Los 10 momentos que definieron el arte en la década de 2010

Paul Cézanne, La Montagne Sainte-Victoire, 1897. Cortesía del Kunstmuseum Bern.

La creación de Instagram y su impacto en el mundo del arte.

Octubre de 2010

Yayoi Kusama, Infinity Mirrored Room - Las almas de millones de años luz de distancia, 2013. © Yayoi Kusama.  Cortesía de David Zwirner, Nueva York;  Ota Fine Arts, Tokio / Singapur / Shanghai;  Victoria Miro, Londres / Venecia;  KUSAMA Enterprise.
Yayoi Kusama, Infinity Mirrored Room – Las almas de millones de años luz de distancia , 2013. © Yayoi Kusama. Cortesía de David Zwirner, Nueva York; Ota Fine Arts, Tokio / Singapur / Shanghai; Victoria Miro, Londres / Venecia; KUSAMA Enterprise.
Cuando Instagram se lanzó en 2010, brindó a los artistas una nueva y poderosa herramienta de marketing. Pero también tuvo un efecto inesperado en el mundo del arte: los curadores comenzaron a lidiar con la forma en que Instagram era un espectáculo.
La noción se arraigó siguiendo la instalación  de Yayoi Kusama de «Infinity Mirror Room» en 2013. Las fuentes de Instagram se saturaron con la misma escena: una galaxia interminable de luces brillantes que convergen en una figura solitaria en una habitación oscura, un teléfono con cámara oculta parcialmente su rostro. Aunque la instalación ha visto varias iteraciones desde 1965, el concepto de Kusama explotó en popularidad gracias a las redes sociales, con hasta 2.500 personas por día que ingresaron en la sala de David Zwirner durante 45 segundos cada una.
Los hotspots artísticos de Instagram comenzaron a aparecer en números vertiginosos: Color Factory, 29Rooms, el Museo de Arte Digital de teamLab, todos prometiendo el telón de fondo perfecto para el gramo. En las instituciones de arte, Instagram también cambió el acto de interactuar con el arte.

La principal retrospectiva de Tate este año vio a los visitantes deambular por la bruma de una habitación para el trabajo Your Blind Passenger (2010), con los teléfonos en alto. Plantea la pregunta: ¿Realmente te estás conectando con una obra de arte si la estás viendo a través de una lente?

La detención de Ai Weiwei

Abril de 2011

Foto de Peter Parks / AFP vía Getty Images.
Foto de Peter Parks / AFP vía Getty Images.
En abril de 2011 Ai Weiwei intentó abordar un vuelo a Hong Kong cuando fue detenido por la policía. Durante 81 días, el artista estuvo cautivo e interrogado por funcionarios chinos.
Ai había expresado su indignación por el comportamiento del Partido Comunista Chino a través de obras de arte conmovedoras, Twitter y su blog. Su crítica más famosa se refería al mal manejo del terremoto de Sichuan en 2008, que provocó la muerte de más de 5,000 niños en edad escolar. Pero hasta 2011 no enfrentó medidas tan radicales para sus acciones. El artista más abierto de nuestro tiempo había sido silenciado.
Cuando Ai volvió a emerger, la terrible experiencia solo alimentó su roductividad. Aunque su pasaporte fue revocado, montó docenas de espectáculos en todo el mundo. La curadora principal de Guggenheim , Alexandra Munroe, señaló que este momento «reformuló las apuestas y la escala del impacto que un artista disidente podría ejercer». Agregó: «Hemos visto una gran proliferación desde el activismo de los artistas, algo sabio, algo superficial. Pero lo más inquietante es que hemos visto que los mismos mundos del arte, el periodismo y la diplomacia estatal en Occidente muestran un total desprecio por los millones de manifestantes en Hong Kong. Ai tenía razón al advertirnos entonces, y ahora tiene razón para avergonzarnos ”.

