras matriarcales. En su cosmovisión, extraída de las prácticas espirituales indígenas y afrocubanas de su Cuba natal, así como de la experiencia del desplazamiento y la diáspora, el nacimiento y la muerte comienzan con sangre, el fuego sostiene pero también destruye, y el agua corre río abajo, independientemente de la intervención humana. . Mendieta murió a los 36 años en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, a pesar de esta tragedia, su trabajo continúa inspirando al público hoy. así como la experiencia del desplazamiento y la diáspora: el nacimiento y la muerte comienzan con sangre, el fuego sostiene pero también destruye y el agua fluye río abajo, independientemente de la intervención humana. Mendieta murió a los 36 años en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, a pesar de esta tragedia, su trabajo continúa inspirando al público hoy. así como la experiencia del desplazamiento y la diáspora: el nacimiento y la muerte comienzan con sangre, el fuego sostiene pero también destruye y el agua fluye río abajo, independientemente de la intervención humana. Mendieta murió a los 36 años en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, a pesar de esta tragedia, su trabajo continúa inspirando al público hoy.
Feliciano Centurión
B. 1962, San Ignacio de las Misiones, Paraguay. D. 1996, Buenos Aires, Argentina.
Las obras textiles de Feliciano Centurión, de los años 80 y 90 consolidan su obra de arte en un discurso queer global, enfatizando temas de amor, decadencia, vulnerabilidad y compasión. Su familia fue exiliada a un pueblo en la frontera de Paraguay y Argentina. Debido al gobierno represivo de Alfredo Stroessner, su padre cruzó la frontera para trabajar en Argentina. Centurión fue criado principalmente por las mujeres de su familia cuando era un hombre gay en una sociedad conservadora. A principios de la década de 1980, Centurión se mudó a Buenos Aires, donde se convirtió en una figura central del grupo Arte Light de la ciudad, que buscó contrarrestar las opresivas fuerzas culturales de la dictadura a través del juego, el placer, el humor y la creatividad en la creación artística. Las obras de Centurión utilizaron materiales domésticos como mantas, almohadas y otros textiles encontrados, que bordaría con frases poéticas e imágenes gráficas como animales y otras figuras iconográficas de las tradiciones indígenas guaraníes. En 1992, Ceturión fue diagnosticado con VIH y, a medida que su enfermedad empeoraba, muchas de las frases que incluía en sus trabajos trataban esta melancolía y su aceptación de su propia mortalidad. El trabajo de Centurión encarna un espíritu de reconciliación honesta y tierna durante la epidemia de SIDA que devastó las comunidades artísticas a nivel mundial. Centurión murió de SIDA en 1996, a la temprana edad de 34 años. tierna reconciliación durante la epidemia de SIDA que devastó las comunidades artísticas a nivel mundial. Centurión murió de SIDA en 1996, a la temprana edad de 34 años. tierna reconciliación durante la epidemia de SIDA que devastó las comunidades artísticas a nivel mundial. Centurión murió de SIDA en 1996, a la temprana edad de 34 años.
Jesús Rafael Soto a menudo asocia y Arte abstracto, desarrollando instalaciones inmersivas que involucren al público en la participación y fomenten la disolución entre la forma y el espacio. En 1950, después de completar sus estudios en Caracas y servir como director de La Escuela de Bellas Artes en Maracaibo, Venezuela, Soto se mudó a París. Venezuela se encontraba en las primeras etapas de una dictadura militar represiva, y los círculos de vanguardia de París ofrecieron una tentadora promesa de libertad e innovación artística, en particular, el cubismo. Soto comenzó a trabajar junto a artistas como Jean Tinguely y Victor Vasarely, así como con el Nuevo realismo
En 1955, participó en la exposición «Le Mouvement» en Galerie Denise René en París, que estimuló el desarrollo del arte cinético a nivel mundial. Muchas de las obras de Soto de este período eran formas inestables, desafiando la percepción del espectador de color, línea, movimiento y espacio. Fue a fines de la década de 1950 que Soto se involucró con el grupo de artistas Zero, adoptando ideas de mecanización e industrialización. En la última parte de la vida de Soto, priorizó la desmaterialización de la forma, sugiriendo movimiento y vibración a través de la participación pública. Quizás sea mejor conocido por sus «Penetrables», una serie de instalaciones escultóricas inmersivas que consisten en densas cortinas de alambres colgantes, que los espectadores pueden explorar con sus cuerpos.
