Sol LeWitt sobre cómo ser un artista

Sol LeWitt dwarfed by his Wall Drawing No. 993, at the Margo Leavin Gallery, Los Angeles. Photo by Gina Ferazzi/Los Angeles Times via Getty Images.

Sol LeWitt empequeñecido por su Dibujo de Pared No. 993, en la Galería Margo Leavin, Los Angeles. Foto por Gina Ferazzi/Los Angeles Times via Getty Images.
Me gusta imaginar a Sol LeWitt  durante sus turnos de recepcionista nocturno en el Museo de Arte Moderno a principios de la década de 1960. Aunque decididamente poco glamoroso, el hecho facilitó sus amistades con otros artistas jóvenes como Dan Flavin, Robert Mangold, Robert Ryman, y con la futura crítica de arte Lucy Lippard. Durante este tiempo, comenzó a desarrollar un nuevo marco para hacer arte que enfatizaba el concepto sobre la ejecución. “A finales de los años 50, el Expresionismo abstracto había pasado, se inició el Arte pop que  estaba más involucrado con los objetos”, recordó LeWitt en 1993. “No estaba tan interesado en los objetos. Me interesaban las ideas”. Su objetivo era “recrear el arte, empezar desde la primera vez”, dijo.
En 1967, LeWitt había grabado conclusiones en un texto llamado “Párrafos sobre el arte conceptual”, publicado por primera vez en Artforum. Allí, explicó los principios básicos de la obra mínima basada en el pensamiento que él y su grupo artístico habían comenzado a hacer. Una línea se lee como una poderosa tesis: “La idea se convierte en una máquina que hace el arte”.
Hoy en día, LeWitt es reconocido como un fundador de ambos, Arte Conceptual y Minimalista. Es más conocido por sus obras compuestas por instrucciones sueltas para murales. Están destinados a ser ejecutados por cualquier persona con sus derechos de autor, por lo tanto, desencabezando su mano en favor de sus ideas. LeWitt falleció en 2007, dejando atrás extensos escritos, entrevistas y cartas que describen sus extensos procesos de pensamiento que empujan los límites. Incluyen “Párrafos sobre el arte conceptual” (1967), “Sentences on Conceptual Art” (1968), y una carta particularmente de aliento de LeWitt para Eva Hesse, enviada en 1965. De estos textos, hemos recogido varias palabras provocativas de consejo del gran conceptualista.

Lección #1: Priorice las ideas sobre la ejecución: le liberará para explorar nuevas direcciones

Serial Project, 1 (ABCD)
Sol LeWitt, Serial Project, 1 (ABCD), 1966. “Los Angeles to New York: The Dwan Gallery, 1959-1971” en national gallery of Art, Washington, D.C.
“Las ideas pueden ser obras de arte; están en una cadena de desarrollo que eventualmente puede encontrar alguna forma”, escribió LeWitt en “Sentences on Conceptual Art”, una lista de 35 principios publicados originalmente en la revista de arte experimental y literatura 0 a 9. Este concepto fue fundamental para las teorías en evolución de LeWitt sobre el arte conceptual, que creía que liberaba a los artistas para explorar nuevos caminos creativos. Este modo basado en ideas, pensó, aleó las presiones de confinamiento de la perfección física y estética incrustada en las tradiciones de la pintura y la escultura. “No es necesario que todas las ideas se hagan físicas”, continuó. “Para cada obra de arte que se vuelve física hay muchas variaciones que no lo hacen.”
Además, enfatizó que los conceptos sencillos a menudo inspiraban el trabajo más fuerte. “Las ideas no tienen por qué ser complejas. La mayoría de las ideas que tienen éxito son ridículamente simples”, declaró en “Párrafos sobre el arte conceptual”. “Las ideas exitosas generalmente tienen la apariencia de simplicidad porque parecen inevitables. En términos de ideas, el artista es libre incluso de sorprenderse a sí mismo. Las ideas son descubiertas por intuición.”
Untitled
Sol LeWitt. Untitled1966. Rhona Hoffman Gallery
3D Cube
Sol LeWitt. 3D Cube1993. Fromkin Fine Art
A finales de la década de 1960, LeWitt presentó una serie innovadora de esculturas que iteraban simplemente en forma de cubo. Serial Project, I (ABCD) (1966), por ejemplo, cuenta con esqueletos de cubos blancos en varios tamaños, colocados en una cuadrícula en el suelo. En un texto que LeWitt escribió para acompañar la pieza, enfatizó la naturaleza directa de la obra: “El artista en serie no intenta producir un objeto hermoso o misterioso, sino que funciona simplemente como un empleado que cataloga los resultados de su premisa”.
El crítico Peter Schjeldahl reconoció el uso innovador de la moderación estética de LeWitt como un medio para resaltar los sólidos fundamentos conceptuales de su trabajo. En una reseña del New York Times de una exposición de 1968 en Dwan Gallery, Schjeldahl escribió: “Lo que [LeWitt] está ofreciendo con este espectáculo es una especie de espécimen del proceso creativo, convirtiendo el arte, por así decirlo, adentro hacia afuera para nuestro escrutinio”.
Al final de “Sentences on Conceptual Art”, LeWitt extendió esta idea, advirtiendo a los artistas de depender demasiado de la estética. “Las ideas banales no pueden ser rescatadas por una hermosa ejecución”, explicó. Por otro lado, “es difícil hacer una buena idea”.