El descubrimiento del tesoro de Cornelius Gurlitt del presunto botín nazi

Febrero de 2012

Paul Cézanne, La Montagne Sainte-Victoire , 1897. Cortesía del Kunstmuseum Bern.
En 2012, las autoridades alemanas descubrieron un tesoro de más de 1.300 obras de arte moderno en el apartamento de Cornelius Gurlitt en Múnich, el hijo mayor y solitario del comerciante de arte de la era nazi Hildebrand Gurlitt. La noticia de la colección envió ondas de choque a través del mundo del arte y más allá.
Este misterioso y enormemente valioso tesoro de obras de Max BeckmannOtto DixPaul CezanneErnst Ludwig KirchnerÉdouard ManetClaude MonetEdvard MunchPaul Signac, y otros se han estimado en más de $ 1 mil millones. Posteriormente, se descubrieron otras 250 obras en una casa que Gurlitt poseía en Salzburgo, lo que lleva el total de su colección a unos 1.600 objetos.
El caso rápidamente resultó ser tan complejo como impactante, especialmente después de que Gurlitt murió en mayo de 2014, dejando su colección y todos sus problemas de procedencia en manos del Kunstmuseum Bern en Suiza. Desde entonces, algunas de las obras de arte han sido devueltas a los herederos de sus legítimos propietarios. Muchos más se han exhibido públicamente en exposiciones en Berna y Bonn, Alemania, o se han publicado en línea en un esfuerzo por volver sobre sus orígenes, un proceso que seguramente tomará años, si no décadas.

La primera edición de Art Basel en Hong Kong

Mayo 2013

Foto de Jessica Hromas vía Getty Images

Foto de Jessica Hromas vía Getty Images

Hong Kong ha sido un centro comercial mundial durante más de un siglo, pero su estatus como el mercado de arte más destacado de Asia no se selló por completo hasta 2013, cuando se inauguró Art Basel en la antigua colonia británica.
En medio del auge económico de China en la década de 2000, Christie’s y Sotheby’s consolidaron sus ventas de arte asiático en Hong Kong. Siguiendo esta tendencia prometedora, Asian Art Fairs lanzó ArtHK en 2008. La feria se convirtió en la primera plataforma de lanzamiento de galerías internacionales en Asia, con galerías participantes como Gagosian y White Cube . En 2011, MCH Group , propietario de Art Basel, adquirió el 60 por ciento de las ferias de arte asiáticas, transformando a ArtHK en una incorporación asiática a la feria de arte contemporáneo líder en el mundo.
Art Basel mejoró el estatus de Hong Kong como mercado de arte global, actuando como un voto de confianza para galerías occidentales como David Zwirner y Hauser & Wirth , que abrieron puestos de avanzada en la ciudad en 2018. También ha ayudado a introducir a Hong Kong y Asia artistas del mundo del arte global, una oportunidad que podría haber tomado un camino sinuoso para construir sin la presencia de Art Basel en Hong Kong.

La obra de arte más cara de una artista femenina vendida en una subasta

Noviembre 2014

Alfred Stieglitz, Georgia O & # x27; Keeffe, 1930. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Alfred Stieglitz, Georgia O’Keeffe , 1930. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Georgia O'Keeffe, Jimson Weed / White Flower No. 1, 1932. Foto de Edward C. Robison III.  Cortesía del Museo de Arte Americano Crystal Bridges, Bentonville, Arkansas.
Georgia O’Keeffe, Jimson Weed / White Flower No. 1, 1932. Foto de Edward C. Robison III. Cortesía del Museo de Arte Americano Crystal Bridges, Bentonville, Arkansas.
En noviembre de 2014 Georgia O’Keeffe con la pintura Jimson Weed / White Flower No. 1 (1932) se convirtió en la obra de arte más cara de una mujer que se haya vendido. Alice Walton, heredera de la fortuna de Walmart y fundadora del Museo de Arte Americano Crystal Bridges en Bentonville, Arkansas, compró el lienzo en Sotheby’s por $ 44.4 millones. Mindy Besaw, curadora de Crystal Bridges, dijo que la pintura «representa un tema icónico de uno de los artistas estadounidenses modernos más importantes e influyentes». La venta singular fue la apoteosis de una tendencia que ahora barre el mundo del arte: el creciente interés del mercado en el trabajo de artistas femeninas.
Sotheby’s publicó un informe señalando que entre 2012 y 2018, las obras de arte de mujeres han aumentado en valores de subasta en un 72,9 por ciento. Como para confirmar esta tendencia, el registro de la subasta para AbEx la superestrella Lee Krasner se duplicó cuando su lienzo de 1960, The Eye Is the First Circle, se vendió en Sotheby’s por $ 11.7 millones en mayo de 2019. Estas potentes fuerzas del mercado son paralelas a un intento institucional más amplio para finalmente dar a las artistas menospreciadas la atención crítica que merecen.