Wifredo Lam
B. 1902, Sagua la Grande, Cuba. D. 1982, París, Francia.
Wifredo Lam fue un pintor que exploró estilos artísticos como Surrealismo y el cubismo en su trabajo mientras viaja por Europa, así como temas relacionados con su herencia espiritual mixta china, europea, indígena y afrocubana. En 1923, se mudó a Madrid para estudiar con Fernando Álvarez de Sotomayor, retratista y profesor de Salvador Dalí. Las primeras obras de Lam de este período son oscuras y premonitorias, sugestivas de muerte y guerra. A principios de la década de 1930, el trabajo de Lam reflejaba el surrealismo y, en 1938, viajó a París para estudiar con Pablo Picasso. Irónicamente, la fascinación de Picasso con las llamadas culturas «primitivas» animó a Lam a incorporar su propio trasfondo cultural caribeño en su trabajo, aunque con una comprensión aguda de las jerarquías culturales perpetuadas por la vanguardia europea. Al regresar de Lam a Cuba durante la Segunda Guerra Mundial, declaró: “Mi regreso a Cuba significó, sobre todo, un gran estímulo de mi imaginación … Respondí siempre a la presencia de factores que emanaban de nuestra historia y nuestra geografía, flores tropicales. y cultura negra «La famosa pintura de Lam La Jungla («The Jungle») (1943) combina formas cubistas con referencias visuales a la mitología, la cosmología y la santería. Lam murió en 1982. Un erudito estético transcultural, yuxtaponiendo estilos e influencias de varias tradiciones globales, Lam es quizás el artista más sincrético del siglo XX.
Luz Donoso fue una artista multidisciplinaria y de mentalidad social cuyo trabajo ha permanecido relativamente desconocido. En la década de 1960, después de sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, Donoso se involucró con un grupo de pintores murales que apoyaban a Salvador Allende del Partido Socialista, quien se convirtió en presidente en 1970. Donoso creía en el potencial revolucionario del arte cuando situado en espacios publicos. Utilizando imágenes gráficas, accesibles y representativas informadas por sus antecedentes en el grabado, el trabajo de Donoso se dirigió directamente al público. En 1973, tras el golpe de estado de Pinochet en Chile, Donoso fue despedida de la enseñanza de artes gráficas en la Universidad de Chile, presumiblemente por sus creencias políticas opositoras. Ella cofundó el Taller de Artes Visuales en Santiago, que produjo algunas de las críticas y el arte político más progresista de los años setenta en Chile. La primera y única exposición individual de Donoso fue en 1976 en el Instituto Chileno Francés. En 1978, ella desarrollóHuincha sin fin («Banda sin fin»), donde yuxtapuso fotografías en blanco y negro de los desaparecidos de Chile con la pregunta repetida «¿Dónde están?», Acusando directamente las atrocidades del régimen militar. Donoso contribuyó al movimiento de resistencia artística en Chile durante la década de 1980, a la que donó un archivo fundamental de grabaciones de audio, videos y fotografías de encuentros artísticos de la época.
Tony Capellán
B. 1955, Tamboríl, República Dominicana. D. 2017, Santo Domingo, República Dominicana.
Tony Capellán investigó temas de destrucción ambiental, escasez socioeconómica, legados del colonialismo y diáspora en su trabajo. Capellán creció en la región interior de la República Dominicana, lo que lo llevó a sentirse fascinado por el gran impacto del océano. Estudió pintura y grabado en la Universidad Autónoma de Santo Domingo, así como en la Liga de Estudiantes de Artes de la ciudad de Nueva York. A principios de la década de 1980, comenzó a trabajar con materiales encontrados en instalaciones escultóricas. Durante el resto de su carrera, Capellán hizo del océano su tema, así como su fuente de materiales. Recolectó restos desechados y basura de los océanos y otras vías fluviales en la República Dominicana. En Mar Caribe (1996) y Mar Invadido(2015), Capellán utilizó basura lavada para comunicar la historia de la región del Caribe y la destrucción de los entornos naturales. En su trabajo, el océano sirvió como metáfora de los dramas entre humanos (esclavitud, colonialismo, pobreza), así como de los dramas entre humanos y naturaleza (contaminación, extinción de especies y aumento del nivel del mar). En la década de 1990, Capellán exhibió ampliamente y continuó trabajando hasta su muerte en 2017. La fuerza del trabajo de Capellán fue abordar las historias sociopolíticas del Caribe, así como las crecientes urgencias ambientales del cambio climático global.