Lección #2: La lógica puede atrofiar la creatividad, intenta ignorarla

Wall Drawings #853
Sol LeWitt. Dibujos depared #853, 1998. MASS MoCA
LeWitt estableció un poderoso binario hacia la apertura de “Sentences”. “Los juicios racionales repiten juicios racionales”, explicó, mientras que “los juicios irracionales conducen a una nueva experiencia”. Tanto los textos y obras de Arte de LeWitt abogaban por evitar la lógica e introducir la irracionalidad como medio para fomentar la evolución artística.
“La lógica de una pieza o serie de piezas es un dispositivo que se utiliza a veces, sólo para ser arruinado”, continuó en “Párrafos sobre el arte conceptual”. De hecho, rutinariamente desarrollaba patrones para su arte, como repetir círculos y líneas, que explotaban en infinita variación a medida que otras personas interpretaban sus esquemas.
Wall Drawing #391
Sol LeWitt. #391 de Dibujode Pared, 1983. MASS MoCA
Wall Drawing #610
Sol LeWitt. Dibujo de pared #6101989. MASS MoCA
Las instrucciones para los icónicos dibujos de pared de LeWitt dejan mucho espacio para la interpretación y la irracionalidad: “Colocar cincuenta puntos al azar”, se lee en dibujo de pared #118 (1971). Los puntos deben distribuirse uniformemente sobre el área de la pared. Todos los puntos deben estar conectados por líneas rectas.” Esta directiva podría adoptar —y ha tomado— muchas formas diferentes. “No dictó”, recordó Gary Garrels, el curador que organizó la retrospectiva de LeWitt de 2000 en el Museo de Arte Moderno de San Francisco. “Aceptó la contradicción y la paradoja, la inconclusividad de la lógica.”
En “Sentences”, LeWitt reconoció la naturaleza generativa de estas variaciones. “Hay muchos efectos secundarios que el artista no puede imaginar”, escribió sobre este proceso. “Estos pueden ser utilizados como ideas para nuevas obras.”

Lección #3: Diviértete con tu práctica

Brushstrokes

Sol LeWitt. Pinceladas1996. Galería Paula Cooper
Algunas de las palabras de consejo más animadas de LeWitt llegan en una carta de 1965 a su amiga y compañera artista Eva Hesse. Respondiendo a las dudas de Hesse sobre el mérito de su trabajo, la animó a dejar de buen la tencionado de las expectativas impuestas por los demás y su propio ego y simplemente “DO”.
Basándose en su interés por la irracionalidad, LeWitt animó a Hesse a soltare e incorporar el absurdo en su práctica, que fusionó el minimalismo con referencias a la mortalidad y al cuerpo femenino. “Haz más. Más absurdo, más loco, más máquinas, más pechos, penes, putas, lo que sea, haz que abunden con tonterías”, escribió. “Trata de hacer cosquillas dentro de ti, tu ‘humor raro’. Perteneces a la parte más secreta de ti. No te preocupes por cool, haz que tu propio no sea genial. Haz tu propio, tu propio mundo.”
LeWitt incluso sugirió que Hesse intentara hacer “algo de trabajo BAD, lo peor que se te ocurra y vealo”. Pero principalmente, él propuso que ella “se relaje y deje que todo se vaya al infierno, usted no es responsable del mundo, usted sólo es responsable de su trabajo, así que hágalo”. Aquí, el objetivo principal de LeWitt parece ser reducir la presión que Hesse siente para tener éxito en el contexto del establecimiento de arte de la década de 1960. “No creas que tu trabajo tiene que ajustarse a ninguna forma, idea o sabor preconcebido. Puede ser cualquier cosa que quieras que sea”, continuó.
LeWitt también abogó por un proceso que, para el oído contemporáneo, recuerda la meditación: limpiar y calmar la mente, con el fin de acceder a nuevas ideas. “Cuando trabajas o antes de tu trabajo tienes que vaciar tu mente y concentrarte en lo que estás haciendo. Después de hacer algo se hace y eso es todo”, dijo. “Después de un tiempo puedes ver que algunos son mejores que otros, pero también puedes ver en qué dirección vas”.

Lección #4: No hay final, solo evolución

Complex Form
Sol LeWitt. Formulario Complejo1987. Phillips
Cube
Sol LeWitt. Cubo1989. Galería Witkin de Cracovia
LeWitt no vio su trabajo (o el de nadie, para el caso) como avanzar hacia un objetivo o fin en particular. Más bien, pensó en la creación de arte como un proceso eterno de construir, reinventar y crecer. Cada pensamiento o experimento condujo a otro, fomentando la innovación. En la década de 1980, LeWitt sorprendió a sus seguidores introduciendo lavados de tinta, color y líneas ondulantes a sus trabajos geométricos, en escala de grises. Cuando se le preguntó por qué su trabajo se desarrolló de esta manera, simplemente respondió:“¿Por qué no?”
LeWitt añadió entonces una frase que parece resumir su vida, sus obras y las lecciones que tan libremente ofreció a otros artistas: “Una vida en el arte es una experiencia inimaginable e impredecible”.
Alexxa Gotthardt es una escritora colaboradora de Arts