La controversia de apropiación cultural de Dana Schutz

Marzo de 2017

Foto de Michael Bilsborough.  Cortesía de Parker Bright.
Foto de Michael Bilsborough. Cortesía de Parker Bright.
En la bienal de Whitney de 2017, el pintor Dana Schutz muestra una pintura titulada Open Casket (2016). La obra representaba la infame imagen de 1955 del adolescente afroamericano brutalmente asesinado Emmett Till tendido en su ataúd, interpretado en el estilo pictórico característico de Schutz.
Se produjo un alboroto con gritos que Schutz, que es blanco, no debería pintar y sacar provecho de ese tema. El artista Parker Bright se refirió a la obra de arte como «una injusticia para la comunidad negra» y protestó en frente de la pintura, parada frente a ella con una camisa que decía «ESPECTÁCULO DE MUERTE NEGRA». Hubo llamadas para que se quitara el trabajo e incluso destruido. La pintura permaneció a la vista, aunque el museo finalmente agregó una pancarta junto con una nota del curador, así como una respuesta de Schutz: “No sé lo que es ser negro en Estados Unidos. Pero sí sé lo que es ser madre”, escribió. Schutz cerró su respuesta con la siguiente declaración: «Esta pintura nunca estuvo a la venta y nunca lo estará».
El trabajo provocó un diálogo sobre la apropiación de la experiencia y la imagen; sucedió en el apogeo del movimiento Black Lives Matter y fue visto como una estetización del trauma letal de un grupo.

La demanda de agresión sexual de Artforum

Octubre de 2017

Betty Tompkins, Apologia (Artemisia Gentileschi # 3), 2018. Cortesía de Betty Tompkins y P · P · O · W, Nueva York.
Betty Tompkins, Apologia (Artemisia Gentileschi # 3) , 2018. Cortesía de Betty Tompkins y P · P · O · W, Nueva York.
En octubre de 2017, la curadora Amanda Schmitt presentó una demanda acusando entonces al coeditor de Artforum Knight Landesman de acoso sexual. La acusación contra una de las figuras más poderosas de la industria fue un caso temprano del movimiento #MeToo de Tarana Burke llegando al mundo del arte. Creó un cambio sísmico en la conciencia de los sistemas arraigados que permiten, y protegen, el comportamiento abusivo.
Dos años después, innumerables otros han compartido sus experiencias enterradas de acoso sexual en entornos privados y laborales, incluidos museos, galerías y escuelas. Como sobrevivientes nombrados hombres de alto perfil como Chuck Close  y Subodh Gupta, otros consideraron qué hacer con el arte de un presunto abusador: ¿contextualizar o cancelar?
La demanda de Schmitt fue desestimada por un tribunal del estado de Nueva York en enero, pero en otros lugares, los cambios están en el horizonte. Las instituciones, presionadas para reconocer las estructuras de poder que pueden generar mala conducta, están luchando con formas de proteger a los trabajadores culturales. Para la mayoría, esto requiere no solo crear lugares de trabajo seguros, sino también corregir el desequilibrio racial y de género del personal. Dichos protocolos son pasos para sostener el movimiento. Por ahora, el mensaje sigue siendo claro: el comportamiento depredador descartado por mucho tiempo como norma cultural ya no será tolerado.