Frida Kahlo
A menudo nombrado el artista más influyente del modernismo latinoamericano, Frida Kahlo fue un pintor nacido en México cuyo arte abordó temas de melancolía, enfermedad, matriarcado, política revolucionaria y belleza indígena, a menudo con una inclinación surrealista. Nacida en una familia acomodada en Coyoacán, Ciudad de México, Kahlo se introdujo en el arte a una edad temprana a través de la fotografía de su padre. Aunque su padre era alemán y su madre de ascendencia indígena y española, Kahlo priorizó y celebró los valores culturales indígenas y los sistemas de creencias a lo largo de su vida. En las décadas de 1920 y 1930, desarrolló muchos trabajos que afirmaban sus creencias de izquierda, incluido el Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos (1932) y My Dress Hangs There(1933), pinturas que critican la historia imperialista de los Estados Unidos y el deseo capitalista de «progreso» industrializado. Kahlo también abordó su dolor de larga data debido a varias enfermedades que sufrió a lo largo de su vida, algunas debido a un accidente de autobús que la dejó parcialmente inmóvil. Una de las últimas pinturas de Kahlo antes de su prematura muerte en 1954 se titula Marxism Will Give Health to the Sick (1954), en la que representaba su propio cuerpo con una de sus icónicas faldas largas y un corsé de cuero. En el fondo de la pintura, la mano flotante de Marx ahoga un águila simbólica del imperialismo del tío Sam.
Nacido en una familia de prominentes intelectuales negros, Victoria Santa Cruz fue coreógrafo, compositor, dramaturgo y educador afroperuano. Gran parte de su trabajo se basa en sus raíces de la cultura afroperuana. En 1958, Santa Cruz cofundó Cumanana, la primera compañía de teatro negro de Perú. Muchas de las obras de teatro y musicales que dirigió durante este tiempo abordaron lagunas inexploradas en la historia nacional del Perú, en particular, narraciones olvidadas de la esclavitud. A principios y mediados de la década de 1960, Santa Cruz viajó a París y estudió teatro y coreografía en la Universidad del Teatro de las Naciones y en la Escuela Superior de Estudios Choréficos. Después de su regreso a Perú en 1966, se desempeñó como directora del Teatro y Danzas Negras del Perú y del Conjunto Nacional de Folklore, viajando y actuando ampliamente en toda la región, así como en los Estados Unidos, Canadá y Europa.Me gritaron negra (1978), en la que relató momentos de prejuicios racistas que sufrió cuando era niña. A partir de 1982, se desempeñó como profesora en la Universidad Carnegie Mellon en Pittsburgh, donde permanecería durante 17 años. Los exámenes críticos del racismo y las celebraciones del orgullo negro continuaron siendo temas predominantes en el trabajo de Santa Cruz durante la mayor parte de su vida.
