Los 10 momentos que definieron el arte en la década de 2010

Paul Cézanne, La Montagne Sainte-Victoire, 1897. Cortesía del Kunstmuseum Bern.

La creación de Instagram y su impacto en el mundo del arte.

Octubre de 2010

Yayoi Kusama, Infinity Mirrored Room - Las almas de millones de años luz de distancia, 2013. © Yayoi Kusama.  Cortesía de David Zwirner, Nueva York;  Ota Fine Arts, Tokio / Singapur / Shanghai;  Victoria Miro, Londres / Venecia;  KUSAMA Enterprise.
Yayoi Kusama, Infinity Mirrored Room – Las almas de millones de años luz de distancia , 2013. © Yayoi Kusama. Cortesía de David Zwirner, Nueva York; Ota Fine Arts, Tokio / Singapur / Shanghai; Victoria Miro, Londres / Venecia; KUSAMA Enterprise.
Cuando Instagram se lanzó en 2010, brindó a los artistas una nueva y poderosa herramienta de marketing. Pero también tuvo un efecto inesperado en el mundo del arte: los curadores comenzaron a lidiar con la forma en que Instagram era un espectáculo.
La noción se arraigó siguiendo la instalación  de Yayoi Kusama de “Infinity Mirror Room” en 2013. Las fuentes de Instagram se saturaron con la misma escena: una galaxia interminable de luces brillantes que convergen en una figura solitaria en una habitación oscura, un teléfono con cámara oculta parcialmente su rostro. Aunque la instalación ha visto varias iteraciones desde 1965, el concepto de Kusama explotó en popularidad gracias a las redes sociales, con hasta 2.500 personas por día que ingresaron en la sala de David Zwirner durante 45 segundos cada una.
Los hotspots artísticos de Instagram comenzaron a aparecer en números vertiginosos: Color Factory, 29Rooms, el Museo de Arte Digital de teamLab, todos prometiendo el telón de fondo perfecto para el gramo. En las instituciones de arte, Instagram también cambió el acto de interactuar con el arte.

La principal retrospectiva de Tate este año vio a los visitantes deambular por la bruma de una habitación para el trabajo Your Blind Passenger (2010), con los teléfonos en alto. Plantea la pregunta: ¿Realmente te estás conectando con una obra de arte si la estás viendo a través de una lente?

La detención de Ai Weiwei

Abril de 2011

Foto de Peter Parks / AFP vía Getty Images.
Foto de Peter Parks / AFP vía Getty Images.
En abril de 2011 Ai Weiwei intentó abordar un vuelo a Hong Kong cuando fue detenido por la policía. Durante 81 días, el artista estuvo cautivo e interrogado por funcionarios chinos.
Ai había expresado su indignación por el comportamiento del Partido Comunista Chino a través de obras de arte conmovedoras, Twitter y su blog. Su crítica más famosa se refería al mal manejo del terremoto de Sichuan en 2008, que provocó la muerte de más de 5,000 niños en edad escolar. Pero hasta 2011 no enfrentó medidas tan radicales para sus acciones. El artista más abierto de nuestro tiempo había sido silenciado.
Cuando Ai volvió a emerger, la terrible experiencia solo alimentó su roductividad. Aunque su pasaporte fue revocado, montó docenas de espectáculos en todo el mundo. La curadora principal de Guggenheim , Alexandra Munroe, señaló que este momento “reformuló las apuestas y la escala del impacto que un artista disidente podría ejercer”. Agregó: “Hemos visto una gran proliferación desde el activismo de los artistas, algo sabio, algo superficial. Pero lo más inquietante es que hemos visto que los mismos mundos del arte, el periodismo y la diplomacia estatal en Occidente muestran un total desprecio por los millones de manifestantes en Hong Kong. Ai tenía razón al advertirnos entonces, y ahora tiene razón para avergonzarnos ”.