La presentación de los retratos de Obama

Febrero 2018

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El retrato acompañante de la Primera Dama Michelle fue mucho más allá de la norma para el retrato presidencial ; crearon una nueva forma de arte populista y llevaron el retrato negro a la vanguardia de una conversación nacional sobre raza y representación.

Las pinturas se presentaron en la National Portrait Gallery en Washington, DC, en febrero de 2018 con gran fanfarria: no solo fue la primera vez que se reveló un retrato de un presidente afroamericano, sino la primera vez que un artista negro fue seleccionado para pintar Un retrato presidencial.
Los retratos se convirtieron en un fenómeno cultural, pero su influencia también se extendió al mundo del arte; señalaron un renovado interés cultural en los artistas negros, que se ha manifestado en más exposiciones individuales de museos y galerías para artistas negros. Aunque a los artistas les gusta Jean-Michel Basquiat y Tschabalala Self  han vendido obras sin precedentes en una subasta, las obras de artistas negros todavía tienden a estar muy infravaloradas en el mercado, lo que muestra hasta dónde tiene que llegar el mundo del arte para corregir los sesgos históricos.

El primer museo en rechazar una donación de los Sacklers.

Marzo 2019

La Galería Nacional de Retratos, Londres.  Imagen vía Wikimedia Commons.
La Galería Nacional de Retratos, Londres. Imagen vía Wikimedia Commons.
Cuando la National Portrait Gallery (NPG) de Londres se convirtió en la primera institución de arte importante en rechazar la financiación de la familia Sackler en marzo de 2019, la decisión provocó un efecto dominó en todo el mundo. La Tate , Guggenheim y el Museo Metropolitano de Arte siguieron su ejemplo, y la notoriedad de la familia Sackler por aprovecharse de la epidemia de opioides eclipsó su reputación de benefactores culturales.
La decisión del NPG provocó un debate internacional en curso. Los visitantes del museo, el personal, los artistas y los curadores recurrieron a instituciones veneradas con un escrutinio intensivo, cuestionando las implicaciones éticas de la riqueza que alimenta el mundo del arte. En julio de 2019, las críticas llegaron a un punto de ruptura cuando el vicepresidente del Museo Whitney , Warren Kanders, renunció bajo una intensa presión después de las revelaciones de que su compañía, Safariland, fabricaba gases lacrimógenos utilizados contra los migrantes en la frontera entre Estados Unidos y México. Pero la réplica está lejos de terminar.
A medida que el mundo del arte lidia con instituciones basadas en la «filantropía tóxica», un modelo de financiamiento alternativo permanece oculto. El tiempo dirá qué tan lejos y qué tan profundo irá el cálculo, pero podría alterar el mundo del arte tal como lo conocemos.

El artista vivo más caro es Jeff Koons (nuevamente)

Mayo 2019

Foto de Yui Mok / PA Images a través de Getty Images.
Foto de Yui Mok / PA Images a través de Getty Images.
En mayo de este año, Jeff Koons recuperó el título del artista vivo más caro cuando su icónica escultura Rabbit (1986) se vendió por $ 91 millones en una subasta de Christie’s en Nueva York.
Ese resultado lo puso justo por delante de David Hockney , cuyo Retrato de un artista (Pool with Two Figures) (1972) se vendió por $ 90.3 millones unos meses antes. También eclipsó el récord de subasta de Koons de $ 58.4 millones, establecido en noviembre de 2013 por su imponente escultura de acero inoxidable Balloon Dog (Orange) (1994–2000), que lo convirtió en el artista vivo más caro hasta que apareció el retrato junto a la piscina de Hockney.
El resultado confirmó el hambre duradera de los coleccionistas por el trabajo de Koons, pero también mostró que, en medio de los temores de una recesión económica inminente, los compradores aparecerán y ofertarán en grande por obras de arte ampliamente consideradas como obras maestras. «Puedes pensar en Koons como quieras», dijo el corredor de poder de Christie, Alex Rotter, después de la histórica venta. «Este fue su mejor trabajo».