Lygia Clark
B. 1920, Belo Horizonte, Brasil. D. 1988, Río de Janeiro, Brasil.
Pionero conceptual y figura destacada de Brasil. La práctica del Neo-Hormigón en movimiento de Lygia Clark enfatizó experiencias sensoriales e instalaciones participativas. Clark estudió pintura en Río de Janeiro y en París, centrándose en la abstracción geométrica. En la década de 1960, desarrolló su serie de «Proposições» («Propuestas»), obras experimentales de composición abierta que se basaban en la interacción pública. Los «Bichos» de Clark («Critters») cautivaron al espectador, requiriendo que manipularan el trabajo con sus propias manos para activarlo. Clark propuso que los espectadores tengan suficiente flexibilidad para experimentar el trabajo como su propio gesto. Ella priorizó las infinitas posibilidades de la interpretación del espectador. En 1966, desarrolló su serie de «Objetos sensoriosis» («Objetos sensoriales»), utilizando artículos prefabricados como tubos, sacos de arpillera, bolsas de plástico, guijarros y especias. En la década de 1970, Clark continuó haciendo trabajos que exploraban el psicoanálisis erótico, dinámica social y conciencia colectiva. Un trabajo que representa de manera aguda estos temas esA casa é o corpo («La casa es el cuerpo»), una instalación que presentó en la Bienal de Venecia de 1968. En este trabajo, se alentó al público a recorrer un laberinto que sugiere el sistema reproductivo femenino, reflejando acciones como la penetración, la ovulación, la germinación y la expulsión. El trabajo de Clark con los estudiantes se centró en la calidad terapéutica del arte, examinando las posibilidades de curación a través del juego. Hasta el final de su vida, el trabajo de Clark involucró a los participantes en experimentos sensoriales y relacionales activos.
Antonio Berni
Ilustrando las realidades de la vida en las villas miseria de Argentina, Antonio Berni creó retratos representativos de la pobreza, a menudo utilizando materiales desechados y confeccionados en su trabajo. Berni nació y fue criado por inmigrantes italianos, y pudo estudiar pintura. En 1925, viajó a Europa y se involucró con los círculos de vanguardia surrealistas. Desarrolló un interés por los ideales y las convicciones del marxismo. A su regreso a Argentina en 1932, se unió al muralista mexicano David Alfaro Siqueiros del grupo Berni comenzó a desarrollar sus propias obras a través de la lente del «nuevo realismo», o la creencia de que el arte debería reflejar con sinceridad las realidades sociales de las clases trabajadoras. En ese momento, Argentina sufría una grave crisis económica que empeoraba las condiciones de vida de los más marginados del país. Las pinturas representativas a gran escala de Berni resaltaron la diversidad de la visión «panamericana». En la década de 1950, Berni dio un giro definitivo en su práctica y comenzó a hacer ensamblajes, reutilizando desechos y objetos desechados. En la década de 1960, había desarrollado dos personajes de ficción que serían los sujetos de su trabajo hasta su muerte en 1981. Nombrados Juanito Laguna y Ramona Montiel: Laguna, un niño pobre de una villa miseria.y Montiel, una trabajadora sexual: marcan la producción más significativa de Berni, y son quizás su trabajo más conocido.
Tunga
B. 1952, Palmares, Brasil. D. 2016, Río de Janeiro, Brasil.
Tunga, conocido por obras que sugieren carne humana, funciones corporales y espiritualidad, abarcó escultura, instalación, performance, video y poesía. Tunga estudió arquitectura en la Universidad de Santa Úrsula en Río de Janeiro, pero recurrió a las artes visuales. En 1974, el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro realizó su primera exposición individual, titulada «Museu da Masturbação Infantil» («Museo de la Masturbación Infantil»). Yuxtaponiendo elementos naturales como madera, hierro, acero, algodón, cera y caucho. , Las obras escultóricas de Tunga aluden a experiencias universales dentro del mundo natural. En la década de 1980, Tunga creó obras escultóricas e instalaciones que imitan visualmente el cabello humano: hebras de cabello alisado atrapadas en peines, así como trenzas largas y sinuosas hechas de materiales como cobre, plomo y latón. Tunga desarrolló actuaciones surrealistas que ilustraban las conexiones entre las personas, en muchos casos, mujeres y sus alrededores. Esta salida incluyó uno de sus trabajos de interpretación más conocidos,Xifópagas Capilares entre Nós («Xiphopagus capilar entre nosotros») (1984), donde dos jóvenes gemelas se unen por su cabello. Tunga mostró su trabajo en el Louvre de París en 2005, con la monumental instalación colgante À La Lumière des Deux Mondes («A la luz de ambos mundos»).
Margarita Azurdia
Margarita Azurdia , Quítese los zapatos por favor, 1970. Cortesía de la finca del artista y del Museo del Martillo.