El descubrimiento del tesoro de Cornelius Gurlitt del presunto botín nazi

Febrero de 2012

Paul Cézanne, La Montagne Sainte-Victoire , 1897. Cortesía del Kunstmuseum Bern.
En 2012, las autoridades alemanas descubrieron un tesoro de más de 1.300 obras de arte moderno en el apartamento de Cornelius Gurlitt en Múnich, el hijo mayor y solitario del comerciante de arte de la era nazi Hildebrand Gurlitt. La noticia de la colección envió ondas de choque a través del mundo del arte y más allá.
Este misterioso y enormemente valioso tesoro de obras de Max BeckmannOtto DixPaul CezanneErnst Ludwig KirchnerÉdouard ManetClaude MonetEdvard MunchPaul Signac, y otros se han estimado en más de $ 1 mil millones. Posteriormente, se descubrieron otras 250 obras en una casa que Gurlitt poseía en Salzburgo, lo que lleva el total de su colección a unos 1.600 objetos.
El caso rápidamente resultó ser tan complejo como impactante, especialmente después de que Gurlitt murió en mayo de 2014, dejando su colección y todos sus problemas de procedencia en manos del Kunstmuseum Bern en Suiza. Desde entonces, algunas de las obras de arte han sido devueltas a los herederos de sus legítimos propietarios. Muchos más se han exhibido públicamente en exposiciones en Berna y Bonn, Alemania, o se han publicado en línea en un esfuerzo por volver sobre sus orígenes, un proceso que seguramente tomará años, si no décadas.

La primera edición de Art Basel en Hong Kong

Mayo 2013

Foto de Jessica Hromas vía Getty Images

Foto de Jessica Hromas vía Getty Images

Hong Kong ha sido un centro comercial mundial durante más de un siglo, pero su estatus como el mercado de arte más destacado de Asia no se selló por completo hasta 2013, cuando se inauguró Art Basel en la antigua colonia británica.
En medio del auge económico de China en la década de 2000, Christie’s y Sotheby’s consolidaron sus ventas de arte asiático en Hong Kong. Siguiendo esta tendencia prometedora, Asian Art Fairs lanzó ArtHK en 2008. La feria se convirtió en la primera plataforma de lanzamiento de galerías internacionales en Asia, con galerías participantes como Gagosian y White Cube . En 2011, MCH Group , propietario de Art Basel, adquirió el 60 por ciento de las ferias de arte asiáticas, transformando a ArtHK en una incorporación asiática a la feria de arte contemporáneo líder en el mundo.
Art Basel mejoró el estatus de Hong Kong como mercado de arte global, actuando como un voto de confianza para galerías occidentales como David Zwirner y Hauser & Wirth , que abrieron puestos de avanzada en la ciudad en 2018. También ha ayudado a introducir a Hong Kong y Asia artistas del mundo del arte global, una oportunidad que podría haber tomado un camino sinuoso para construir sin la presencia de Art Basel en Hong Kong.

La obra de arte más cara de una artista femenina vendida en una subasta

Noviembre 2014

Alfred Stieglitz, Georgia O & # x27; Keeffe, 1930. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Alfred Stieglitz, Georgia O’Keeffe , 1930. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Georgia O'Keeffe, Jimson Weed / White Flower No. 1, 1932. Foto de Edward C. Robison III.  Cortesía del Museo de Arte Americano Crystal Bridges, Bentonville, Arkansas.
Georgia O’Keeffe, Jimson Weed / White Flower No. 1, 1932. Foto de Edward C. Robison III. Cortesía del Museo de Arte Americano Crystal Bridges, Bentonville, Arkansas.
En noviembre de 2014 Georgia O’Keeffe con la pintura Jimson Weed / White Flower No. 1 (1932) se convirtió en la obra de arte más cara de una mujer que se haya vendido. Alice Walton, heredera de la fortuna de Walmart y fundadora del Museo de Arte Americano Crystal Bridges en Bentonville, Arkansas, compró el lienzo en Sotheby’s por $ 44.4 millones. Mindy Besaw, curadora de Crystal Bridges, dijo que la pintura “representa un tema icónico de uno de los artistas estadounidenses modernos más importantes e influyentes”. La venta singular fue la apoteosis de una tendencia que ahora barre el mundo del arte: el creciente interés del mercado en el trabajo de artistas femeninas.
Sotheby’s publicó un informe señalando que entre 2012 y 2018, las obras de arte de mujeres han aumentado en valores de subasta en un 72,9 por ciento. Como para confirmar esta tendencia, el registro de la subasta para AbEx la superestrella Lee Krasner se duplicó cuando su lienzo de 1960, The Eye Is the First Circle, se vendió en Sotheby’s por $ 11.7 millones en mayo de 2019. Estas potentes fuerzas del mercado son paralelas a un intento institucional más amplio para finalmente dar a las artistas menospreciadas la atención crítica que merecen.