Imagen de encabezado: Foto de la protesta PAIN (Prescription Addiction Intervention Now) en el Louvre el 1 de julio de 2019 por Stephane de Sakutin / AFP a través de Getty Images. Todas las otras fotos acreditadas en el cuerpo del artículo.

«The Gross Clinic» de Thomas Eakins puede ser la pintura estadounidense más importante

En 1875, Thomas Eakins decidió pintar un cuadro que glorificara a su ciudad natal de Filadelfia. La primera Feria Mundial que se celebrará en los Estados Unidos, la Exposición Internacional del Centenario, se inaugurará en la ciudad al año siguiente. A través de su pintura, Eakins esperaba honrar los avances científicos que salían del Jefferson Medical College local. El artista observó los procedimientos en vivo del famoso cirujano Dr. Samuel Gross, luego los tradujo a un lienzo a gran escala que tituló Dr. Gross (1875) (ahora conocido como The Gross Clinic ). La obra se ha convertido quizás en la pintura más importante en la historia del arte estadounidense.
La ambiciosa pintura de Eakins trajo Renacimiento -era virtuosismo a mediados del siglo XIX en los Estados Unidos, ya que el arte estadounidense todavía luchaba por encontrar su lugar en el escenario mundial. La clínica bruta, que aún hoy cuelga en Filadelfia, es un triunfo de la composición, la luz y la sombra. La imagen sigue siendo asombrosamente espeluznante: el lienzo destaca al Dr. Gross mientras opera en un muslo expuesto con la ayuda de cinco asistentes sentados. La sangre cubre sus manos, escalpelos y la incisión profunda a medio camino de la rodilla del paciente oculto. Una espectadora se protege el rostro, mientras los estudiantes del anfiteatro circundante observan con calma y toman notas. La pintura revela y oculta su tema, funciona como un registro brutal y un homenaje a la ciencia. Estas contradicciones hacen que la pintura sea una hazaña virtuosa, que continúa obligando y asustando a los espectadores casi 150 años después de su realización.
Cuando Eakins comenzó a trabajar en The Gross Clinic , ya era un pintor consumado. Se graduó de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en 1866 y continuó su educación artística en París, estudiando con los pintores Jean-Léon Gérôme y Léon Bonnat. Vivir en Europa le dio a Eakins acceso a museos llenos de trabajos de Viejos maestro

Al visitar España, el artista quedó cautivado por los lienzos de Diego Velázquez  y Jusepe de Ribera