Margarita Azurdia realizó trabajos experimentales que exploraron íconos de género y mitológicos durante la Guerra Civil de Guatemala (1960–1996). Azurdia comenzó su carrera artística autodidacta a principios de la década de 1960, pintando abstracciones geométricas a gran escala que tomaron prestadas de tradiciones textiles indígenas, como diseños de huipiles mayas . En 1968, creó una serie de esculturas minimalistas que fomentaron la participación pública, que consistía en estructuras curvas, cilíndricas y de gran escala, sobre las cuales se invitó al público a acostarse. En 1970, Azurdia desarrolló su primera instalación inmersiva, titulada Favor quitarse los zapatos(«Por favor quítese los zapatos»). En una habitación pequeña y oscura, Azurdia colocó montículos desiguales de arena húmeda, invitando al público a atravesar el terreno bajo sus pies descalzos. Azurdia continuó experimentando y desarrolló obras de performance, poesía y esculturas que incorporaron mitos religiosos ficticios e híbridos, incluido Homenaje a Guatemala (1971–74). Viajó a París en 1974, donde residió hasta 1982 y trabajó junto a otras artistas feministas. A su regreso a Guatemala, Azurdia formó el grupo de actuación experimental Laboratorio de Creatividad, enfatizando las conexiones espirituales de la humanidad con la Tierra y todas sus especies. Azurdia murió en 1998, y su hogar en la ciudad de Guatemala se convirtió en museo.
Lily Garafulic
B. 1914, Antofagasta, Chile. D. 2012, Santiago, Chile.
Nacida en una familia de inmigrantes croatas, Lily Garafulic es considerada una de las escultoras abstractas más importantes de Chile del siglo XX. Después de estudiar artes visuales en la Universidad de Chile, en 1938, Garafulic viajó a París, donde conoció al escultor Constantin Brancusi, cuyo trabajo seguiría siendo una influencia de por vida en su práctica. Sus primeros trabajos escultóricos eran de forma abstracta, pero aludían a las formas orgánicas del cuerpo humano. Guiados por un interés en la pureza formal, Garafulic utilizó materiales como mármol, bronce y terracota. En 1944, Garafulic recibió una beca Guggenheim y viajó a la ciudad de Nueva York, donde estudió grabado en Stanley William Hayter‘ Atelier 17. Este mismo año, tuvo su primera exposición individual en el Instituto Chileno-Británico en Santiago, Chile, y luego recibió una beca de viaje para estudiar técnicas de mosaico en Europa. En 1973, se convirtió en la primera mujer en asumir el papel de directora en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago. En este papel, implementó nuevos estándares para la restauración y conservación en el museo. Al igual que muchas artistas femeninas en toda América Latina en el siglo XX, Garafulic equilibró varios roles simultáneamente: artista visual innovadora, educadora y administradora de artes públicas. Garafulic falleció en 2012 en Santiago, Chile.
Rafael Tufiño
La práctica interdisciplinaria de Rafael Tufiño, celebró los momentos cotidianos de trabajo, ocio y expresión cultural. Nacido en la ciudad de Nueva York, se mudó a Puerto Rico a la edad de 10 años. Tufiño sirvió en la Segunda Guerra Mundial, lo que le otorgó el GI Bill, financiando sus estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en la Ciudad de México, donde estudió grabado y mural técnicas Durante la década de 1950, regresó a Puerto Rico, formándose parte de la Generación de los años 50, un grupo enfocado en desarrollar una identidad y conciencia cultural moderna puertorriqueña. Tufiño produjo varias obras encargadas por el gobierno puertorriqueño, específicamente carteles destinados a promover la cultura y la salud pública en la isla. Se hizo un nombre como grabador, ganando el título de «Pintor del pueblo». En 1954, Tufiño fue galardonado con una beca Guggenheim,La Plena (1952–54), refiriéndose al género musical tradicional puertorriqueño. Fundó el Taller Boricua en 1970 y ayudó a formar El Museo el Barrio en Harlem. En 2003, El Museo el Barrio realizó una retrospectiva de la obra de Tufiño. Ese mismo año, el National Arts Club en la ciudad de Nueva York le otorgó un premio a su trayectoria. Tufiño falleció en 2008.
