“La luz del fuego parpadea en el techo del mundo”: la aurora boreal en el arte

https://publicdomainreview.org/collection/aurora-borealis-in-art

Alrededor de cincuenta millas sobre el nivel del mar, mucho más allá de los límites exteriores de la capa de ozono, se encuentra un enorme tramo de aire llamado termosfera, donde las temperaturas se elevan a 2000 ° centígrados. Las partículas en esta parte del cielo son tan escasas que, como escribe Lyall Watson , “no suficientes de ellas golpean un cuerpo en órbita para transferir un calor tan impresionante”, aunque hay más que suficientes para “combinarse con otras partículas cargadas arrojadas al bordes de nuestra atmósfera por las ráfagas de viento solar “y crear la” impresionante exhibición de pirotecnia “que llamamos Aurora Borealis y Aurora Australis, o las Luces del Norte y del Sur:

Tales auroras se concentran alrededor de los círculos polares, apareciendo unas horas después del atardecer como pálidos resplandores verdosos que brillan hasta que las cortinas fantasmas de verde lima, oro y arco magenta cruzan el cielo, como si una explosión gigantesca hubiera tenido lugar justo al borde del El mundo y el cielo mismo estaban en llamas.

Estas luces, que Louise B. Young comparó con “la luz del fuego que parpadea en el techo del mundo”, han capturado la imaginación de artistas y narradores desde que comenzó el tiempo. Los inuit de la Bahía de Hudson creían que eran linternas de demonios en busca de almas perdidas; los nórdicos los veían como lanzas, armaduras y cascos de las valquirias que llevaban a los soldados caídos a Valhalla; Los groenlandeses pensaban que eran los espíritus danzantes de los niños que habían muerto al nacer.
La muerte se ha asociado con auroras polares desde el principio. Los ngarrindjeri del sur de Australia se han referido a las luces como las fogatas de los muertos, mientras que los inuit del norte de Alaska los veían como malvados. Incluso en las tierras entre estos dos extremos geográficos, las auroras han sido motivo de preocupación. Séneca, en sus Naturales Quaestiones , registra que, durante el reinado de Tiberio (14–37 dC), una aurora sobre la ciudad de Ostia, cerca de Roma, brillaba tan intensamente que una unidad militar estacionada cerca, creyendo que la ciudad estaba en llamas, galopaba al rescate.
En la Europa del siglo XVIII, la aurora boreal, como muchos aspectos de la naturaleza, se transformó en gran medida de un objeto de horror en un objeto de asombro. El explorador y naturalista inglés Samuel Hearne, en su Viaje desde el Fuerte del Príncipe de Gales en la Bahía de Hudson hasta el Océano Norte(1795), escribieron con sorpresa que, durante las largas noches de invierno al norte del lago canadiense Athapapuskow, el Aurora Boreal le proporcionó suficiente luz para leer incluso “una letra muy pequeña”. Hearne también fue el primer europeo en notar el ruido que las luces parecen hacer “a medida que varían sus colores o posición”. “Puedo afirmar positivamente”, escribió (en un pasaje que luego ingresaría tanto a Wordsworth como a Emerson), “que en las noches tranquilas los he escuchado con frecuencia hacer crujidos y crujidos, como el ondear de una bandera grande en un lugar fresco”. vendaval de viento “.
Ha habido muchas teorías sobre los orígenes de las auroras a lo largo de los años. Séneca se preguntó si se formaron encima o debajo de las nubes. Hearne, como muchas personas en su tiempo, creía que consistían en una tormenta de cometas. Benjamin Franklin teorizó que eran el resultado de la electricidad que se había vuelto loca en el aire superior. No fue sino hasta el siglo XX que el científico noruego Kristian Birkeland (1867–1917) sentó las bases de nuestra comprensión actual de los fenómenos, aunque, de hecho, todavía hay mucho sobre ellos que los científicos no entienden .
Las auroras siguen siendo motivo de asombro: un recordatorio de la extraña y conmovedora belleza del universo, que se extiende tanto más allá de nosotros que aturde la mente. John Steinbeck, en Viajes con Charley , lo expresa muy bien cuando, camino a Maine en una autocaravana, sale a la noche a buscarle a su perro unas galletas y mira hacia arriba:

“la aurora boreal estaba fuera. Lo he visto solo unas pocas veces en mi vida. Colgaba y se movía con majestad en pliegues como un viajero infinito en el escenario en un teatro infinito. En colores de rosa, lavanda y púrpura, se movía y pulsaba contra la noche, y las estrellas afiladas por la escarcha brillaban a través de ella. ¡Qué cosa ver en un momento en que lo necesitaba tanto!”

Olga Larionova

Resultado de imagen para olga larionova pencil drawings

Olga Melamory Larionova es una joven artista de Nizhny Novgorod en Rusia que crea dibujos hiperrealistas en grafito o lápices de colores. Su increíble habilidad con los lápices y su ardiente dedicación a los materiales tradicionales son notables en nuestra era digital. Aunque ahora trabaja como diseñadora de interiores, Melamory todavía considera que el arte hiperrealista es su mayor pasión. Melamory nunca fue a la escuela de arte y cree que ser autodidacta la ayudó a desarrollar un estilo único. Su proceso artístico implica trabajar en diferentes áreas y luego vincularlas como piezas de rompecabezas para crear retratos absolutamente asombrosos.

Resultado de imagen para olga larionova pencil drawings

Resultado de imagen para olga larionova pencil drawings

Resultado de imagen para olga larionova pencil drawings

Resultado de imagen para olga larionova pencil drawings

Resultado de imagen para olga larionova pencil drawings

Los 10 momentos que definieron el arte en la década de 2010

Paul Cézanne, La Montagne Sainte-Victoire, 1897. Cortesía del Kunstmuseum Bern.

La creación de Instagram y su impacto en el mundo del arte.

Octubre de 2010

Yayoi Kusama, Infinity Mirrored Room - Las almas de millones de años luz de distancia, 2013. © Yayoi Kusama.  Cortesía de David Zwirner, Nueva York;  Ota Fine Arts, Tokio / Singapur / Shanghai;  Victoria Miro, Londres / Venecia;  KUSAMA Enterprise.
Yayoi Kusama, Infinity Mirrored Room – Las almas de millones de años luz de distancia , 2013. © Yayoi Kusama. Cortesía de David Zwirner, Nueva York; Ota Fine Arts, Tokio / Singapur / Shanghai; Victoria Miro, Londres / Venecia; KUSAMA Enterprise.
Cuando Instagram se lanzó en 2010, brindó a los artistas una nueva y poderosa herramienta de marketing. Pero también tuvo un efecto inesperado en el mundo del arte: los curadores comenzaron a lidiar con la forma en que Instagram era un espectáculo.
La noción se arraigó siguiendo la instalación  de Yayoi Kusama de “Infinity Mirror Room” en 2013. Las fuentes de Instagram se saturaron con la misma escena: una galaxia interminable de luces brillantes que convergen en una figura solitaria en una habitación oscura, un teléfono con cámara oculta parcialmente su rostro. Aunque la instalación ha visto varias iteraciones desde 1965, el concepto de Kusama explotó en popularidad gracias a las redes sociales, con hasta 2.500 personas por día que ingresaron en la sala de David Zwirner durante 45 segundos cada una.
Los hotspots artísticos de Instagram comenzaron a aparecer en números vertiginosos: Color Factory, 29Rooms, el Museo de Arte Digital de teamLab, todos prometiendo el telón de fondo perfecto para el gramo. En las instituciones de arte, Instagram también cambió el acto de interactuar con el arte.