The Champion Single Scull (Max Schmitt en un solo cráneo)
Thomas Eakins, The Champion Single Scull (Max Schmitt en un solo cráneo) , 1871
El Museo Metropolitano de Arte
De vuelta a casa en Filadelfia, Eakins hizo retratos de su familia y una serie de scullers, navegantes competitivos que remaban con dos remos. En The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull) (1871), Eakins se pintó en la composición como un sculler en un bote detrás de Max Schmitt.
Con The Gross Clinic , Eakins creía acertadamente que estaba llevando su pintura al siguiente nivel. Asistió a numerosas conferencias en la clínica del Dr. Gross y reunió magistralmente su composición a partir de bocetos del quirófano. Es posible que también haya hecho referencia a fotografías del Dr. Gross (no todos los trabajos preparatorios para el lienzo fueron documentados o conservados). El resultado «tuvo el efecto de la realidad, pero en realidad fue completamente artificial», dice Kathleen Foster, curadora principal y directora del Centro de Arte Americano del Museo de Arte de Filadelfia.
Foster observa cuán innovador fue el tema de Eakins. El artista representó al Dr. Gross realizando una forma de cirugía que inventó, que extrajo el hueso enfermo de una herida mediante incisiones hábiles. La anestesia en sí misma solo existía desde 1846, lo que permitió a los médicos realizar cirugías más largas y laboriosas. El establecimiento médico había amputado previamente extremidades en este tipo de situaciones. A través de su escena grupal, el artista capturó el valor científico en el trabajo en equipo y la unidad. Según Foster, Eakins capturó un momento «tan emblemático del poder del progreso en la medicina estadounidense».
La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp
Rembrandt van Rijn, La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp , 1632 Mauritshuis, La Haya
El biógrafo de Eakins, Sidney Kirkpatrick, llega a afirmar que «ningún artista desde el Renacimiento había superado tales desafíos en la disposición de las figuras y la acción o había compuesto una obra de tal alcance intelectual y metafísico».
Desafortunadamente para Eakins, el comité del Centenario rechazó la pintura de las principales salas de exhibición, quizás porque era demasiado sangrienta. Sin embargo, antes de que se abriera la feria, el artista arregló mostrar el trabajo en Haseltine Galleries, donde encontró un campeón en el crítico de arte Daily Evening Telegraph William Clark. «Este retrato del Dr. Gross es un gran trabajo, no sabemos nada más grande que nunca se haya ejecutado en Estados Unidos», escribió . Gracias en parte a la revisión, el comité de selección acordó colgar The Gross Clinic en un local auxiliar: el Hospital del Ejército de los EE. UU. Creían que aquí, en un contexto médico, la imagen sangrienta no ofendería a nadie. La pintura encontró un hogar permanente con el Jefferson Medical College en 1878., después de que la escuela pagó $ 200 por el trabajo.
Cuando la pintura viajó a la ciudad de Nueva York en 1879, los críticos no fueron más solidarios. El New York Times acusó a Eakins de no reconocer «dónde detenerse» y cuáles son los límites «entre la belleza del desnudo y la indecencia del desnudo». La cautela de la época victoriana funcionó contra Eakins. Sin embargo, al final de su vida, había logrado la aclamación como un importante artista estadounidense. Fue invitado a participar en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, y la Academia Nacional lo nombró asociado en 1902, un prestigioso premio en ese momento. Eakins murió en 1916.
Thomas Eakins, The Agnew Clinic, 1889. Imagen vía Wikimedia Commons.
Thomas Eakins, The Agnew Clinic , 1889. Imagen vía Wikimedia Commons.
La Clínica Gross ha disfrutado de una vida futura emocionante. La pintura permaneció en Thomas Jefferson Medical College hasta 2006, cuando la institución intentó venderla por $ 68 millones a la Galería Nacional de Arte y a la coleccionista Alice Walton. En 2008, la ciudad de Filadelfia y los museos locales recaudaron fondos equivalentes para mantener la pintura local. Ahora reside en las colecciones del Museo de Arte de Filadelfia y la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, intercambiando locales cada tres años.
Los académicos han encontrado infinitas posibilidades de interpretación en el lienzo único. El artículo de 1985 de Michael Fried «Realismo, escritura y desfiguración en la Clínica Gross de Thomas Eakins, con una posdata sobre las caras al revés de Stephen Crane» propone el lienzo como un comentario sobre el acto de pintar, sugiriendo que en el trabajo, la sangre y la pintura son » señales entre sí, equivalentes naturales cuya relación especial está aquí puesta en primer plano con una viveza sin precedentes ”. The Gross Clinic, en la lectura freudiana de Fried, aborda la ansiedad de castración y la relación de Eakins con su propio padre a través de la representación del Dr. Gross. En 1999, la académica Jennifer Doyle publicó «Sex, Scandal, and The Gross Clinic de Thomas Eakins», que considera la propia sexualidad de Eakins y el «cuerpo sin género en el corazón de una afirmación de realismo pictórico».
Foster llega a decir que «para temas de realismo, ciencia y sexualidad, ninguna pintura ha sido más versátil y estimulante como un espejo de preocupaciones». Es una descripción adecuada para un lienzo que en última instancia trata de un grupo de personas. sondeando la misma herida.
Alina Cohen es escritora de personal en Artsy.