La controversia de apropiación cultural de Dana Schutz

Marzo de 2017

Foto de Michael Bilsborough.  Cortesía de Parker Bright.
Foto de Michael Bilsborough. Cortesía de Parker Bright.
En la bienal de Whitney de 2017, el pintor Dana Schutz muestra una pintura titulada Open Casket (2016). La obra representaba la infame imagen de 1955 del adolescente afroamericano brutalmente asesinado Emmett Till tendido en su ataúd, interpretado en el estilo pictórico característico de Schutz.
Se produjo un alboroto con gritos que Schutz, que es blanco, no debería pintar y sacar provecho de ese tema. El artista Parker Bright se refirió a la obra de arte como “una injusticia para la comunidad negra” y protestó en frente de la pintura, parada frente a ella con una camisa que decía “ESPECTÁCULO DE MUERTE NEGRA”. Hubo llamadas para que se quitara el trabajo e incluso destruido. La pintura permaneció a la vista, aunque el museo finalmente agregó una pancarta junto con una nota del curador, así como una respuesta de Schutz: “No sé lo que es ser negro en Estados Unidos. Pero sí sé lo que es ser madre”, escribió. Schutz cerró su respuesta con la siguiente declaración: “Esta pintura nunca estuvo a la venta y nunca lo estará”.
El trabajo provocó un diálogo sobre la apropiación de la experiencia y la imagen; sucedió en el apogeo del movimiento Black Lives Matter y fue visto como una estetización del trauma letal de un grupo.

La demanda de agresión sexual de Artforum

Octubre de 2017

Betty Tompkins, Apologia (Artemisia Gentileschi # 3), 2018. Cortesía de Betty Tompkins y P · P · O · W, Nueva York.
Betty Tompkins, Apologia (Artemisia Gentileschi # 3) , 2018. Cortesía de Betty Tompkins y P · P · O · W, Nueva York.
En octubre de 2017, la curadora Amanda Schmitt presentó una demanda acusando entonces al coeditor de Artforum Knight Landesman de acoso sexual. La acusación contra una de las figuras más poderosas de la industria fue un caso temprano del movimiento #MeToo de Tarana Burke llegando al mundo del arte. Creó un cambio sísmico en la conciencia de los sistemas arraigados que permiten, y protegen, el comportamiento abusivo.
Dos años después, innumerables otros han compartido sus experiencias enterradas de acoso sexual en entornos privados y laborales, incluidos museos, galerías y escuelas. Como sobrevivientes nombrados hombres de alto perfil como Chuck Close  y Subodh Gupta, otros consideraron qué hacer con el arte de un presunto abusador: ¿contextualizar o cancelar?
La demanda de Schmitt fue desestimada por un tribunal del estado de Nueva York en enero, pero en otros lugares, los cambios están en el horizonte. Las instituciones, presionadas para reconocer las estructuras de poder que pueden generar mala conducta, están luchando con formas de proteger a los trabajadores culturales. Para la mayoría, esto requiere no solo crear lugares de trabajo seguros, sino también corregir el desequilibrio racial y de género del personal. Dichos protocolos son pasos para sostener el movimiento. Por ahora, el mensaje sigue siendo claro: el comportamiento depredador descartado por mucho tiempo como norma cultural ya no será tolerado.

La presentación de los retratos de Obama

Febrero 2018

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El retrato acompañante de la Primera Dama Michelle fue mucho más allá de la norma para el retrato presidencial ; crearon una nueva forma de arte populista y llevaron el retrato negro a la vanguardia de una conversación nacional sobre raza y representación.