La principal retrospectiva de Tate este año vio a los visitantes deambular por la bruma de una habitación para el trabajo Your Blind Passenger (2010), con los teléfonos en alto. Plantea la pregunta: ¿Realmente te estás conectando con una obra de arte si la estás viendo a través de una lente?

La detención de Ai Weiwei

Abril de 2011

Foto de Peter Parks / AFP vía Getty Images.
Foto de Peter Parks / AFP vía Getty Images.
En abril de 2011 Ai Weiwei intentó abordar un vuelo a Hong Kong cuando fue detenido por la policía. Durante 81 días, el artista estuvo cautivo e interrogado por funcionarios chinos.
Ai había expresado su indignación por el comportamiento del Partido Comunista Chino a través de obras de arte conmovedoras, Twitter y su blog. Su crítica más famosa se refería al mal manejo del terremoto de Sichuan en 2008, que provocó la muerte de más de 5,000 niños en edad escolar. Pero hasta 2011 no enfrentó medidas tan radicales para sus acciones. El artista más abierto de nuestro tiempo había sido silenciado.
Cuando Ai volvió a emerger, la terrible experiencia solo alimentó su roductividad. Aunque su pasaporte fue revocado, montó docenas de espectáculos en todo el mundo. La curadora principal de Guggenheim , Alexandra Munroe, señaló que este momento “reformuló las apuestas y la escala del impacto que un artista disidente podría ejercer”. Agregó: “Hemos visto una gran proliferación desde el activismo de los artistas, algo sabio, algo superficial. Pero lo más inquietante es que hemos visto que los mismos mundos del arte, el periodismo y la diplomacia estatal en Occidente muestran un total desprecio por los millones de manifestantes en Hong Kong. Ai tenía razón al advertirnos entonces, y ahora tiene razón para avergonzarnos ”.

El descubrimiento del tesoro de Cornelius Gurlitt del presunto botín nazi

Febrero de 2012

Paul Cézanne, La Montagne Sainte-Victoire , 1897. Cortesía del Kunstmuseum Bern.
En 2012, las autoridades alemanas descubrieron un tesoro de más de 1.300 obras de arte moderno en el apartamento de Cornelius Gurlitt en Múnich, el hijo mayor y solitario del comerciante de arte de la era nazi Hildebrand Gurlitt. La noticia de la colección envió ondas de choque a través del mundo del arte y más allá.
Este misterioso y enormemente valioso tesoro de obras de Max BeckmannOtto DixPaul CezanneErnst Ludwig KirchnerÉdouard ManetClaude MonetEdvard MunchPaul Signac, y otros se han estimado en más de $ 1 mil millones. Posteriormente, se descubrieron otras 250 obras en una casa que Gurlitt poseía en Salzburgo, lo que lleva el total de su colección a unos 1.600 objetos.
El caso rápidamente resultó ser tan complejo como impactante, especialmente después de que Gurlitt murió en mayo de 2014, dejando su colección y todos sus problemas de procedencia en manos del Kunstmuseum Bern en Suiza. Desde entonces, algunas de las obras de arte han sido devueltas a los herederos de sus legítimos propietarios. Muchos más se han exhibido públicamente en exposiciones en Berna y Bonn, Alemania, o se han publicado en línea en un esfuerzo por volver sobre sus orígenes, un proceso que seguramente tomará años, si no décadas.

La primera edición de Art Basel en Hong Kong

Mayo 2013

Foto de Jessica Hromas vía Getty Images

Foto de Jessica Hromas vía Getty Images

Hong Kong ha sido un centro comercial mundial durante más de un siglo, pero su estatus como el mercado de arte más destacado de Asia no se selló por completo hasta 2013, cuando se inauguró Art Basel en la antigua colonia británica.
En medio del auge económico de China en la década de 2000, Christie’s y Sotheby’s consolidaron sus ventas de arte asiático en Hong Kong. Siguiendo esta tendencia prometedora, Asian Art Fairs lanzó ArtHK en 2008. La feria se convirtió en la primera plataforma de lanzamiento de galerías internacionales en Asia, con galerías participantes como Gagosian y White Cube . En 2011, MCH Group , propietario de Art Basel, adquirió el 60 por ciento de las ferias de arte asiáticas, transformando a ArtHK en una incorporación asiática a la feria de arte contemporáneo líder en el mundo.
Art Basel mejoró el estatus de Hong Kong como mercado de arte global, actuando como un voto de confianza para galerías occidentales como David Zwirner y Hauser & Wirth , que abrieron puestos de avanzada en la ciudad en 2018. También ha ayudado a introducir a Hong Kong y Asia artistas del mundo del arte global, una oportunidad que podría haber tomado un camino sinuoso para construir sin la presencia de Art Basel en Hong Kong.

La obra de arte más cara de una artista femenina vendida en una subasta

Noviembre 2014

Alfred Stieglitz, Georgia O & # x27; Keeffe, 1930. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Alfred Stieglitz, Georgia O’Keeffe , 1930. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.
Georgia O'Keeffe, Jimson Weed / White Flower No. 1, 1932. Foto de Edward C. Robison III.  Cortesía del Museo de Arte Americano Crystal Bridges, Bentonville, Arkansas.
Georgia O’Keeffe, Jimson Weed / White Flower No. 1, 1932. Foto de Edward C. Robison III. Cortesía del Museo de Arte Americano Crystal Bridges, Bentonville, Arkansas.
En noviembre de 2014 Georgia O’Keeffe con la pintura Jimson Weed / White Flower No. 1 (1932) se convirtió en la obra de arte más cara de una mujer que se haya vendido. Alice Walton, heredera de la fortuna de Walmart y fundadora del Museo de Arte Americano Crystal Bridges en Bentonville, Arkansas, compró el lienzo en Sotheby’s por $ 44.4 millones. Mindy Besaw, curadora de Crystal Bridges, dijo que la pintura “representa un tema icónico de uno de los artistas estadounidenses modernos más importantes e influyentes”. La venta singular fue la apoteosis de una tendencia que ahora barre el mundo del arte: el creciente interés del mercado en el trabajo de artistas femeninas.
Sotheby’s publicó un informe señalando que entre 2012 y 2018, las obras de arte de mujeres han aumentado en valores de subasta en un 72,9 por ciento. Como para confirmar esta tendencia, el registro de la subasta para AbEx la superestrella Lee Krasner se duplicó cuando su lienzo de 1960, The Eye Is the First Circle, se vendió en Sotheby’s por $ 11.7 millones en mayo de 2019. Estas potentes fuerzas del mercado son paralelas a un intento institucional más amplio para finalmente dar a las artistas menospreciadas la atención crítica que merecen.