Imágenes de DA Rovinskii de Lubki, ruso (siglos XVIII-XIX)

https://publicdomainreview.org/collection/d-a-rovinskiis-collection-of-russian-lubki-18th%E2%80%9319th-century

Los orígenes de los grabados rusos llamados lubki (lubok singular) parecen remontarse a los años 1500, cuando el arte de la impresión en bloque se introdujo en Rusia desde Asia oriental, aproximadamente al mismo tiempo que los comerciantes hanseáticos alemanes trajeron los primeros libros impresos a Moscú. Como comenta Adela Roatcap :

La Biblia Pauperum, el Ars Morendi, la Biblia Piscator, la Biblia Wittenberg de 1514 o la Crónica de Nuremberg, y grabados de Lucas Cranach, Albert Dürer y otros artistas de Europa occidental, sirvieron de inspiración para los primeros lubki.

Los lubki sobrevivientes más antiguos, según Roatcap, fueron impresos en Kiev (actual Ucrania) en 1625 y representaban figuras y escenas religiosas ortodoxas. De hecho, muchos estudiosos piensan que lubki ganó popularidad como un sustituto barato de los íconos religiosos y fue utilizado por personas de las clases bajas y medias para decorar las paredes de las casas y las tabernas.
Los lubki presentados aquí son de la colección de Dimitrii Aleksandrovich Rovinskii, un jurista de alto rango en el Moscú del siglo XIX, que dedicó su tiempo libre a su mayor pasión, el arte popular ruso. En 1881 publicó la primera entrega de sus Imágenes Folclóricas Rusas de doce volúmenes , mostrando reproducciones de su colección junto con comentarios, un libro que ahora ha sido digitalizado y puesto a disposición en línea por la Biblioteca Pública de Nueva York. En el libro, como era de esperar, no se encuentran pocos temas religiosos.
«Kartiny iz Biblii i Apokalipsisa, raboty mastera Korenia» [Pintura de la Biblia y el Apocalipsis, por Master Root]
Pero también hay muchos temas seculares. Probablemente dos de los más famosos de estos estampados seculares son de gatos. El primero es el lubok de 1760 titulado The Mice Are Burying the Cat, una escena carnavalesca que se burla de los emperadores y emperatrices de Rusia. El subtítulo sobre el gato dice: «El gato de Kazán, la mente de Astrakhan, la sabiduría de Siberia» (parodiando el elaborado título del líder ruso).
«Myshi kota pogrebaiut (graviura na dereve)» [Los ratones están enterrando al gato] 

El segundo se titula simplemente Gato (o El gato de Kazán) y a veces se le atribuye al artista Vasili Loren (ver la impresión principal más arriba). Aquí, nuevamente, el tema es aparentemente uno de los líderes de Rusia: Pedro el Grande, quien, después de un viaje a la corte afeitada de Luis XIV, emitió un edicto que obliga a los rusos a cortarse la barba o pagar un impuesto anual. El subtítulo sobre la cabeza de la criatura dice : «El gato de Kazán, a la manera de Astrakhan, en razón de Siberia, vive gloriosamente, se las arregla agradablemente y se tira pedos dulcemente».

El «espíritu del humor popular medieval», en palabras de la erudita Dianne Ecklund Farrell, impregna a estos coloridos precursores de las historietas. Una fascinación por los animales, los monstruos y las figuras humanas caricaturescas es evidente en todas partes. Si bien los lectores no rusos no siempre sabemos exactamente lo que está sucediendo en las impresiones, de todos modos estamos impresionados y encantados.

Yggdrasil: el sagrado fresno de la mitología nórdica

https://publicdomainreview.org/collection/yggdrasil-the-sacred-ash-tree-of-norse-mythology

Con sus ramas en los cielos y sus raíces en el inframundo, el Árbol Cósmico es una característica común de las religiones y mitologías en todo el mundo. Se han registrado historias de tales árboles en América, Asia, India, África, Medio Oriente y Europa, y aunque las especies y los detalles pueden variar de un lugar a otro, una cosa casi siempre es cierta: el Árbol Cósmico es fundamental para La estructura del universo.