Clemencia Lucena
B. 1945, Bogotá, Colombia. D. 1983, Cali, Colombia.
Clemencia Lucena es conocida por dos cuerpos distintos de trabajo: sus parodias feministas de mujeres en concursos de belleza y otros rituales de género, y sus pinturas representativas abiertamente marxistas que ilustran la lucha de clases. Sus primeros trabajos parodian concursos de belleza, concursos, bodas y anuncios de debutantes, burlándose de las representaciones visuales de mujeres idealizadas en esos contextos. A principios de la década de 1970, Lucena se involucró con el Movimiento Obrero Independiente Revolucionario (MOIR), y este momento marcó un cambio radical en el tema de su trabajo. Lucena se dirigió a los problemas de la clase trabajadora, adoptando una praxis marxista radical en su política y realismo social en su obra de arte. Muchas de las obras de Lucena de este período pueden leerse como propaganda política, fomentando la acción social en los trabajadores agrícolas y otros miembros de la clase trabajadora. En 1975
Joaquín Torres-García
A una edad temprana, Joaquín Torres-García se mudó de Uruguay a Mataró, España, y finalmente se estableció en Barcelona, donde estudió en la Escola de Nobles Arts “La Llotja” y en el Cercle Artístic de Sant Lluc. Torres-García se involucró con el movimiento del novecentismo, adoptando un enfoque clasicista de su pintura. En la década de 1930, desarrolló su teoría del universalismo constructivo, la creencia de que el arte debería reflejar la pureza geométrica, así como el contenido simbólico. En 1930, junto con los artistas Piet Mondrian y Michel Seuphor, Torres-García fundó el movimiento Cercle et Carré (que significa «Círculo y Plaza»). En 1934, Torres-García regresó a Uruguay y abrazó por completo el Universalismo constructivo, combinando las redes estructuradas de abstracción que había visto en Europa con personajes simbólicos alusivos a los sistemas de pensamiento precolombinos. Comenzó a abogar por una tradición autónoma de arte latinoamericano, independiente de Europa, y en 1935, desarrolló La Escuela del Sur, llamando a una inversión del orden político y la jerarquía entre el Sur global y Norte. En 1943, Torres-García ilustró este concepto en América Invertida(«América invertida»), un dibujo que muestra América del Sur al revés, con la línea del ecuador como un marcador visual. A Torres-García se le atribuye el establecimiento de un nuevo orden político y estético en la región, fusionando discursos transatlánticos.
Antonio Dias
B. 1944, Paraíba, Brasil. D. 2018, Río de Janeiro, Brasil.
Las obras de Antonio Dias se rebelaron contra la dictadura militar de Brasil desde la década de 1960 hasta la de 1980. Cuando era niño, Dias aprendió a leer cómics, y se dedicó al diseño gráfico cuando era un joven adulto, inspirado en el movimiento Tropicália de Brasil. Después de su mudanza a Río de Janeiro, en la década de 1960, los lienzos de Dias utilizaron imágenes audaces y gráficas, que algunos críticos e historiadores del arte argumentaron que estaban influenciados por las corrientes internacionales Popular. Sin embargo, en contraste con la estética comercial del pop en los Estados Unidos, las obras de Dias a menudo condenaron al régimen militar en Brasil. Como la figura principal en el movimiento de la Nueva Figuración, Dias empujó los límites de la disidencia artística durante un período de fuerte represión. Su Nota sobre la muerte imprevista (1965) contiene imágenes de uniformes militares, nubes atómicas de hongo, máscaras de gas y cráneos humanos. Dias dejó Brasil para ir a Europa cuando la dictadura brasileña endureció la censura y persiguió a los artistas. Mientras estuvo en Italia, Dias se involucró con artistas del Arte Povera.movimiento, y comenzó a hacer películas e instalaciones. En 1977, Dias viajó a Nepal e India, donde experimentó con la fabricación de papel, y en las décadas de 1980 y 1990, enseñó en Alemania y Austria, inclinándose hacia la abstracción en su trabajo. Dias falleció el año pasado en Río de Janeiro a la edad de 74 años.