La controversia de apropiación cultural de Dana Schutz

Marzo de 2017

Foto de Michael Bilsborough.  Cortesía de Parker Bright.
Foto de Michael Bilsborough. Cortesía de Parker Bright.
En la bienal de Whitney de 2017, el pintor Dana Schutz muestra una pintura titulada Open Casket (2016). La obra representaba la infame imagen de 1955 del adolescente afroamericano brutalmente asesinado Emmett Till tendido en su ataúd, interpretado en el estilo pictórico característico de Schutz.
Se produjo un alboroto con gritos que Schutz, que es blanco, no debería pintar y sacar provecho de ese tema. El artista Parker Bright se refirió a la obra de arte como “una injusticia para la comunidad negra” y protestó en frente de la pintura, parada frente a ella con una camisa que decía “ESPECTÁCULO DE MUERTE NEGRA”. Hubo llamadas para que se quitara el trabajo e incluso destruido. La pintura permaneció a la vista, aunque el museo finalmente agregó una pancarta junto con una nota del curador, así como una respuesta de Schutz: “No sé lo que es ser negro en Estados Unidos. Pero sí sé lo que es ser madre”, escribió. Schutz cerró su respuesta con la siguiente declaración: “Esta pintura nunca estuvo a la venta y nunca lo estará”.
El trabajo provocó un diálogo sobre la apropiación de la experiencia y la imagen; sucedió en el apogeo del movimiento Black Lives Matter y fue visto como una estetización del trauma letal de un grupo.

La demanda de agresión sexual de Artforum

Octubre de 2017

Betty Tompkins, Apologia (Artemisia Gentileschi # 3), 2018. Cortesía de Betty Tompkins y P · P · O · W, Nueva York.
Betty Tompkins, Apologia (Artemisia Gentileschi # 3) , 2018. Cortesía de Betty Tompkins y P · P · O · W, Nueva York.
En octubre de 2017, la curadora Amanda Schmitt presentó una demanda acusando entonces al coeditor de Artforum Knight Landesman de acoso sexual. La acusación contra una de las figuras más poderosas de la industria fue un caso temprano del movimiento #MeToo de Tarana Burke llegando al mundo del arte. Creó un cambio sísmico en la conciencia de los sistemas arraigados que permiten, y protegen, el comportamiento abusivo.
Dos años después, innumerables otros han compartido sus experiencias enterradas de acoso sexual en entornos privados y laborales, incluidos museos, galerías y escuelas. Como sobrevivientes nombrados hombres de alto perfil como Chuck Close  y Subodh Gupta, otros consideraron qué hacer con el arte de un presunto abusador: ¿contextualizar o cancelar?
La demanda de Schmitt fue desestimada por un tribunal del estado de Nueva York en enero, pero en otros lugares, los cambios están en el horizonte. Las instituciones, presionadas para reconocer las estructuras de poder que pueden generar mala conducta, están luchando con formas de proteger a los trabajadores culturales. Para la mayoría, esto requiere no solo crear lugares de trabajo seguros, sino también corregir el desequilibrio racial y de género del personal. Dichos protocolos son pasos para sostener el movimiento. Por ahora, el mensaje sigue siendo claro: el comportamiento depredador descartado por mucho tiempo como norma cultural ya no será tolerado.

La presentación de los retratos de Obama

Febrero 2018

Abrir presentación de diapositivas

El retrato acompañante de la Primera Dama Michelle fue mucho más allá de la norma para el retrato presidencial ; crearon una nueva forma de arte populista y llevaron el retrato negro a la vanguardia de una conversación nacional sobre raza y representación.

Las pinturas se presentaron en la National Portrait Gallery en Washington, DC, en febrero de 2018 con gran fanfarria: no solo fue la primera vez que se reveló un retrato de un presidente afroamericano, sino la primera vez que un artista negro fue seleccionado para pintar Un retrato presidencial.
Los retratos se convirtieron en un fenómeno cultural, pero su influencia también se extendió al mundo del arte; señalaron un renovado interés cultural en los artistas negros, que se ha manifestado en más exposiciones individuales de museos y galerías para artistas negros. Aunque a los artistas les gusta Jean-Michel Basquiat y Tschabalala Self  han vendido obras sin precedentes en una subasta, las obras de artistas negros todavía tienden a estar muy infravaloradas en el mercado, lo que muestra hasta dónde tiene que llegar el mundo del arte para corregir los sesgos históricos.

El primer museo en rechazar una donación de los Sacklers.

Marzo 2019

La Galería Nacional de Retratos, Londres.  Imagen vía Wikimedia Commons.
La Galería Nacional de Retratos, Londres. Imagen vía Wikimedia Commons.
Cuando la National Portrait Gallery (NPG) de Londres se convirtió en la primera institución de arte importante en rechazar la financiación de la familia Sackler en marzo de 2019, la decisión provocó un efecto dominó en todo el mundo. La Tate , Guggenheim y el Museo Metropolitano de Arte siguieron su ejemplo, y la notoriedad de la familia Sackler por aprovecharse de la epidemia de opioides eclipsó su reputación de benefactores culturales.
La decisión del NPG provocó un debate internacional en curso. Los visitantes del museo, el personal, los artistas y los curadores recurrieron a instituciones veneradas con un escrutinio intensivo, cuestionando las implicaciones éticas de la riqueza que alimenta el mundo del arte. En julio de 2019, las críticas llegaron a un punto de ruptura cuando el vicepresidente del Museo Whitney , Warren Kanders, renunció bajo una intensa presión después de las revelaciones de que su compañía, Safariland, fabricaba gases lacrimógenos utilizados contra los migrantes en la frontera entre Estados Unidos y México. Pero la réplica está lejos de terminar.
A medida que el mundo del arte lidia con instituciones basadas en la “filantropía tóxica”, un modelo de financiamiento alternativo permanece oculto. El tiempo dirá qué tan lejos y qué tan profundo irá el cálculo, pero podría alterar el mundo del arte tal como lo conocemos.

El artista vivo más caro es Jeff Koons (nuevamente)

Mayo 2019

Foto de Yui Mok / PA Images a través de Getty Images.
Foto de Yui Mok / PA Images a través de Getty Images.
En mayo de este año, Jeff Koons recuperó el título del artista vivo más caro cuando su icónica escultura Rabbit (1986) se vendió por $ 91 millones en una subasta de Christie’s en Nueva York.
Ese resultado lo puso justo por delante de David Hockney , cuyo Retrato de un artista (Pool with Two Figures) (1972) se vendió por $ 90.3 millones unos meses antes. También eclipsó el récord de subasta de Koons de $ 58.4 millones, establecido en noviembre de 2013 por su imponente escultura de acero inoxidable Balloon Dog (Orange) (1994–2000), que lo convirtió en el artista vivo más caro hasta que apareció el retrato junto a la piscina de Hockney.
El resultado confirmó el hambre duradera de los coleccionistas por el trabajo de Koons, pero también mostró que, en medio de los temores de una recesión económica inminente, los compradores aparecerán y ofertarán en grande por obras de arte ampliamente consideradas como obras maestras. “Puedes pensar en Koons como quieras”, dijo el corredor de poder de Christie, Alex Rotter, después de la histórica venta. “Este fue su mejor trabajo”.

Imagen de encabezado: Foto de la protesta PAIN (Prescription Addiction Intervention Now) en el Louvre el 1 de julio de 2019 por Stephane de Sakutin / AFP a través de Getty Images. Todas las otras fotos acreditadas en el cuerpo del artículo.