El sagrado nórdico Yggdrasil, dice EO James en su clásico estudio arqueológico El árbol de la vida (1966), es quizás «el árbol cósmico por excelencia». Un fresno gigante descrito tanto en la Edda poética como en la Edda en prosa del siglo XIII de Snorri Sturluson, Yggdrasil se encuentra en el centro absoluto del cosmos nórdico. Sus raíces lo conectan con los Nueve Mundos, y es atendido por las tres Norns Urðr, Verðandi y Skuld (poderosas figuras femeninas que corresponden aproximadamente a los tres Destinos de Grecia), que lo riegan del pozo mágico de Urðr.
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«Norns», de Die Helden und Götter des Nordens, oder das Buch der Sagen (1832)
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Alois Delug’s The Norns , Óleo sobre lienzo (1895) – Fuente .
Probablemente la historia más famosa asociada con Yggdrasil concierne a Odin, quien para obtener la sabiduría de las runas y el favor de las Norns colgó boca abajo «nueve largas noches, / herido con una lanza […] / en ese árbol del cual no el hombre sabe dónde corren sus raíces
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Odin se sacrifica colgándose del árbol mundial Yggdrasil (que está habitado por varias criaturas), como lo atestigua en Hávamál . Ilustración de Den ældre Eddas Gudesange de Karl Gjellerup (1895)
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Ilustración de Franz Stassen de Odin Hanging on Yggdrasil, en The Edda (1920) de Hans von Wolzogen
En la cosmología nórdica, no hay una entidad más importante que Yggdrasil. Cuando muere, nos dicen los mitos, todo el mundo de los dioses muere con él. Casi todos los textos nórdicos que mencionan a Yggdrasil enfatizan que el árbol no solo es sagrado, es mortal y necesita urgentemente compasión y protección. Odin, en la Edda Poética, dice que Yggdrasil «sufre agonía / más de lo que los hombres saben, un ciervo lo mordisquea arriba, pero a su lado está decayendo, y Níðhöggr [una serpiente o dragón malicioso] lo rasga debajo». En otras partes de Eddas, se nos dice que innumerables serpientes peligrosas se deslizan debajo de Yggdrasil; una ardilla corre constantemente arriba y abajo de su tronco, trayendo noticias; y Gullinkambi, uno de los tres gallos cuyo canto indicará a Ragnarök (el Crepúsculo de los Dioses), anida en el dosel superior de Yggdrasil como un centinela.
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Imagen de Yggdrasil en el manuscrito islandés del siglo XVII AM 738, alojado en el Instituto Árni Magnússon en Islandia. La serpiente Níðhöggr es visible debajo del tronco de Yggdrasil y el gallo Gullinkambi hacia su parte superior.

Los profundos orígenes de Yggdrasil son misteriosos. La erudita inglesa Hilda Ellis Davidson ha sugerido plausiblemente que su mitología se desarrolló a partir de antiguas tradiciones chamánicas del norte de Eurasia, según la cual se creía que un árbol que se elevaba por el centro del mundo actuaba como una especie de escalera para descender al inframundo o ascender al cielo . Tal concepto es familiar en muchas culturas, desde el húngaro égig érő fa (árbol en topless), hasta la higuera sagrada india védica llamada ashvattha (que Krishna, en los Upanishads, dice que no tiene principio ni fin), hasta su descendiente budista , el Bodhi, bajo el cual Gautama alcanzó la iluminación.

Ciertamente, la tradición de los árboles sagrados ha encontrado un papel duradero en la cultura escandinava. Los árboles Warden, conocidos como tuntre en noruego y vårdträd en sueco, todavía se plantan en el lugar central de muchas granjas en la actualidad. Se cree que estos árboles, si se cuidan bien, traen buena suerte a la granja y a las personas que viven allí. Es una creencia no muy alejada de la tradición antigua, que sostenía que la corte de los dioses estaba «guardada debajo de una gran ceniza y fue allí donde impusieron justicia».