Rufino Tamayo
Las pinturas abstractas de Rufino Tamayo, fusionaron la estética precolombina con el modernismo europeo, especialmente el cubismo y el surrealismo. Nacido de padres de ascendencia zapoteca indígena, Tamayo quedó huérfano a una edad temprana y se mudó a la Ciudad de México. Allí, estudió arte, y finalmente fue nombrado diseñador principal del departamento de dibujos etnográficos del Museo Nacional de Arqueología. Tomando prestados formas de objetos cerámicos precolombinos en la colección del museo, muchas de las primeras pinturas y dibujos de Tamayo representaban retratos representativos de mexicanos rurales. A partir de la década de 1920, Tamayo viajó a Nueva York, donde permanecería durante años, inspirado por la experimentación artística que creía que se estaba reprimiendo en México. Las obras de Tamayo durante su tiempo en Nueva York están marcadas por una cualidad surrealista de ensueño, que a menudo incorpora figuras humanas, frutas, o animales en lienzos vívidamente saturados. EnAnimales (1941), dos perros anclan la composición de la pintura: los perros, en muchas mitologías mayas y aztecas, acompañan a los muertos al más allá. Después de la Segunda Guerra Mundial, las pinturas de Tamayo adquirieron una calidad expresionista y gestual. En 1957, se mudó a París, antes de regresar a México hasta el final de su vida. Muchas de las pinturas de Tamayo se encuentran en el Museo Rufino Tamayo de la Ciudad de México, fundado en 1981, 10 años antes de la muerte del artista.
Tarsila do Amaral
B. 1886, São Paulo, Brasil. D. 1973, São Paulo.
Tarsila do Amaral fue un pintor que desarrolló un lenguaje visual único para imaginar un nuevo Brasil en el siglo XX. Nacida en una familia de propietarios de cafetales en São Paulo, do Amaral viajó a Francia a principios de la década de 1920, donde estudió cubismo con pintores de renombre como Fernand Léger y André Lhote. Mientras viajaba entre Europa y Brasil, desarrolló su estilo característico de pintura, combinando una paleta de colores vivos, formas sensuales e imágenes inspiradas en las poblaciones indígenas y africanas de Brasil. A Negra (1923) representa un retrato abstracto de un trabajador en la fazenda de su familia—Una mujer negra que habría nacido en la esclavitud. En 1928, el arte de do Amaral fue la pieza central del «Manifiesto Antropófago», que exigía el canibalismo cultural, alentando una forma de arte brasileña que comía y digería diversas tradiciones artísticas y las transponía a un nuevo contexto brasileño. En 1929, la familia de Amaral perdió su fortuna y, en 1931, viajó a la Unión Soviética. Su producción artística se centró en el marxismo, la conciencia de clase y las luchas de los trabajadores. Ella murió en 1973 en São Paulo. El año pasado, su exposición en el Museu de Arte de São Paulo batió récords como la exposición más concurrida en la historia del museo. A principios de este año, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió A Lua (1928), una importante pintura temprana de do Amaral.
David Alfaro Siqueiros
David Alfaro Siqueiros fue uno de los tres grandes pintores muralistas mexicanos de principios del siglo XX. A lo largo de su vida, Siqueiros mantuvo firmes creencias políticas que informaron cada aspecto de su práctica artística. Aunque nació en una familia acomodada, Siqueiros se involucró en las ideologías de la Revolución Mexicana. Lideró con éxito las huelgas estudiantiles y finalmente se unió al ejército revolucionario. Siquieros pintó murales que representan la lucha de clases y la lucha. Después de la guerra, en 1921, Siquieros viajó a Europa, donde pasó tiempo con Diego Rivera y se interesó en el cubismo. Fue miembro activo del partido político comunista y cofundó el periódico comunista El Machete en México. En la década de 1930, Siqueiros viajó a los EE. UU., Donde pintó varios murales que ilustran la tumultuosa relación entre México y los Estados Unidos. En el centro de Los Ángeles, Siqueiros pintó América Tropical(1932), que fue pintada casi de inmediato debido a su controvertido tema: un hombre indígena crucificado debajo de un águila americana. Siquieros permaneció políticamente activo durante toda su vida, incluso viajó a España durante la Guerra Civil española para luchar junto a los republicanos. Es considerado el más político de los tres grandes muralistas mexicanos, debido a su dedicación y compromiso con su causa a través del arte público.
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