“The Gross Clinic” de Thomas Eakins puede ser la pintura estadounidense más importante

En 1875, Thomas Eakins decidió pintar un cuadro que glorificara a su ciudad natal de Filadelfia. La primera Feria Mundial que se celebrará en los Estados Unidos, la Exposición Internacional del Centenario, se inaugurará en la ciudad al año siguiente. A través de su pintura, Eakins esperaba honrar los avances científicos que salían del Jefferson Medical College local. El artista observó los procedimientos en vivo del famoso cirujano Dr. Samuel Gross, luego los tradujo a un lienzo a gran escala que tituló Dr. Gross (1875) (ahora conocido como The Gross Clinic ). La obra se ha convertido quizás en la pintura más importante en la historia del arte estadounidense.
La ambiciosa pintura de Eakins trajo Renacimiento -era virtuosismo a mediados del siglo XIX en los Estados Unidos, ya que el arte estadounidense todavía luchaba por encontrar su lugar en el escenario mundial. La clínica bruta, que aún hoy cuelga en Filadelfia, es un triunfo de la composición, la luz y la sombra. La imagen sigue siendo asombrosamente espeluznante: el lienzo destaca al Dr. Gross mientras opera en un muslo expuesto con la ayuda de cinco asistentes sentados. La sangre cubre sus manos, escalpelos y la incisión profunda a medio camino de la rodilla del paciente oculto. Una espectadora se protege el rostro, mientras los estudiantes del anfiteatro circundante observan con calma y toman notas. La pintura revela y oculta su tema, funciona como un registro brutal y un homenaje a la ciencia. Estas contradicciones hacen que la pintura sea una hazaña virtuosa, que continúa obligando y asustando a los espectadores casi 150 años después de su realización.
Cuando Eakins comenzó a trabajar en The Gross Clinic , ya era un pintor consumado. Se graduó de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en 1866 y continuó su educación artística en París, estudiando con los pintores Jean-Léon Gérôme y Léon Bonnat. Vivir en Europa le dio a Eakins acceso a museos llenos de trabajos de Viejos maestro

Al visitar España, el artista quedó cautivado por los lienzos de Diego Velázquez  y Jusepe de Ribera

The Champion Single Scull (Max Schmitt en un solo cráneo)
Thomas Eakins, The Champion Single Scull (Max Schmitt en un solo cráneo) , 1871
El Museo Metropolitano de Arte
De vuelta a casa en Filadelfia, Eakins hizo retratos de su familia y una serie de scullers, navegantes competitivos que remaban con dos remos. En The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull) (1871), Eakins se pintó en la composición como un sculler en un bote detrás de Max Schmitt.
Con The Gross Clinic , Eakins creía acertadamente que estaba llevando su pintura al siguiente nivel. Asistió a numerosas conferencias en la clínica del Dr. Gross y reunió magistralmente su composición a partir de bocetos del quirófano. Es posible que también haya hecho referencia a fotografías del Dr. Gross (no todos los trabajos preparatorios para el lienzo fueron documentados o conservados). El resultado “tuvo el efecto de la realidad, pero en realidad fue completamente artificial”, dice Kathleen Foster, curadora principal y directora del Centro de Arte Americano del Museo de Arte de Filadelfia.
Foster observa cuán innovador fue el tema de Eakins. El artista representó al Dr. Gross realizando una forma de cirugía que inventó, que extrajo el hueso enfermo de una herida mediante incisiones hábiles. La anestesia en sí misma solo existía desde 1846, lo que permitió a los médicos realizar cirugías más largas y laboriosas. El establecimiento médico había amputado previamente extremidades en este tipo de situaciones. A través de su escena grupal, el artista capturó el valor científico en el trabajo en equipo y la unidad. Según Foster, Eakins capturó un momento “tan emblemático del poder del progreso en la medicina estadounidense”.
La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp
Rembrandt van Rijn, La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp , 1632 Mauritshuis, La Haya
El biógrafo de Eakins, Sidney Kirkpatrick, llega a afirmar que “ningún artista desde el Renacimiento había superado tales desafíos en la disposición de las figuras y la acción o había compuesto una obra de tal alcance intelectual y metafísico”.
Desafortunadamente para Eakins, el comité del Centenario rechazó la pintura de las principales salas de exhibición, quizás porque era demasiado sangrienta. Sin embargo, antes de que se abriera la feria, el artista arregló mostrar el trabajo en Haseltine Galleries, donde encontró un campeón en el crítico de arte Daily Evening Telegraph William Clark. “Este retrato del Dr. Gross es un gran trabajo, no sabemos nada más grande que nunca se haya ejecutado en Estados Unidos”, escribió . Gracias en parte a la revisión, el comité de selección acordó colgar The Gross Clinic en un local auxiliar: el Hospital del Ejército de los EE. UU. Creían que aquí, en un contexto médico, la imagen sangrienta no ofendería a nadie. La pintura encontró un hogar permanente con el Jefferson Medical College en 1878., después de que la escuela pagó $ 200 por el trabajo.
Cuando la pintura viajó a la ciudad de Nueva York en 1879, los críticos no fueron más solidarios. El New York Times acusó a Eakins de no reconocer “dónde detenerse” y cuáles son los límites “entre la belleza del desnudo y la indecencia del desnudo”. La cautela de la época victoriana funcionó contra Eakins. Sin embargo, al final de su vida, había logrado la aclamación como un importante artista estadounidense. Fue invitado a participar en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, y la Academia Nacional lo nombró asociado en 1902, un prestigioso premio en ese momento. Eakins murió en 1916.
Thomas Eakins, The Agnew Clinic, 1889. Imagen vía Wikimedia Commons.
Thomas Eakins, The Agnew Clinic , 1889. Imagen vía Wikimedia Commons.
La Clínica Gross ha disfrutado de una vida futura emocionante. La pintura permaneció en Thomas Jefferson Medical College hasta 2006, cuando la institución intentó venderla por $ 68 millones a la Galería Nacional de Arte y a la coleccionista Alice Walton. En 2008, la ciudad de Filadelfia y los museos locales recaudaron fondos equivalentes para mantener la pintura local. Ahora reside en las colecciones del Museo de Arte de Filadelfia y la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, intercambiando locales cada tres años.
Los académicos han encontrado infinitas posibilidades de interpretación en el lienzo único. El artículo de 1985 de Michael Fried “Realismo, escritura y desfiguración en la Clínica Gross de Thomas Eakins, con una posdata sobre las caras al revés de Stephen Crane” propone el lienzo como un comentario sobre el acto de pintar, sugiriendo que en el trabajo, la sangre y la pintura son ” señales entre sí, equivalentes naturales cuya relación especial está aquí puesta en primer plano con una viveza sin precedentes ”. The Gross Clinic, en la lectura freudiana de Fried, aborda la ansiedad de castración y la relación de Eakins con su propio padre a través de la representación del Dr. Gross. En 1999, la académica Jennifer Doyle publicó “Sex, Scandal, and The Gross Clinic de Thomas Eakins”, que considera la propia sexualidad de Eakins y el “cuerpo sin género en el corazón de una afirmación de realismo pictórico”.
Foster llega a decir que “para temas de realismo, ciencia y sexualidad, ninguna pintura ha sido más versátil y estimulante como un espejo de preocupaciones”. Es una descripción adecuada para un lienzo que en última instancia trata de un grupo de personas. sondeando la misma herida.
Alina Cohen es escritora de personal en Artsy.

