Por qué el modernismo mexicano es tan relevante en este momento

María Izquierdo, Mis sobrinas , 1940. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / SOMAAP, Ciudad de México. Reproducción autorizada por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, 2019. Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Alina Cohen
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Alfredo Ramos Martínez, Mancacoyota, 1930. © Proyecto de investigación Alfredo Ramos Martínez.  Cortesía del Museo de Arte de Dallas.
Alfredo Ramos Martínez, Mancacoyota , 1930. © Proyecto de investigación Alfredo Ramos Martínez. Cortesía del Museo de Arte de Dallas.

Pintura figurativa

“Vida Americana” es parte de un grupo creciente de exhibiciones importantes que exploran la influencia de México en el modernismo internacional. En conjunto, estos programas argumentan que el intercambio cultural de México con Estados Unidos y Europa cambió radicalmente la relación entre artistas y política, reconsideró el papel de la artesanía en las bellas artes y dio a luz al Expresionismo abstracto

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Alfredo Ramos Martínez, Flores Mexicanas, 1914-1929.  © El Proyecto de Investigación Alfredo Ramos Martínez.  Cortesía del Museo de Arte de Dallas.

Otras instituciones que exploran este período de la historia del arte incluyen el Museo de Arte de Dallas , que acaba de abrir “Flores Mexicanas”, un espectáculo sobre representaciones de mujeres en el arte mexicano; el Art Institute of Chicago , que centró su reciente presentación “En una nube, en una pared, en una silla” sobre seis artistas femeninas que vivieron y trabajaron en México entre 1940 y 1970; la Galería Nacional de Australia , que organizará una próxima exposición sobre el impacto de la Revolución Mexicana en la cultura internacional; y SFMOMA , que, en octubre, abrirá la exposición más completa de Diego Rivera

El trabajo en dos décadas. Di Donna Galleries también examinó recientemente trabajos que europeos Surrealistas realizado en el exilio en México después de la Segunda Guerra Mundial; Además, un espectáculo itinerante organizado por el Museo Frist, “Frida Kahlo, Diego Rivera y Modernismo mexicano de la Colección Jacques y Natasha Gelman “, que acaba de abrir en el Museo Nacional de Bellas Artes de Quebec.