Las pinturas se presentaron en la National Portrait Gallery en Washington, DC, en febrero de 2018 con gran fanfarria: no solo fue la primera vez que se reveló un retrato de un presidente afroamericano, sino la primera vez que un artista negro fue seleccionado para pintar Un retrato presidencial.
Los retratos se convirtieron en un fenómeno cultural, pero su influencia también se extendió al mundo del arte; señalaron un renovado interés cultural en los artistas negros, que se ha manifestado en más exposiciones individuales de museos y galerías para artistas negros. Aunque a los artistas les gusta Jean-Michel Basquiat y Tschabalala Self  han vendido obras sin precedentes en una subasta, las obras de artistas negros todavía tienden a estar muy infravaloradas en el mercado, lo que muestra hasta dónde tiene que llegar el mundo del arte para corregir los sesgos históricos.

El primer museo en rechazar una donación de los Sacklers.

Marzo 2019

La Galería Nacional de Retratos, Londres.  Imagen vía Wikimedia Commons.
La Galería Nacional de Retratos, Londres. Imagen vía Wikimedia Commons.
Cuando la National Portrait Gallery (NPG) de Londres se convirtió en la primera institución de arte importante en rechazar la financiación de la familia Sackler en marzo de 2019, la decisión provocó un efecto dominó en todo el mundo. La Tate , Guggenheim y el Museo Metropolitano de Arte siguieron su ejemplo, y la notoriedad de la familia Sackler por aprovecharse de la epidemia de opioides eclipsó su reputación de benefactores culturales.
La decisión del NPG provocó un debate internacional en curso. Los visitantes del museo, el personal, los artistas y los curadores recurrieron a instituciones veneradas con un escrutinio intensivo, cuestionando las implicaciones éticas de la riqueza que alimenta el mundo del arte. En julio de 2019, las críticas llegaron a un punto de ruptura cuando el vicepresidente del Museo Whitney , Warren Kanders, renunció bajo una intensa presión después de las revelaciones de que su compañía, Safariland, fabricaba gases lacrimógenos utilizados contra los migrantes en la frontera entre Estados Unidos y México. Pero la réplica está lejos de terminar.
A medida que el mundo del arte lidia con instituciones basadas en la “filantropía tóxica”, un modelo de financiamiento alternativo permanece oculto. El tiempo dirá qué tan lejos y qué tan profundo irá el cálculo, pero podría alterar el mundo del arte tal como lo conocemos.

El artista vivo más caro es Jeff Koons (nuevamente)

Mayo 2019

Foto de Yui Mok / PA Images a través de Getty Images.
Foto de Yui Mok / PA Images a través de Getty Images.
En mayo de este año, Jeff Koons recuperó el título del artista vivo más caro cuando su icónica escultura Rabbit (1986) se vendió por $ 91 millones en una subasta de Christie’s en Nueva York.
Ese resultado lo puso justo por delante de David Hockney , cuyo Retrato de un artista (Pool with Two Figures) (1972) se vendió por $ 90.3 millones unos meses antes. También eclipsó el récord de subasta de Koons de $ 58.4 millones, establecido en noviembre de 2013 por su imponente escultura de acero inoxidable Balloon Dog (Orange) (1994–2000), que lo convirtió en el artista vivo más caro hasta que apareció el retrato junto a la piscina de Hockney.
El resultado confirmó el hambre duradera de los coleccionistas por el trabajo de Koons, pero también mostró que, en medio de los temores de una recesión económica inminente, los compradores aparecerán y ofertarán en grande por obras de arte ampliamente consideradas como obras maestras. “Puedes pensar en Koons como quieras”, dijo el corredor de poder de Christie, Alex Rotter, después de la histórica venta. “Este fue su mejor trabajo”.

Imagen de encabezado: Foto de la protesta PAIN (Prescription Addiction Intervention Now) en el Louvre el 1 de julio de 2019 por Stephane de Sakutin / AFP a través de Getty Images. Todas las otras fotos acreditadas en el cuerpo del artículo.