Imágenes de DA Rovinskii de Lubki, ruso (siglos XVIII-XIX)

https://publicdomainreview.org/collection/d-a-rovinskiis-collection-of-russian-lubki-18th%E2%80%9319th-century

Los orígenes de los grabados rusos llamados lubki (lubok singular) parecen remontarse a los años 1500, cuando el arte de la impresión en bloque se introdujo en Rusia desde Asia oriental, aproximadamente al mismo tiempo que los comerciantes hanseáticos alemanes trajeron los primeros libros impresos a Moscú. Como comenta Adela Roatcap :

La Biblia Pauperum, el Ars Morendi, la Biblia Piscator, la Biblia Wittenberg de 1514 o la Crónica de Nuremberg, y grabados de Lucas Cranach, Albert Dürer y otros artistas de Europa occidental, sirvieron de inspiración para los primeros lubki.

Los lubki sobrevivientes más antiguos, según Roatcap, fueron impresos en Kiev (actual Ucrania) en 1625 y representaban figuras y escenas religiosas ortodoxas. De hecho, muchos estudiosos piensan que lubki ganó popularidad como un sustituto barato de los íconos religiosos y fue utilizado por personas de las clases bajas y medias para decorar las paredes de las casas y las tabernas.
Los lubki presentados aquí son de la colección de Dimitrii Aleksandrovich Rovinskii, un jurista de alto rango en el Moscú del siglo XIX, que dedicó su tiempo libre a su mayor pasión, el arte popular ruso. En 1881 publicó la primera entrega de sus Imágenes Folclóricas Rusas de doce volúmenes , mostrando reproducciones de su colección junto con comentarios, un libro que ahora ha sido digitalizado y puesto a disposición en línea por la Biblioteca Pública de Nueva York. En el libro, como era de esperar, no se encuentran pocos temas religiosos.
“Kartiny iz Biblii i Apokalipsisa, raboty mastera Korenia” [Pintura de la Biblia y el Apocalipsis, por Master Root]
Pero también hay muchos temas seculares. Probablemente dos de los más famosos de estos estampados seculares son de gatos. El primero es el lubok de 1760 titulado The Mice Are Burying the Cat, una escena carnavalesca que se burla de los emperadores y emperatrices de Rusia. El subtítulo sobre el gato dice: “El gato de Kazán, la mente de Astrakhan, la sabiduría de Siberia” (parodiando el elaborado título del líder ruso).
“Myshi kota pogrebaiut (graviura na dereve)” [Los ratones están enterrando al gato] 

El segundo se titula simplemente Gato (o El gato de Kazán) y a veces se le atribuye al artista Vasili Loren (ver la impresión principal más arriba). Aquí, nuevamente, el tema es aparentemente uno de los líderes de Rusia: Pedro el Grande, quien, después de un viaje a la corte afeitada de Luis XIV, emitió un edicto que obliga a los rusos a cortarse la barba o pagar un impuesto anual. El subtítulo sobre la cabeza de la criatura dice : “El gato de Kazán, a la manera de Astrakhan, en razón de Siberia, vive gloriosamente, se las arregla agradablemente y se tira pedos dulcemente”.

El “espíritu del humor popular medieval”, en palabras de la erudita Dianne Ecklund Farrell, impregna a estos coloridos precursores de las historietas. Una fascinación por los animales, los monstruos y las figuras humanas caricaturescas es evidente en todas partes. Si bien los lectores no rusos no siempre sabemos exactamente lo que está sucediendo en las impresiones, de todos modos estamos impresionados y encantados.

Las pirámides humanas de Juste De Juste (ca. 1540)

Estos grabados de hombres desollados ( écorché ) en poses acrobáticas atribuidas al italiano Juste de Juste (ca. 1505-1559) se produjeron casi seguramente en la corte de Fontainebleau en la década de 1530. Juste de Juste nació cerca de Florencia a principios del siglo XVI. Era hijo, nieto y sobrino de escultores italianos cuyo trabajo fue fundamental para el Renacimiento. Tanto su padre como su tío, llamados Antoine y Jean Juste, respectivamente, se habían hecho un nombre en Francia, creando monumentos para palacios e iglesias desde Bretaña hasta París. Cuando llegó a la mayoría de edad, Juste de Juste siguió los pasos de sus mayores. Durante la década de 1530, trabajó en el castillo de Fontainebleau como pintor, escultor y trabajador de estuco. Es al menos plausible que haya hecho algunos grabados allí también.

El crítico de arte francés Jules Renouvier (1804-1860) fue el primero en proponer a Juste de Juste como el autor de este conjunto de impresiones de pirámides humanas, alegando que, para citar a la historiadora del arte Catherine Jenkins, la “monografía confusa que aparece en cinco de las impresiones […] desenredadas para formar el nombre IVSTE ”. Sin embargo, la monografía también puede desenredarse para formar el nombre VISET, y los registros muestran que un grabador oscuro llamado Jean Viset fue empleado en Fontainebleau en 1536.

Quien sea responsable de ellos, estos grabados siguen siendo ejemplos sorprendentes de la belleza del trabajo producido por la Escuela de Fontainebleau, que abarcaba casi todas las formas de arte, desde la fabricación de muebles hasta la pintura al óleo, la escultura y el diseño de interiores. También son notables por su influencia en Henri Matisse, cuya pintura Dance (1910) toma prestada la energía visual de los viejos grabados para hacerla algo moderna, colorida y no menos extraña.

Pirámide de los hombres: III

Pirámide de los hombres: II

Pirámide de hombres: I

 

Los artistas latinoamericanos más influyentes del siglo XX

Feliciano Centurión

Esta lista de artistas revela que muchos de los artistas innovadores e influyentes de América Latina en el siglo XX no estaban atados a la región sino que, de hecho, eran increíblemente globales. Viajaron a Europa, América del Norte y, en algunos casos, países africanos. Muchos de los artistas en esta lista posicionaron su trabajo en relación con los desarrollos de vanguardia europeos: ¿es quizás esta conexión con Europa la que los concreta como “más influyentes”? Lo que indica esta lista es que las narrativas artísticas del siglo XX han reconocido a ciertos artistas como “influyentes” debido a sus respectivas proximidades al norte global.
Dentro de esta lista, me emociona compartir los artistas que dieron forma a sus propias esferas de influencia, independientemente de las tendencias emergentes en Europa y América del Norte, que tal vez son menos conocidos en el canon. Estos incluyen figuras importantes como Luz Donoso, Feliciano Centurión y Clemencia Lucena. Esta lista no es exhaustiva de ninguna manera. Incluye solo artistas que ya no viven, y solo aquellos que nacieron en América Latina y el Caribe. (La excepción es Rafael Tufiño, quien nació en Nueva York, pero su inclusión fue un intento de señalar cómo Puerto Rico y su diáspora a menudo se posicionan fuera de América Latina y los Estados Unidos). Los 20 artistas innovadores destacado en esta lista ha influido en generaciones de artistas, así como en académicos y curadores que abordan los prejuicios históricos en la historia del arte.
Ana Mendieta