La curadora de Whitney, Barbara Haskell, quien inicialmente concibió “Vida Americana” hace 14 años, espera que su espectáculo contribuya a una “refundición de la historia del arte” en curso. “Siempre se ha dado crédito a los franceses como las únicas personas a las que los artistas estadounidenses estaban mirando”, dijo, señalando a los principales modernistas estadounidenses como Stuart Davis, Hombre rayo y Charles Sheeler, quienes se inspiraron en la vanguardia europea. “En este período de 20 años, fueron realmente los mexicanos quienes fueron la mayor influencia”, dijo Haskell.
Alfredo Ramos Martínez, Vendedora de Alcatraces, 1929. © Proyecto de investigación Alfredo Ramos Martínez.  Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Alfredo Ramos Martínez, Vendedora de Alcatraces , 1929. © Proyecto de investigación Alfredo Ramos Martínez. Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Harold Lehman, The Driller (mural, Rikers Island, Nueva York), 1937. © Estate of Harold Lehman.  Imagen © Smithsonian American Art Museum, Washington, DC / Art Resource, NY.  Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Harold Lehman, The Driller (mural, Rikers Island, Nueva York) , 1937. © Estate of Harold Lehman. Imagen © Smithsonian American Art Museum, Washington, DC / Art Resource, NY. Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Galería por galería, en “Vida Americana”, Haskell entrelaza conexiones transfronterizas que dieron forma a la creación artística a principios del siglo XX. En la década de 1930, “Los Tres Grandes”, los principales muralistas mexicanos Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros —Fueron aclamados en todo Estados Unidos por sus obras públicas a gran escala. Aunque los tres hombres sostuvieron (y se defendieron) diferentes opiniones políticas izquierdistas, sus murales mitologizaron y abrazaron de manera similar la historia de México, sus poblaciones indígenas y sus trabajadores.
El gobierno de los Estados Unidos estaba ansioso por apoyar una forma de arte que fuera igualmente pública, colaborativa y nacionalista. Con pinchazos del artista George Biddle, el presidente Franklin Delano Roosevelt lanzó dos importantes programas de arte público en los Estados Unidos: el Proyecto de Obras Públicas (PWAP) de corta duración, seguido por el Proyecto de Arte Federal de la WPA. En el catálogo de la exposición, Haskell escribe que Roosevelt esperaba reunir “una sociedad fracturada en torno a un conjunto de ideas sociales”, ya que “había asumido el cargo prometiendo estabilizar una nación cuya fe en los ideales fundamentales de Estados Unidos había sido destruida por la Depresión”.
Jackson Pollock, Paisaje con Steer, 1936–37.  © 2019 The Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.  Imagen © The Museum of Modern Art / Con licencia de SCALA / Art Resource, NY.  Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Jackson Pollock, Paisaje con Steer , 1936–37. © 2019 The Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Imagen © The Museum of Modern Art / Con licencia de SCALA / Art Resource, NY. Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Siquieros, Orozco y Rivera viajaron por los Estados Unidos para hacer arte, impartir cursos y asistir a conferencias. Gracias a la WPA, se conectaron con artistas como Philip Guston  y Jackson Pollock, que entonces trabajaban en modo figurativo. El espectador puede imaginar fácilmente cómo el innovador estilo de pintura salpicado “completo” de Pollock, que solidificó a fines de la década de 1940, podría haber evolucionado a partir de murales públicos masivos y expresionistas. Charles White, otro pintor contratado por la WPA, junto con el artista Elizabeth Catlett viajó a México en la década de 1940 y conoció a Los Tres Grandes; Siquieros les ofreció un lugar para quedarse. Los muralistas apelaron a los artistas afroamericanos, dijo Haskell, porque consideraron a las poblaciones indígenas como “la base de la identidad nacional”. Del mismo modo marginados en los EE. UU., Artistas como Catlett y White se sintieron cómodos celebrando sus propias identidades en su trabajo. Para exponer su caso, Haskell cuidadosamente yuxtapone obras figurativas de todos estos artistas, sugiriendo conexiones y referencias estéticas.
Diego Rivera, Hombre, Controlador del Universo, 1934. © 2020 Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, México, DF / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.  Reproducción autorizada por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, 2020. Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Diego Rivera, Hombre, Controlador del Universo , 1934. © 2020 Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, México, DF / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Reproducción autorizada por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, 2020. Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Haskell describió que abrir las cajas de trabajo en préstamo de colecciones privadas e instituciones mexicanas fue “emocionante”. Algunas de las piezas salieron de México por primera vez, y algunas nunca volverán a viajar. Uno de esos trabajos es la asombrosa energía eléctrica de Rivera (1931–32). El fresco, que raya en el surrealismo, presenta trabajadores sin rostro dentro de una máquina ambigua. Una ciudad se alza en el fondo, a través de un cuerpo de agua verde azulado. Está prestado por los coleccionistas mexicanos Vicky y Marcos Micha Levy. Según Haskell, la Sra. Levy lloró cuando se separó del trabajo.
Dada la potencia de estas obras de arte y las interconexiones entre los artistas estadounidenses y los artistas mexicanos, ¿por qué este capítulo no está mejor representado en la historia del arte? Haskell ofrece cuatro razones clave: cansados ​​de la Depresión y la Segunda Guerra Mundial, los estadounidenses buscaron arte que fuera más un escape que un recordatorio de las dificultades; los mensajes nacionalistas incrustados en el muralismo no fueron particularmente atractivos después del final de la guerra; La era McCarthy, el fervor anticomunista convirtió el tabú de los mensajes socialistas en la década de 1950; y el surgimiento del expresionismo abstracto hizo que el trabajo figurativo pareciera retrógrado. Irónicamente, el arte en “Vida Americana” ha tardado décadas en verse fresco, desafiante y vívido nuevamente.
Frida Kahlo, Yo y mis loros, 1941. © 2020 Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, México, DF / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.  Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Frida Kahlo, Yo y mis loros , 1941. © 2020 Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, México, DF / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Diego Rivera, Festival de las Flores: Fiesta de Santa Anita, 1931. © 2020 Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, México, DF / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.  Imagen © The Museum of Modern Art / Con licencia de SCALA / Art Resource, Nueva York.  Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Diego Rivera, Festival de las Flores: Fiesta de Santa Anita , 1931. © 2020 Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, México, DF / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Imagen © The Museum of Modern Art / Con licencia de SCALA / Art Resource, Nueva York. Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.
Parte de eso es un buen momento. “El modernismo mexicano es un tema tan crucial en este momento”, dijo Mark Castro, curador de arte latinoamericano en el Museo de Arte de Dallas. Otra razón por la que vemos tanto modernismo mexicano en los museos estadounidenses, cree Castro, es que “gran parte de la conciencia colectiva contemporánea se centra en la frontera”. Las exhibiciones de Rivera, Kahlo y su cohorte evocan una época en que la cultura cruzó la frontera con mayor facilidad; A medida que las relaciones mexicano-estadounidenses se vuelven cada vez más tensas, es un buen momento para reevaluar la riqueza del intercambio cultural.
Anni Albers, Estudio para Camino Real, 1967. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York 2019. Foto de Tim Nighswander / Imaging4Art.  Cortesía de The Art Institute of Chicago.
Anni Albers, Estudio para Camino Real , 1967. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York 2019. Foto de Tim Nighswander / Imaging4Art. Cortesía de The Art Institute of Chicago.
Cynthia Sargent, Bartok, diseñado 1955/60, produjo ca.  1967. Foto © The Art Institute of Chicago.  Cortesía de The Art Institute of Chicago.
Cynthia Sargent, Bartok, diseñado 1955/60, produjo ca. 1967. Foto © The Art Institute of Chicago. Cortesía de The Art Institute of Chicago.
Además de reescribir la historia del arte y reconsiderar la política contemporánea, los espectáculos vinculados al modernismo en México también pueden destacar la importancia de la artesanía. Artistas estadounidenses que pasaron un tiempo en México a mediados del siglo XX, incluidos Sheila Hicks, Anni Albers y Ruth Asawa —Descubrió nuevos modos de hacer. Las fuertes tradiciones de tejido, cestería y fabricación de alfombras del país inspiraron al trío, que integró técnicas y motivos al sur de la frontera en sus esculturas, instalaciones, dibujos y tapices. Su trabajo rompió radicalmente con la pintura expresionista abstracta que dominó las discusiones críticas de su tiempo. La reciente exposición del Instituto de Arte de Chicago celebró sus innovadores enfoques estéticos, junto con los de Clara Porset, Lola Álvarez Bravo y Cynthia Sargent, y postularon que los artesanos no reconocidos en México han influido en el arte moderno de maneras más tranquilas que, por ejemplo, Rivera o Kahlo.
Todos estos espectáculos, y sus ángulos dispares, revelan que el canon histórico-artístico es un caleidoscopio siempre cambiante. Lanzan obras de arte y personajes audaces y brillantes en narraciones antiguas y limitadas. Los museos y las galerías son más coloridos y estimulantes.
Alina Cohen es escritora personal en Artsy.