Feliciano Centurión

B. 1962, San Ignacio de las Misiones, Paraguay. D. 1996, Buenos Aires, Argentina.

Feliciano Centurión

Las obras textiles de Feliciano Centurión, de los años 80 y 90 consolidan su obra de arte en un discurso queer global, enfatizando temas de amor, decadencia, vulnerabilidad y compasión. Su familia fue exiliada a un pueblo en la frontera de Paraguay y Argentina. Debido al gobierno represivo de Alfredo Stroessner, su padre cruzó la frontera para trabajar en Argentina. Centurión fue criado principalmente por las mujeres de su familia cuando era un hombre gay en una sociedad conservadora. A principios de la década de 1980, Centurión se mudó a Buenos Aires, donde se convirtió en una figura central del grupo Arte Light de la ciudad, que buscó contrarrestar las opresivas fuerzas culturales de la dictadura a través del juego, el placer, el humor y la creatividad en la creación artística. Las obras de Centurión utilizaron materiales domésticos como mantas, almohadas y otros textiles encontrados, que bordaría con frases poéticas e imágenes gráficas como animales y otras figuras iconográficas de las tradiciones indígenas guaraníes. En 1992, Ceturión fue diagnosticado con VIH y, a medida que su enfermedad empeoraba, muchas de las frases que incluía en sus trabajos trataban esta melancolía y su aceptación de su propia mortalidad. El trabajo de Centurión encarna un espíritu de reconciliación honesta y tierna durante la epidemia de SIDA que devastó las comunidades artísticas a nivel mundial. Centurión murió de SIDA en 1996, a la temprana edad de 34 años. tierna reconciliación durante la epidemia de SIDA que devastó las comunidades artísticas a nivel mundial. Centurión murió de SIDA en 1996, a la temprana edad de 34 años. tierna reconciliación durante la epidemia de SIDA que devastó las comunidades artísticas a nivel mundial. Centurión murió de SIDA en 1996, a la temprana edad de 34 años.

Jesús Rafael Soto
En 1955, participó en la exposición “Le Mouvement” en Galerie Denise René en París, que estimuló el desarrollo del arte cinético a nivel mundial. Muchas de las obras de Soto de este período eran formas inestables, desafiando la percepción del espectador de color, línea, movimiento y espacio. Fue a fines de la década de 1950 que Soto se involucró con el grupo de artistas Zero, adoptando ideas de mecanización e industrialización. En la última parte de la vida de Soto, priorizó la desmaterialización de la forma, sugiriendo movimiento y vibración a través de la participación pública. Quizás sea mejor conocido por sus “Penetrables”, una serie de instalaciones escultóricas inmersivas que consisten en densas cortinas de alambres colgantes, que los espectadores pueden explorar con sus cuerpos.

Wifredo Lam

B. 1902, Sagua la Grande, Cuba. D. 1982, París, Francia.

Wifredo Lam
Luz Donoso
Luz Donoso fue una artista multidisciplinaria y de mentalidad social cuyo trabajo ha permanecido relativamente desconocido. En la década de 1960, después de sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, Donoso se involucró con un grupo de pintores murales que apoyaban a Salvador Allende del Partido Socialista, quien se convirtió en presidente en 1970. Donoso creía en el potencial revolucionario del arte cuando situado en espacios publicos. Utilizando imágenes gráficas, accesibles y representativas informadas por sus antecedentes en el grabado, el trabajo de Donoso se dirigió directamente al público. En 1973, tras el golpe de estado de Pinochet en Chile, Donoso fue despedida de la enseñanza de artes gráficas en la Universidad de Chile, presumiblemente por sus creencias políticas opositoras. Ella cofundó el Taller de Artes Visuales en Santiago, que produjo algunas de las críticas y el arte político más progresista de los años setenta en Chile. La primera y única exposición individual de Donoso fue en 1976 en el Instituto Chileno Francés. En 1978, ella desarrollóHuincha sin fin (“Banda sin fin”), donde yuxtapuso fotografías en blanco y negro de los desaparecidos de Chile con la pregunta repetida “¿Dónde están?”, Acusando directamente las atrocidades del régimen militar. Donoso contribuyó al movimiento de resistencia artística en Chile durante la década de 1980, a la que donó un archivo fundamental de grabaciones de audio, videos y fotografías de encuentros artísticos de la época.

Tony Capellán

B. 1955, Tamboríl, República Dominicana. D. 2017, Santo Domingo, República Dominicana.

Tony Capellán
Tony Capellán investigó temas de destrucción ambiental, escasez socioeconómica, legados del colonialismo y diáspora en su trabajo. Capellán creció en la región interior de la República Dominicana, lo que lo llevó a sentirse fascinado por el gran impacto del océano. Estudió pintura y grabado en la Universidad Autónoma de Santo Domingo, así como en la Liga de Estudiantes de Artes de la ciudad de Nueva York. A principios de la década de 1980, comenzó a trabajar con materiales encontrados en instalaciones escultóricas. Durante el resto de su carrera, Capellán hizo del océano su tema, así como su fuente de materiales. Recolectó restos desechados y basura de los océanos y otras vías fluviales en la República Dominicana. En Mar Caribe (1996) y Mar Invadido(2015), Capellán utilizó basura lavada para comunicar la historia de la región del Caribe y la destrucción de los entornos naturales. En su trabajo, el océano sirvió como metáfora de los dramas entre humanos (esclavitud, colonialismo, pobreza), así como de los dramas entre humanos y naturaleza (contaminación, extinción de especies y aumento del nivel del mar). En la década de 1990, Capellán exhibió ampliamente y continuó trabajando hasta su muerte en 2017. La fuerza del trabajo de Capellán fue abordar las historias sociopolíticas del Caribe, así como las crecientes urgencias ambientales del cambio climático global.

Frida Kahlo

Frida Kahlo
A menudo nombrado el artista más influyente del modernismo latinoamericano, Frida Kahlo fue un pintor nacido en México cuyo arte abordó temas de melancolía, enfermedad, matriarcado, política revolucionaria y belleza indígena, a menudo con una inclinación surrealista. Nacida en una familia acomodada en Coyoacán, Ciudad de México, Kahlo se introdujo en el arte a una edad temprana a través de la fotografía de su padre. Aunque su padre era alemán y su madre de ascendencia indígena y española, Kahlo priorizó y celebró los valores culturales indígenas y los sistemas de creencias a lo largo de su vida. En las décadas de 1920 y 1930, desarrolló muchos trabajos que afirmaban sus creencias de izquierda, incluido el Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos (1932) y My Dress Hangs There(1933), pinturas que critican la historia imperialista de los Estados Unidos y el deseo capitalista de “progreso” industrializado. Kahlo también abordó su dolor de larga data debido a varias enfermedades que sufrió a lo largo de su vida, algunas debido a un accidente de autobús que la dejó parcialmente inmóvil. Una de las últimas pinturas de Kahlo antes de su prematura muerte en 1954 se titula Marxism Will Give Health to the Sick (1954), en la que representaba su propio cuerpo con una de sus icónicas faldas largas y un corsé de cuero. En el fondo de la pintura, la mano flotante de Marx ahoga un águila simbólica del imperialismo del tío Sam.
Victoria Santa Cruz
Nacido en una familia de prominentes intelectuales negros, Victoria Santa Cruz fue coreógrafo, compositor, dramaturgo y educador afroperuano. Gran parte de su trabajo se basa en sus raíces de la cultura afroperuana. En 1958, Santa Cruz cofundó Cumanana, la primera compañía de teatro negro de Perú. Muchas de las obras de teatro y musicales que dirigió durante este tiempo abordaron lagunas inexploradas en la historia nacional del Perú, en particular, narraciones olvidadas de la esclavitud. A principios y mediados de la década de 1960, Santa Cruz viajó a París y estudió teatro y coreografía en la Universidad del Teatro de las Naciones y en la Escuela Superior de Estudios Choréficos. Después de su regreso a Perú en 1966, se desempeñó como directora del Teatro y Danzas Negras del Perú y del Conjunto Nacional de Folklore, viajando y actuando ampliamente en toda la región, así como en los Estados Unidos, Canadá y Europa.Me gritaron negra (1978), en la que relató momentos de prejuicios racistas que sufrió cuando era niña. A partir de 1982, se desempeñó como profesora en la Universidad Carnegie Mellon en Pittsburgh, donde permanecería durante 17 años. Los exámenes críticos del racismo y las celebraciones del orgullo negro continuaron siendo temas predominantes en el trabajo de Santa Cruz durante la mayor parte de su vida.

Lygia Clark

B. 1920, Belo Horizonte, Brasil. D. 1988, Río de Janeiro, Brasil.

Lygia Clark
Pionero conceptual y figura destacada de Brasil. La práctica del Neo-Hormigón en movimiento de Lygia Clark enfatizó experiencias sensoriales e instalaciones participativas. Clark estudió pintura en Río de Janeiro y en París, centrándose en la abstracción geométrica. En la década de 1960, desarrolló su serie de “Proposições” (“Propuestas”), obras experimentales de composición abierta que se basaban en la interacción pública. Los “Bichos” de Clark (“Critters”) cautivaron al espectador, requiriendo que manipularan el trabajo con sus propias manos para activarlo. Clark propuso que los espectadores tengan suficiente flexibilidad para experimentar el trabajo como su propio gesto. Ella priorizó las infinitas posibilidades de la interpretación del espectador. En 1966, desarrolló su serie de “Objetos sensoriosis” (“Objetos sensoriales”), utilizando artículos prefabricados como tubos, sacos de arpillera, bolsas de plástico, guijarros y especias. En la década de 1970, Clark continuó haciendo trabajos que exploraban el psicoanálisis erótico, dinámica social y conciencia colectiva. Un trabajo que representa de manera aguda estos temas esA casa é o corpo (“La casa es el cuerpo”), una instalación que presentó en la Bienal de Venecia de 1968. En este trabajo, se alentó al público a recorrer un laberinto que sugiere el sistema reproductivo femenino, reflejando acciones como la penetración, la ovulación, la germinación y la expulsión. El trabajo de Clark con los estudiantes se centró en la calidad terapéutica del arte, examinando las posibilidades de curación a través del juego. Hasta el final de su vida, el trabajo de Clark involucró a los participantes en experimentos sensoriales y relacionales activos.

Antonio Berni

Antonio Berni
Ilustrando las realidades de la vida en las villas miseria de Argentina, Antonio Berni creó retratos representativos de la pobreza, a menudo utilizando materiales desechados y confeccionados en su trabajo. Berni nació y fue criado por inmigrantes italianos, y pudo estudiar pintura. En 1925, viajó a Europa y se involucró con los círculos de vanguardia surrealistas. Desarrolló un interés por los ideales y las convicciones del marxismo. A su regreso a Argentina en 1932, se unió al muralista mexicano David Alfaro Siqueiros del grupo Berni comenzó a desarrollar sus propias obras a través de la lente del “nuevo realismo”, o la creencia de que el arte debería reflejar con sinceridad las realidades sociales de las clases trabajadoras. En ese momento, Argentina sufría una grave crisis económica que empeoraba las condiciones de vida de los más marginados del país. Las pinturas representativas a gran escala de Berni resaltaron la diversidad de la visión “panamericana”. En la década de 1950, Berni dio un giro definitivo en su práctica y comenzó a hacer ensamblajes, reutilizando desechos y objetos desechados. En la década de 1960, había desarrollado dos personajes de ficción que serían los sujetos de su trabajo hasta su muerte en 1981. Nombrados Juanito Laguna y Ramona Montiel: Laguna, un niño pobre de una villa miseria.y Montiel, una trabajadora sexual: marcan la producción más significativa de Berni, y son quizás su trabajo más conocido.

Tunga

B. 1952, Palmares, Brasil. D. 2016, Río de Janeiro, Brasil.

Tunga

Margarita Azurdia

Margarita Azurdia, Quítese los zapatos por favor, 1970. Cortesía de la finca del artista y del Museo del Martillo.
Margarita Azurdia , Quítese los zapatos por favor, 1970. Cortesía de la finca del artista y del Museo del Martillo.
Margarita Azurdia realizó trabajos experimentales que exploraron íconos de género y mitológicos durante la Guerra Civil de Guatemala (1960–1996). Azurdia comenzó su carrera artística autodidacta a principios de la década de 1960, pintando abstracciones geométricas a gran escala que tomaron prestadas de tradiciones textiles indígenas, como diseños de huipiles mayas . En 1968, creó una serie de esculturas minimalistas que fomentaron la participación pública, que consistía en estructuras curvas, cilíndricas y de gran escala, sobre las cuales se invitó al público a acostarse. En 1970, Azurdia desarrolló su primera instalación inmersiva, titulada Favor quitarse los zapatos(“Por favor quítese los zapatos”). En una habitación pequeña y oscura, Azurdia colocó montículos desiguales de arena húmeda, invitando al público a atravesar el terreno bajo sus pies descalzos. Azurdia continuó experimentando y desarrolló obras de performance, poesía y esculturas que incorporaron mitos religiosos ficticios e híbridos, incluido Homenaje a Guatemala (1971–74). Viajó a París en 1974, donde residió hasta 1982 y trabajó junto a otras artistas feministas. A su regreso a Guatemala, Azurdia formó el grupo de actuación experimental Laboratorio de Creatividad, enfatizando las conexiones espirituales de la humanidad con la Tierra y todas sus especies. Azurdia murió en 1998, y su hogar en la ciudad de Guatemala se convirtió en museo.

Lily Garafulic

B. 1914, Antofagasta, Chile. D. 2012, Santiago, Chile.

Lily Garafulic
Nacida en una familia de inmigrantes croatas, Lily Garafulic es considerada una de las escultoras abstractas más importantes de Chile del siglo XX. Después de estudiar artes visuales en la Universidad de Chile, en 1938, Garafulic viajó a París, donde conoció al escultor Constantin Brancusi, cuyo trabajo seguiría siendo una influencia de por vida en su práctica. Sus primeros trabajos escultóricos eran de forma abstracta, pero aludían a las formas orgánicas del cuerpo humano. Guiados por un interés en la pureza formal, Garafulic utilizó materiales como mármol, bronce y terracota. En 1944, Garafulic recibió una beca Guggenheim y viajó a la ciudad de Nueva York, donde estudió grabado en Stanley William Hayter Atelier 17. Este mismo año, tuvo su primera exposición individual en el Instituto Chileno-Británico en Santiago, Chile, y luego recibió una beca de viaje para estudiar técnicas de mosaico en Europa. En 1973, se convirtió en la primera mujer en asumir el papel de directora en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago. En este papel, implementó nuevos estándares para la restauración y conservación en el museo. Al igual que muchas artistas femeninas en toda América Latina en el siglo XX, Garafulic equilibró varios roles simultáneamente: artista visual innovadora, educadora y administradora de artes públicas. Garafulic falleció en 2012 en Santiago, Chile.

Rafael Tufiño

Rafael Tufiño

La práctica interdisciplinaria de Rafael Tufiño, celebró los momentos cotidianos de trabajo, ocio y expresión cultural. Nacido en la ciudad de Nueva York, se mudó a Puerto Rico a la edad de 10 años. Tufiño sirvió en la Segunda Guerra Mundial, lo que le otorgó el GI Bill, financiando sus estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en la Ciudad de México, donde estudió grabado y mural técnicas Durante la década de 1950, regresó a Puerto Rico, formándose parte de la Generación de los años 50, un grupo enfocado en desarrollar una identidad y conciencia cultural moderna puertorriqueña. Tufiño produjo varias obras encargadas por el gobierno puertorriqueño, específicamente carteles destinados a promover la cultura y la salud pública en la isla. Se hizo un nombre como grabador, ganando el título de “Pintor del pueblo”. En 1954, Tufiño fue galardonado con una beca Guggenheim,La Plena (1952–54), refiriéndose al género musical tradicional puertorriqueño. Fundó el Taller Boricua en 1970 y ayudó a formar El Museo el Barrio en Harlem. En 2003, El Museo el Barrio realizó una retrospectiva de la obra de Tufiño. Ese mismo año, el National Arts Club en la ciudad de Nueva York le otorgó un premio a su trayectoria. Tufiño falleció en 2008.

Clemencia Lucena

B. 1945, Bogotá, Colombia. D. 1983, Cali, Colombia.

Clemencia Lucena
Clemencia Lucena es conocida por dos cuerpos distintos de trabajo: sus parodias feministas de mujeres en concursos de belleza y otros rituales de género, y sus pinturas representativas abiertamente marxistas que ilustran la lucha de clases. Sus primeros trabajos parodian concursos de belleza, concursos, bodas y anuncios de debutantes, burlándose de las representaciones visuales de mujeres idealizadas en esos contextos. A principios de la década de 1970, Lucena se involucró con el Movimiento Obrero Independiente Revolucionario (MOIR), y este momento marcó un cambio radical en el tema de su trabajo. Lucena se dirigió a los problemas de la clase trabajadora, adoptando una praxis marxista radical en su política y realismo social en su obra de arte. Muchas de las obras de Lucena de este período pueden leerse como propaganda política, fomentando la acción social en los trabajadores agrícolas y otros miembros de la clase trabajadora. En 1975

Joaquín Torres-García

Joaquín Torres-García
A una edad temprana, Joaquín Torres-García se mudó de Uruguay a Mataró, España, y finalmente se estableció en Barcelona, ​​donde estudió en la Escola de Nobles Arts “La Llotja” y en el Cercle Artístic de Sant Lluc. Torres-García se involucró con el movimiento del novecentismo, adoptando un enfoque clasicista de su pintura. En la década de 1930, desarrolló su teoría del universalismo constructivo, la creencia de que el arte debería reflejar la pureza geométrica, así como el contenido simbólico. En 1930, junto con los artistas Piet Mondrian  y  Michel Seuphor, Torres-García fundó el movimiento Cercle et Carré (que significa “Círculo y Plaza”). En 1934, Torres-García regresó a Uruguay y abrazó por completo el Universalismo constructivo, combinando las redes estructuradas de abstracción que había visto en Europa con personajes simbólicos alusivos a los sistemas de pensamiento precolombinos. Comenzó a abogar por una tradición autónoma de arte latinoamericano, independiente de Europa, y en 1935, desarrolló La Escuela del Sur, llamando a una inversión del orden político y la jerarquía entre el Sur global y Norte. En 1943, Torres-García ilustró este concepto en América Invertida(“América invertida”), un dibujo que muestra América del Sur al revés, con la línea del ecuador como un marcador visual. A Torres-García se le atribuye el establecimiento de un nuevo orden político y estético en la región, fusionando discursos transatlánticos.

Antonio Dias

B. 1944, Paraíba, Brasil. D. 2018, Río de Janeiro, Brasil.

Antonio Dias

Las obras de Antonio Dias se rebelaron contra la dictadura militar de Brasil desde la década de 1960 hasta la de 1980. Cuando era niño, Dias aprendió a leer cómics, y se dedicó al diseño gráfico cuando era un joven adulto, inspirado en el movimiento Tropicália de Brasil. Después de su mudanza a Río de Janeiro, en la década de 1960, los lienzos de Dias utilizaron imágenes audaces y gráficas, que algunos críticos e historiadores del arte argumentaron que estaban influenciados por las corrientes internacionales Popular. Sin embargo, en contraste con la estética comercial del pop en los Estados Unidos, las obras de Dias a menudo condenaron al régimen militar en Brasil. Como la figura principal en el movimiento de la Nueva Figuración, Dias empujó los límites de la disidencia artística durante un período de fuerte represión. Su Nota sobre la muerte imprevista (1965) contiene imágenes de uniformes militares, nubes atómicas de hongo, máscaras de gas y cráneos humanos. Dias dejó Brasil para ir a Europa cuando la dictadura brasileña endureció la censura y persiguió a los artistas. Mientras estuvo en Italia, Dias se involucró con artistas del Arte Povera.movimiento, y comenzó a hacer películas e instalaciones. En 1977, Dias viajó a Nepal e India, donde experimentó con la fabricación de papel, y en las décadas de 1980 y 1990, enseñó en Alemania y Austria, inclinándose hacia la abstracción en su trabajo. Dias falleció el año pasado en Río de Janeiro a la edad de 74 años.

Rufino Tamayo

Rufino Tamayo

Las pinturas abstractas de Rufino Tamayo, fusionaron la estética precolombina con el modernismo europeo, especialmente el cubismo y el surrealismo. Nacido de padres de ascendencia zapoteca indígena, Tamayo quedó huérfano a una edad temprana y se mudó a la Ciudad de México. Allí, estudió arte, y finalmente fue nombrado diseñador principal del departamento de dibujos etnográficos del Museo Nacional de Arqueología. Tomando prestados formas de objetos cerámicos precolombinos en la colección del museo, muchas de las primeras pinturas y dibujos de Tamayo representaban retratos representativos de mexicanos rurales. A partir de la década de 1920, Tamayo viajó a Nueva York, donde permanecería durante años, inspirado por la experimentación artística que creía que se estaba reprimiendo en México. Las obras de Tamayo durante su tiempo en Nueva York están marcadas por una cualidad surrealista de ensueño, que a menudo incorpora figuras humanas, frutas, o animales en lienzos vívidamente saturados. EnAnimales (1941), dos perros anclan la composición de la pintura: los perros, en muchas mitologías mayas y aztecas, acompañan a los muertos al más allá. Después de la Segunda Guerra Mundial, las pinturas de Tamayo adquirieron una calidad expresionista y gestual. En 1957, se mudó a París, antes de regresar a México hasta el final de su vida. Muchas de las pinturas de Tamayo se encuentran en el Museo Rufino Tamayo de la Ciudad de México, fundado en 1981, 10 años antes de la muerte del artista.

Tarsila do Amaral

B. 1886, São Paulo, Brasil. D. 1973, São Paulo.

Tarsila do Amaral

David Alfaro Siqueiros

David Alfaro Siqueiros
Alex Santana